69 Edición del Festival de Cine de San Sebastián

Este año el Festival de Cine de San Sebastián se ha acercado más a la normalidad. Mucha más gente que el año pasado, aunque seguíamos con aforo reducido, entradas numeradas y normas estrictas. Lo peor, que había que coger las entradas cada mañana a las siete. Hemos dormido poco este festival. Este año he tenido una becaria con acreditación en mi blog y hemos podido ver más pelis para comentaros. Yo empecé con Un segundo de Zhang Yimou (el director de maravillas como Sorgo rojo o La casa de las dagas voladoras). Disfrute mucho con esta película que es un homenaje al cine, con todo lo peculiar que puede ser mostrar cómo era el cine en los años 60 en China. Después fui a ver Jane by Charlotte, un documental que ha dirigido Charlotte Gainsboug sobre su madre, Jane Birkin. Yo de joven, además de querer ser Lauren Bacall, quería ser Jane Birkin. Viendo el documental creo que mejor no, no ha tenido una vida fácil. Es un estilo de documental bastante particular, basado más en la relación que en la biografía. Me gustó. Una de las películas que más me han gustado en esta edición ha sido Maixabel, de Iciar Bollain. La directora es experta en tratar temas difíciles con inteligencia y sensibilidad y también en esta ocasión lo consigue. Blanca Portillo y Luis Tosar están espléndidos y muestra uno de tantos aspectos de nuestra historia que quedan por abordar.

Para compensar, ahora una que me pareció un rollo, aunque se llevo el premio a la mejor dirección y a la mejor intérprete exaequo con Jessica Chastain. Hablo de As in heaven de Tea Lindeburg, un drama rural en la Suecia del siglo XIX que en mi opinión os podéis ahorrar tranquilamente. También os digo que a mí no me elegirán nunca como jurado y, si me eligieran, los otros miembros me expulsarían porque rara vez estoy de acuerdo con el palmarés. Le dieron el premio del jurado al mejor guion a Benediction de Terence Davies, un peñazo sobre la biografía de Siegfried Sassoon, un poeta inglés que sobrevivió a la Primera Guerra Mundial. No dudo de que el personaje sea interesante, pero la película me pareció aburridísima. Por el contrario, mucha gente se aburrió con Vous ne desirez que moi de Claire Simon, que está basada en la relación que mantuvo Yann Andreas con Marguerite Duras. Es cierto que como película resulta lenta y poco cinematográfica, pero la historia me interesó. También os diré que Duras ha caído varios puntos en mi estima. Arthur Rambo, de Laurent Cantet, un director muy de mi gusto, nos muestra cómo las redes sociales pueden encumbrar o hundir a una persona. Una reflexión interesante y poco maniquea sobre un joven de origen argelino de un suburbio de París que triunfa de forma espectacular con una novela. De pronto aparecen unos tweets escandalosos que escribió con un pseudónimo… Red Rocket no me gusto tanto como la anterior que vi de su director, Sean Baker, The Florida Project. En esta ocasión nos muestra a un actor porno venido a menos que vuelve a su ciudad natal. Una historia de perdedores en el Texas profundo. A mi becaria le gustó Josefina, la opera prima de Javier Marco que cuenta la relación entre un funcionario de prisiones y la madre de un preso.

Y a las dos nos encantó Mass, un drama dirigido por Fran Kranz. Dos parejas, que tienen en común una terrible desgracia que afectó a sus hijos, se reúnen para intentar sanar sus heridas. La historia es terrible y los actores espectaculares. En cambio, me dormí en el documental sobre Buñuel de Javier Espada. Tengo que reconocer que fui a verla a las 4:30, que es una hora en la que el cine debiera estar prohibido, pero me pareció que no tenía alma, que era como ver el No-Do. En un muelle de Normadía, de Emmanuel Carrère (no sabía que este hombre dirige, además de escribir) nos cuenta la historia de una famosa escritora que se hace pasar por limpiadora para poder conocer de primera mano la vida de estas mujeres. Juliette Binoche está estupenda, como siempre, y la parte que muestra las condiciones de vida de las trabajadoras está muy bien, pero la historia decae un poco. Ahora van tres opiniones de mi ayudante. La hija, de Martín Cuenca le pareció una historia que atrapa pero que resulta muy inverosímil. Si consideramos que una anterior película de este director era Caníbal, no es de extrañar. Distancia de rescate, de Claudia Llosa aborda el tema de la maternidad (tema recurrente en este festival) de una forma tan extraña que mi amiga no la entendió. Os aseguro que mi amiga es muy lista, si no la entendió es que algo no está bien explicado. Por fin El buen patrón, de Fernando León de Aranoa (un valor seguro). Yo me la perdí por culpa del autobús que me hizo llegar dos minutos tarde, pero espero que la estrene pronto porque según me dijo es una comedia que mantiene la crítica social que es característica de su obra y le gustó mucho. Enquête sur un scandal d’ etat de Thierry de Peretti es súper sin más. Una historia de investigación periodística sobre corrupción policial que no aporta gran cosa. Se puede ver, pero no es un peliculón.

