Ennio Morricone o la guinda mediterránea del western.

¿Qué sería de los westerns sin la aportación italiana? Bueno, va, la mayor parte de las pelis rodadas de este tipo no pasan de ser pura anécdota, pero las hay que brillan con luz propia, como esa trilogía dirigida por Sergio Leone. ¿Y qué sería de esas pelis sin la magia que infunde en ellas su gran música? Hay que reconocer que fue un italiano  el que le puso carácter a la melodía del western de los años sesenta. Todo el mundo reconoce el sonido de la flauta de "el bueno, el feo y el malo", y la trompeta del duelo final en el cementerio, que no está en Almería sino en Burgos en ese duelo a tres. Todo el mundo sabe cómo suena la armónica de "hasta que llegó su hora". La música original, celebrada y reconocible de Ennio Morricone, que aún, nonagenario sigue dedicado a su oficio.

Ah, id pinchando, si os agrada la música, en los enlaces que son las letras de color azul.

Dirigiendo.

Morricone hubiera preferido ser médico o ajedrecista, pero su padre, trompetista, se empeñó en que si él se ganaba la vida con aquél instrumento, su retoño debía dedicarse a lo mismo. Y Morricone entró en el conservatorio más por su padre que por propia convicción. En esto de poner música a las películas se dedicó más adelante, hacia finales de los años cincuenta, dedicándose al cine de su país, hasta que un día Sergio Leone lo convenció, después de mucho darle la lata, para que compusiera las melodías de "Por un puñado de dólares" (1964)

Morricone y Leone, del spaghetti western al mundo entero.

La casualidad quiso que el día que se vieron por fin para hablar de ello se reconocieran como los dos críos que habían ido al mismo colegio  y jugado a las orillas del Tíber. Aunque Leone pretendía que Morricone imitara la música de western auténtico como las del compositor ruso Tiomkin, se tuvo que dar por vencido y aceptar las partituras del gran Ennio. Por cierto, Morricone firmó esta peli con el seudónimo de Dan Savio y Leone, a su vez,  con el de Bob Robertson. Cosas de parecer menos italianos de lo que eran, claro.

Leone y Morricone, compañeros de colegio.

Después de la primera peli, la trilogía del dólar se completó con "la muerte tenía un precio" (1965) y "el bueno, el feo y el malo" (1966). Un par de años después volvió a colaborar con Leone en "hasta que llegó su hora", pero esta vez su héroe silencioso no era Clint Eastwood sino Charles Bronson y el malo no era Lee van Cleef, sino Henry Fonda. En esta película, cada personaje tenía su tonada, así cada vez que "Cheyenne" (Jason Robards) aparecía en escena, sonaba el sincopado banjo que le representaba, cosa que también ocurría cada vez que Jill (Claudia Cardinale) entraba en escena.

Cheyenne (Jason Robards) tiene su melodía propia.

Pero no sólo hizo pelis del oeste con sabor mediterráneo que impactaron hasta en los EEUU, sobre todo porque con ellas se dio a conocer el duro Clint Eastwood, hasta entonces, mero confidente de la mula Francis. La música original de estas originales pelis llevaron a Morricone a ser un compositor de fama para el cine, aunque el óscar se le resistió, a pesar de haber sido nominado con auténticas obras maestras como la banda sonora de La Misión (1986) de Roland Joffé o Los intocables de Elliot Ness (1987) de Brian de Palma.

Gabriel's oboe (La misión), una composición exquisita.

Pero no todo es musicar cine para los americanos. Afortunadamente Morricone es italiano, algo que beneficia al cine europeo al regalarnos cosas como esa memorable banda sonora de ese film tan del gusto de los amantes del séptimo arte que es "Cinema paradiso " (1988) de Giuseppe Tornatore.

Óscar tarantiniano, niano, niano, naaaá.

Y, sin embargo, no fue