La abuela, de Paco Plaza nos espantó a las dos. Claro que no sabíamos que íbamos a ver una peli de terror. Yo leí que cuidar de su abuela se convierte en una pesadilla para una joven y me imaginé visitas a los servicios sociales, búsqueda de cuidadoras y cosas así, no me imaginaba la abuela diabólica. Las actrices están muy bien, pero solo recomendable para amantes del género. Los ojos de Tammy Faye de Michael Showalte me decepcionó un poco, pero quizás es solo consecuencia de mis expectativas. Trata la historia de un matrimonio de telepredicadores que estafaron a sus seguidores. Jessica Chastain tiene una interpretación impresionante y, además, canta muy bien, pero esperaba que la historia fuera más interesante. También vi una serie completa, porque soy una jabata. La Fortuna, de Amenabar. Es una serie de aventuras sobre un tesoro rescatado del fondo del mar. Un buen producto comercial que mantiene el interés y está bien interpretado. Además, uno de los protas es Stanley Tucci, que me encanta. Y para terminar, Todo ha ido bien, de mi admirado François Ozon. Una buena historia sobre la eutanasia que no resulta sensiblera ni ñoña, que es un peligro que corren las películas que abordan este tema.

Y esto es todo, amigas. En conjunto creo que la 69 edición ha sido buena. Igual en la 70 ya vamos sin mascarilla…

Eloy de la Iglesia versionando a Henry James

Hace poco un amigo me regaló “lejos de aquí”, la biografía que cuenta la relación autodestructiva del actor José Luis Manzano y del director Eloy de la Iglesia. El autor va narrando la historia de sexo, dependencia y excesos de ambos mientras va  explicando los procesos creativos del director zarautztarra junto a sus fieles guionistas. Después de tanto éxito con pelis como “la semana del asesino”, “el pico”, “el pico II” o “colegas”, a de la Iglesia le apeteció versionar una de las historias más famosas del autor Henry James.

Las muñecas antiguas son inquietantes, sobre todo las que llevan lombrices en el ojo vacío

Henry James escribió este breve relato de terror sobrenatural hacia 1898 en el que una institutriz británica era contratada por un señor, tan rico como desaprensivo, el cual le encargaba la educación de dos sobrinos que se criaban en una mansión en la campiña inglesa con el único requisito de que no le importunara jamás sobre nada de estos dos jóvenes que estaban bajo su  despreocupada tutela. La relación de la protagonista, que en el libro no tiene nombre,  el niño, la niña y la criada es la esencia de esta novela de James que se ha llevado al cine en incontables ocasiones. De la Iglesia no se pudo resistir a hacer su propia versión.

Cartel con letras características vascas

Pedro Mari Sánchez es Roberto (Aquí el personaje sí tiene nombre) un exseminarista apocado y un pelín intransigente que gusta de flagelarse para la contrición de sus pecados, aunque sólo sean de pensamiento.  Roberto es contratado por el  conde de Etxeberria , interpretado por Luis Iriondo, actor de apariencia aristocrática que, además, es el compositor de la música de esta cinta y de otras de Eloy de la Iglesia como “el pico”. El señor conde sólo le marca una condición: Que jamás le moleste con nada relacionado con sus sobrinos.

Luis Iriondo, actor y músico. Tan pronto te hace de Lluis Companys como de aristócrata de Neguri

Roberto llega a una mansión en la verde costa guipuzcoana dispuesto a ser un diligente educador de dos niños: Flora y Mikel. Flora es una niña de unos diez años todo bucles dorados y vestiditos con encajes que vive junto a la única persona de servicio que hay en la casa, Antonia, interpretada por la veterana  Queta Claver. Mikel es un preadolescente al que expulsan del colegio de curas donde estudiaba. La relación de los cuatro personajes y algunos elementos sobrenaturales tensa la historia. Hasta aquí os cuento.

Queta Claver es la ama de llaves y los niños de la casa esperando a "los otros".

Viendo la peli se puede disfrutar del encanto de la playa de Itzurun (Zumaia) con sus flyschs y del decorado de la mansión decimonónica conde moran los personajes de la historia basada en la novela de Henry James.

Modelitos decimonónicos

Como no puede ser de otra manera en la filmografía de Eloy de la Iglesia, la peli es una historia que no pasaría el test de Bedchel. Si no me equivoco, y puede que lo haga, la única peli del zarautztarra en el que hay personajes femeninos de peso que no están de satélite de un varón es la que hizo a continuación de esta peli gótica-kitsch que hoy traemos. La peli posterior no es otra que  “la estanquera de Vallecas”.  En esta versión del texto de James hasta la institutriz ha cambiado de sexo, pasando a ser un joven  y  pusilánime exseminarista.

Pedro Mari temiendo encontrarse con Nicole Kidman

De la Iglesia y Sánchez tuvieron una relación laboral de lo más áspera. Sánchez no entendía por qué su personaje debía ser homosexual, aunque fuera reprimido, cosa que se deja insinuar de una manera muy fugaz en la peli, pero ya sabemos que de la Iglesia no concebía las historias de sus cintas sin ese toque tan personal, sobre todo en una época, ya a mediados de los 80, donde el franquismo es el que se ha metido en el armario y la visibilidad gay comienza a tratarse con naturalidad.  Tentado estuvo de la Iglesia a prescindir del afamado actor teatral cosa que no hizo porque ya se llevaba gran parte del rodaje hecho y el cambio a esas alturas era tirar un dinero que no se tenía con tanta facilidad a pesar de las subvenciones.

El toque Eloyano y la erótica del cuerpo joven

Esta no es una de las pelis más famosas de Eloy de la Iglesia y no funcionó en taquilla a pesar de las buenas críticas recibidas, pero, ya se sabe, la gente veía en las pelis de de la Iglesia lumpen, navajazos, atracos y jeringuillas, y un dramón de terror sobrenatural ambientado en una costa guipuzcoana del final del siglo decimonónico no se ganó al público. 

Juli Gan.

Nieva en Benidorm

 

 Sé que soy una persona afortunada. Poder ver y comentar una película con tu madre de 76 años, a la cual debes tu aflicción por el cine desde niña, no está al alcance de cualquiera.

Por eso hoy, ya en plenas vacaciones, quería dedicarle una reseña a la última que hemos vista juntas desde este pequeño pueblo en algún lugar de Castilla la Mancha: " Nieva en Benidorm" de Isabel Coixet.

Si no fuera una seguidora admirada de la filmografía de Isabel Coixet ( Cosas que nunca te dije, Mapa de los sonidos de Tokyo, Mi vida sin mi, Nadie quiere la noche.,La librería ,Aprendiendo a conducir..etc...etc.) ) tal vez, hubiera sido menos probable que esta película no me hubiera parecido fascinante, pero tenía todas las papeletas para caer una vez más rendida a sus pies por su manera de hacer cine, tan intimista ,tan particular y a la vez no manifiestamente pero sí, intrínsecamente transgresora.

Transgresora "Nieva en Benidorm" porque entre otras cosas, los personajes protagonistas son de alguna manera personas que socialmente, con los baremos oficiales (poder, reconocimiento público, prestigio......)no son precisamente triunfadores y tampoco son personas con una red de afecto estable y satisfactoria, pero son los que Coixet le interesan y sobre los que pone el foco una vez más.

Peter Riodan (grandioso Thimoty Spall) es un ex-banquero inglés aburrido, metódico, tímido y obsesionado con los fenómenos meteorológicos. Lleva años sin saber de su hermano Daniel, que por lo que sabe es un hombre de negocios afincado en Benidorm, por lo que cuando el banco decide sin previo aviso deshacerse de él concediéndole la jubilación anticipada, se lanza a la aventura de viajar hasta Benidorm para reencontrarse con su hermano Daniel.

A su llegada a la singular Benidorm, Peter descubre que su hermano ha desaparecido y que es propietario de un club de burlesque donde trabaja Alex ( grandiosa Sarita Choudhury).

Peter y Álex intentarán averiguar el paradero de Daniel  ayudados por una particular policía local obsesionada por la poesía y por Silvia Plath, e interpretada por la sin par Carmen Machí.

Tal como dice Fotogramas, la ciudad de Benidorm es un personaje más en este romántico thriller, donde como dice uno de sus personajes "cualquier cosa es posible", incluso cuando tu vida parecía no daba más de sí, o ya no contabas con que la vida pudiera sorprenderte también para bien.

Además hay que señalar la participación especial en la película de Ana Torrent, encarnando un misterioso y oscuro personaje a modo de mujer de la limpieza del hotel, obsesionada en secreto por la exuberante Alex , aficionada en sus ratos libres a los conjuros y la brujería y trayéndome a la memoria a la inquietante ama de llaves de "Rebeca" de Alfred Hitchcock. Sin desmerecer la interpretación de Pedro Casablanc, como un carnicero perverso que perpetúa un secuestro y nos deja un personaje siniestro y por momentos, aterrador.

Expuesta la trama y los personajes, os daré resumidamente algunas razones poderosa para ver "Nieva en Benidorm", siendo lo más objetiva posible y dejando en el inconsciente bien guardada todos los recuerdos felices y por supuesto idealizados que me vinculan a la ciudad:

1) El universo emocional de los personajes y su encuentro.

Fascinada como estoy por los personajes solitarios, de mediana edad, cuyas cartas  parece ya  han sido dadas, tal cual la vida de Peter y de Alex.

Ya nadie daría un duro por ellos por separado, nadie les vaticinaría un futuro en el marco del éxito social más convencional: familia, niñ@s, tal vez, una mascota, barbacoa los domingos....etc... sin embargo si ahondamos un poco, Alex al margen de convencionalismos es una mujer poderosa, sensual, exuberante y también empoderada ,en el extrarradio de lo políticamente correcto y aceptable. Se auto-reconoce independiente, regenta un negocio del que es socia, es buena jefa y no quiere que nadie venga a salvarle, se sabe dueña de su vida y libre.

Por su parte, Peter, es el semblante del perdedor en el mundo capitalista neoliberal y deshumanizado que nos toca vivir, sin ambiciones, sin rasgos competitivos ni narcisistas, va por la vida, como un niño lleno de años, inocente e incluso, altruista ¿ realmente ha fracasado en la vida? depende sin duda del baremo que cada cual utilice. Un hombre que lo único que le hizo ir hasta Benidorm era encontrar a su hermano y al final, contra todo pronóstico, parece que  se encuentra a sí mismo.

Por otra parte:

¿ qué probabilidad hay de que dos personas tan diferentes incluso residentes en diferentes paises se conozcan y de manera tan inintencionada, se cambien la vida el uno al otro? ¿una entre cien, entre mil?

2) La ciudad como una protagonista más

Porque ese Benidorm cruce de caminos y destinos de colectivos tan diversos como los guiris a menudos británicos hayan votado al Brexit o no, los españolit@s que se dedican un homenaje en sus sin duda merecidas vacaciones de playa y nuestr@s mayores con sus viajes del Imserso, son una mezcla singular y particularísima de la ciudad de los rascacielos que es prima hermana de Nueva York pero en pequeño y con la particularidad de estar bañada por el Mediterráneo.

Una geografía conectada con el cielo, ese cielo que es clave en el afán meteorológico de Patrick: las nubes, el sol, la niebla, la luz que parece cegadora y que en realidad no es tan blanca como pareciera...

3) Signos de identidad y guiños de Isabel Coixet al cine, a la literatura, a su madre.

Algunos guiños que hemos visto y otros que nosotras hemos creído ver:

- Las fotografías en el aeropuerto: la madre de Isabel Coixet

-Universo Almodovar: vemos claramente, más allá del cuño en la producción de "EL deseo", la influencia del cineasta manchego en la cuidada fotografía, la banda sonora, la estética como un CULTO al que hay que reverenciar.

- "Abierto hasta el amanecer" en un número del club de Burlesque, la artista nos recuerda a Salma Hayek en su inolvidable actuación con una serpiente

- " Gilda" en una actuación de Alex con las perlas, apoyada en una pared del escenario, nos viene a la mente la imagen de Rita  Hayworth

-Silvia Prath....una escritora estadounidense que está presente en la película, que es un referente cultural para ella.

4) Crítica antisistema.  No hay película de Coixet sin reflexión crítica del mundo que vivimos.

No sólo se pone en tela de juicio la especulación urbanística sino también el universo de los bancos con todas sus luces y sus sombras. Peter nos deja además una frase con una clara declaración de intenciones: "algún día te arrepentirás de dedicar toda tu vida a dar dinero a gente que no lo necesita y negárselo a la gente que lo necesita de verdad".

4) El karma y la esperanza

¿existe una segunda oportunidad para Peter en respuesta a sus buenas acciones con los colectivos más vulnerables en su trayectoria como banquero?

¿hay en el desenlace o incluso durante toda la película un barrido de la añoranza por el pasado y una decidida apuesta por el futuro para quienes como Peter, deciden abandonar su zona de confort?

Os dejo estas dos preguntas en el aire y os animo a que me respondáis en los comentarios a fin de encender la chispa del debate abierto en torno a todos los interrogantes que deja la película o tal vez la propia directora no sé si de manera intencionada.

Os deseo un feliz verano, donde todo sea posible, estéis o no estéis en Benidorm.

Troyana

Los Durrell

Este año, aunque he ido al cine como si no hubiera COVID, no me ha parecido muy bueno en las carteleras. Sigo yendo cada semana porque creo que sustento a los cines de mi ciudad (con la ayuda de algunos amigos), pero la verdad es que he disfrutado más con las series. También empiezo a ser mecenas de las plataformas de series, aunque eso ya no me hace tanta ilusión. El caso es que me recomendaron los Durrell y fueron una compañía extraordinaria para una época tan fea. La serie consta de cuatro temporadas con un total de 26 capítulos y está dirigida por Simon Nye (creador), Steve Barron, Roger Goldby y Edward Hall. Está basada en los libros de Gerald Durrell Trilogía de Corfú, que se compone de Mi familia y otros animales, Bichos y demás parientes y El jardín de los dioses. Cuando era joven leí El cuarteto de Alejandría, la tetralogía de Lawrence Durrell y me impactó muchísimo. No sé si la entendí muy bien, pero me moría por parecerme a esos personajes exóticos y torturados. Años después, cuando conocí a Julio (mi marido) me habló de Gerald y me dijo que, de los Durrell, era el bueno. A mí aquello me pareció una herejía, pero leí sus libros y me encantaron.

Eran historias mucho más sencillas y pegadas a la tierra, menos profundas y, desde luego, mucho menos pretenciosas. No he vuelto a leer El cuarteto de Alejandría (me da miedo decepcionarme), pero estoy segura de que, si vuelvo a leer la Trilogía de Corfú, volveré a disfrutar. No sé cómo de fiel a los libros es la serie, hace demasiados años que los leí para recordarlos bien, pero desde luego mantiene el espíritu. Para los que no los conozcáis, cuenta las peripecias de la familia Durrell durante los cuatro años que pasaron en la isla griega. Mrs. Durrell se quedó viuda con cuatro hijos: Lawrence, Leslie, Margo y Gerald y con muchos problemas económicos. No sé muy bien cómo se le ocurrió la idea de irse a Corfú, pero la familia había vivido en la India y dejar una Inglaterra triste y lluviosa no pareció importarles mucho. La serie nos muestra una isla idílica, pese a los muchos problemas prácticos, económicos y de choque cultural a los que deben enfrentarse. A nosotros nos parecía que cenábamos cada noche con ellos, en el mediterráneo, en una villa destartalada rodeada de buganvillas y con el mar enfrente. Todos los personajes son fascinantes: la madre, entre el sentido común y la extravagancia; Lawrence (maravilloso Josh O’Connor, el príncipe Charles en The Crown, al que podemos asegurar que la serie no ha encasillado) convencido de su propia importancia como escritor mucho antes de alcanzar la fama; Leslie, al que debieron cambiar en la cuna al nacer porque no pega nada en la familia, siempre cazando y disparando; Margo, que al principio parece tonta perdida pero se convierte en uno de los personajes con más gancho, y, por supuesto, Gerald, un niño de diez años fascinado por los animales, que disfrutará de unos años maravillosos, sin escuela ni normas estrictas, aprendiéndolo todo sobre los animales de la isla. Aparte de la familia, hay un montón de buenos personajes. Mis favoritos son Spiros, un taxista, hombre para todo sin el que la familia no hubiera sobrevivido, y Lugaretzia, la criada pesimista que suelta verdades como puños.

La vida de Gerald Durrell siguió el mismo camino caótico de sus años de Corfú.: trabajó en zoológicos, autofinanció viajes de expedición y rescate de animales, se arruinó varias veces, fue presentador de programas sobre animales, montó su propio zoológico en Jersey y recibió la Orden del Imperio Británico. Comenzó a escribir para poder financiar sus viajes y, sorprendentemente, fue un buen sistema. A mí jamás se me ocurriría confiar la financiación de un proyecto a los beneficios de un libro, pero tampoco escribo tan bien como Gerald Durrell.

Es una serie amable, luminosa, para disfrutar y soñar con paraísos que ya no existen (probablemente, nunca han existido). Las comidas en una mesa metida en el mar, los picnics a la puesta del sol, la sensación de vacaciones eternas de la infancia, la moda de los años treinta. Tiene todos los elementos que yo necesito para ser feliz.

GENERA+ION

Dado que el lunes se celebró el día del Orgullo LGTBIQ, aprovecho para recomendaros una serie que me ha encantado:

GENERA+ION

Esta serie de HBO explora el mundo de un grupo de estudiantes de secundaria, un grupo diverso con orientaciones diferentes que ponen a prueba las convicciones más conservadoras de la sociedad norteamericana más reaccionaria.

¿ POR QUÉ VER GENERA+ION?

1) Un guion escrito por un adolescente, a diferencia de tantas y tantas series de adultos que hacen retrospección sobre su turbulenta y convulsa adolescencia.

Igual ya lo sabéis, pero el origen de Genera+ion es un guion escrito por Zelda Barnz en 2018 , que con tan solo 17 años envió el guion del piloto de su primera serie de HBO.

Fue animada por su padre Daniel, que es guionista con trayectoria tanto en cine como en televisión. El guion retrataba la vida de unos jóvenes atrapados entre la fuerza de sus emociones y unos adultos que están tan metidos en sus propios problemas que son incapaces de entenderles.

De esta forma, Genera+ion es una serie en la que se percibe honestidad, conocedora de primera mano de la realidad que narra y trascribe.

2) La participación en el proyecto de Lena Dunham (Girls) quien pidió formar parte de la producción de la serie.

Si habéis visto "Girls" ,que es absolutamente adictiva y delirante, entenderéis que Dunham, escritora, directora y actriz protagonista de la serie, es una garantía más en Genera+ion, ya que el hecho de que este proyecto haya llamado su atención, es un nuevo intento de hacer de altavoz de una generación Z ( los nacidos entre 1994 y hasta 2010) , que se mueve con códigos nuevos y que es la clave de este subgénero de series teen. Hablamos de jóvenes que son nativos digitales, autodidactas, adictos a las redes sociales y los dispositivos móviles, globales, inconformistas y con problemas de acceso al mundo laboral.

3) Personajes LGTBI+

La gran mayoría de los adolescentes de la serie se identifican como LGTBI+ de una manera totalmente normalizada. Se observa que los protagonistas viven su orientación con naturalidad y con mucha más libertad que hace años.

 Personajes favoritos por el público:

- Chester .Interpretado por Justice Smith. Chester es un deportista becado que se expresa como queer ,es transgresor y le importa poco lo que los demás puedan pensar de él .

La cámara le adora y su personaje nos engancha por la honestidad con la manifiesta todo tipo de emociones. Sin él , la serie perdería fuelle, porque es carismático, un líder natural sin proponérselo.

- Riley (Chase Sui Wonders) y Greta (Haley Sanchez)

Riley es un personaje que se muestra con dificultades a nivel académico. Sus padres están separados y ella vive con su padre y con la pareja de éste. Se siente sola y perdida y se enamora de Greta, que parece no tener muy claros sus sentimientos hacia ella, o sí, y no se atreve a vivirlos.

Greta es hija de inmigrantes latinos.Ha sido criada por su madre y su tía, y vive con su tía. Es emocionalmente reservada y está en fase de descubrimiento de su propia identidad. Da la sensación de que se siente atraída por Riley pero a la vez se muestra ambivalente y distante, como si no terminara de auto-aceptarse.

Son solo tres del maravilloso elenco de actrices y actores que forman parte del reparto.

4) Los temas que aborda

Genera+ion nos habla de amistad,de alianzas incondicionales,de corazones rotos,de dificultades en la comunicación con los padres, de soledad, de aislamiento en la paradoja de la conexión prácticamente permanente a través de las redes sociales. Nos habla de una generación Z de la que tenemos sin duda mucho que aprender.

Los vínculos entre iguales se mantienen y no hay lugar para la transfobia o la homofobia porque el respeto es innato y se da por hecho en una sociedad sana y diversa. No hay lugar tampoco para las etiquetas. Tal cual dice Riley cuando le preguntan si ha salido alguna vez con una chica, ella contesta: "no, con que sea sexy, me basta", se limita a ser quien es.

Son jóvenes sí, pero debaten con conocimiento de causa sobre los temas que les afectan y no sólo se informan, también combaten todo tipo de prejuicios sociales.Su cuestionamiento por ejemplo en torno a l género binario,sobre la identidad,las familias homoparentales está integrado y es expresado mientras realizan las actividades propias de su edad: salir de fiesta, pasar mucho tiempo con los amig@s, ir al instituto...etc...

Las dificultades las encuentran en una sociedad que se aferra a convicciones no siempre razonadas y muchas veces reaccionarias y unos padres que se niegan a ver cómo son sus hijos y hacen verdaderos esfuerzos por aferrarse a la imagen idílica y heteronormativa que tienen de sus hijos y que en muchos casos no se ajusta a la real.

No es de extrañar que l@s adolescentes de GENERA+ION se encuentren entre amig@s mucho mejor que en su propio hogar.

La serie es una maravilla y nos recuerda al camino ya abierto por la impecable Euphoria de HBO .No es una serie solo para adolescentes, es una serie yo diría necesaria para adultos, una fuente de aprendizaje y un canal de acercamiento y proximidad con la lastrada generación Z.

Feliz fin de semana,

Troyana

“Al encuentro de Mr. Banks”: en recuerdo de Pamela Lyndon Travers

El título original, en inglés, de la película de la que os quiero hablar hoy es “Saving Mr. Banks”, un título con un bonito juego de palabras que me veo incapaz de traducir decentemente al español, cosa que también les ha sucedido, al parecer, a las personas encargadas de bautizar esta peli en castellano, pues optaron por otro título nada arriesgado y un poco anodino: “Al encuentro de Mr. Banks”. Ambos, el título español y el inglés, se refieren a un personaje masculino un poco secundario en esta historia: el padre de los niños que cuidada Mary Poppins.

Yo, en cambio, he querido elevar al título de este mi articulito a la creadora de Mary Poppins, Pamela Lyndon Travers, la relativamente desconocida escritora en cuyas novelas se basó la conocidísima película de Disney.

“Al encuentro de Mr. Banks” es una especie de “making of”, un biopic novelizado sobre la construcción del film “Mary Poppins”, una de las obras maestras de la factoría Disney. Es lo que más nos gusta del mundo: cine sobre cine; una historia de los estudios Disney producida por Disney.

Antes de seguir, os confesaré que de niña no fui yo precisamente fan de Mary Poppins. Ni del personaje ni de la película. A ella, a la institutriz, la encontraba rara, seca, antipática, atípicamente seria, con su rancio traje oscuro, tan diferente del divino vestido rosa de Cenicienta en el baile de palacio o aquel otro que las hadas juguetonas y reilonas cambiaban de color en “La bella durmiente del bosque”. Por cierto, Pamela Lyndon Travers publicó en 1975 un ensayo sobre este relato: “About the Sleeping Beauty”.

Tuve que hacerme adulta y convertirme yo misma en una señora con traje oscuro para empezar a apreciar a Mary Poppins; y tuve que esperar a ver “Al encuentro de Mr. Banks”, que salió en 2013, para entenderla un poco más, a través de su creadora.

Pero, antes de ir con ella, hablemos un poco de la película. Como os decía antes, cuenta las peripecias de Walt Disney y sus arduas negociaciones con Travers, para llevar a la pantalla su saga de novelas protagonizada por Mary Poppins, ya que, al parecer, Walt les había prometido la peli a sus hijas, que eran muy fans de Poppins y de Travers.

Así, el bueno de Walt aparece como un tipo simpático que se enfrenta a la buena de Travers, una señora neurótica y frágil, acérrima defensora de su niñera de ficción y en principio muy reacia a que se viera fagocitada por la maquinaria de Hollywood y enñoñecida con dibujos de animalitos y cancioncillas ridículas. El relato de las divertidas negociaciones se entrecala con flash backs de la infancia de Travers en Australia y su adorado padre alcohólico.

“Al encuentro de Mr. Banks” está dirigida por John Lee Hancock, un tipo de no muy brillante cinematografía, y su guion se debe a Kelly Marcel, autora también del guion de la “Cruella” de Emma Stone. Mucho más conocidos son sus intérpretes: Emma Thompson como la novelista; Tom Hamks como Walt Disney; Paul Giamatti como el chófer y único aliado de Travers en Los Ángeles; y Colin Farrell como el padre de Travers.

Pamela Lyndon Travers

Ahora sí. Vamos con Pamela. Además de escritora, Travers fue también actriz y periodista. Había nacido en Queensland, Australia, en una familia acomodada, de banqueros y políticos. De joven comenzó a publicar poemas y a representar a Shakespeare en teatros de todo su continente. Con 25 años se mudó a Inglaterra, donde permaneció toda su vida hasta que falleció en 1996 con 95. Con poco más de treinta había comenzado a escribir su serie de novelas infantiles de la popular niñera. Además de esta saga, publicó diez novelas más y cuatro ensayos. Detestaba la popularidad y se esforzó siempre por permanecer alejada de los focos, sin dar a conocer nada de su vida personal.

Dicen que a Travers no le gustaba Disney porque odiaba los finales felices. Por eso el final de su relación fue infeliz. La película no lo cuenta, pero en realidad sucedió que Travers quedó tan disgustada con la producción de Disney que se negó a venderle los derechos del resto de sus novelas de Mary Poppins, que en total fueron ocho. Al final se se salió con la suya y el final fue amargo, sin un poco de azúcar.

 

Noemí Pastor

Ratched

En la edad de oro de las series de televisión  las hay de todos los colores, sabores y olores. Hay series fantásticas hechas a base de talento y pasta y series mediocres, más de una. En cuanto a la temática, las series policíacas y los thrillers con conspiraciones diversas abundan como las moscas en verano. También me escama tanta serie nacional para Netflix con protagonistas  prostitutas pasadas de rosca, todo modelitos hipersexualizados y proxenetas zafios y brutales. ¿Tan limitada es el campo argumental para interpretes femeninas que subliman la trata en series como Sky Rojo o El Inocente? Pero dejémonos de este tipo de producto y vamos a por otro lleno de singularidad. Se trata de un drama psicológico ambientado al final de los años 40 del pasado siglo.

¿Seguro que el verde es tranquilizador?

Porque singular es, sin duda, la serie Ratched. Mildred Ratched  es un personaje de “alguien voló sobre el nido del cuco”. El personaje antagonista. La enfermera malvada que castiga con saña a quien no sigue sus estrictas normas. En la famosa peli de Milos Forman, la enfermera Ratched estuvo encarnada por Louise Fletcher, que consiguó el inquietante papel después de que lo rechazaran incontables famosas actrices. El personaje se convirtió en uno de las villanas por antonomasia.

Modelitos y vistas californianas

La serie que lleva su apellido en su primera, y por ahora, única temporada, nos lleva a finales de los años 40, recién acabada la segunda guerra mundial donde una joven Mildred Ratched (Sarah Paulson) consigue, con magistrales artes de manipulación, convertirse en una prestigiosa enfermera en un hospital psiquiátrico dirigido por un médico inquietante y gobernado por una odiosa jefa de enfermeras.

El dr. Hannover en su despacho.

Lo fascinante de la serie es el vestuario, la iluminación y la fotografía. Todo ello ayuda a crear un ambiente entre elegante y  temible. Los personajes que aparecen en la serie aportan matices originales. Se nota que las actrices veteranas se han divertido.

Plantándole cara a la jefa de enfermeras.

Quizá lo que le falla a la serie es que, con el paso de los capítulos, la historia se va reblandeciendo, a pesar de las dosis de criminalidad que contiene, y acaba intentando hacer de la maquiavélica protagonista un ser honesto, cosa que le quita gracia, la verdad. La trama acaba caricaturizándose, lo cual es una pena.

Secretos y pacientes peligrosos de psiquiátrico

Se nota el toque de producción de Ryan Murphy  ya que los principales intérpretes y el arranque de la serie recuerdan a American Horror Story y a American Crime Story, que no dejan de ser las versiones modernas y yankees, si me permitís la comparación salvaje, de nuestra “la huella del crimen” de Pedro Costa Musté, ya que en ambas se narraban truculentos crímenes de sendos países. Como decía, tanto Sarah Paulson (Mildred Ratched),  Finn Wittrock (Edmund Tolleson) o Jon Jon Briones (dr. Hannover) han participado en ambas series.

El dr. Hannover (Jon Jon Briones) y su paciente la sra. Wells (Sophie Okonedo)

Aparte de la trama, de los trajes con sombrerito de los 40, los juegos de luces, los colores pastel y la música, es agradable encontrarse con tanta actriz veterana como Amanda Plummer, Sharon Stone, Rosanna Arquette e inlcuso Vincent d’Onofrio.

Mi mono Amedio y yo....

Te lo pasas bien viendo modelitos y los tonos pastel del hospital. 

Juli Gan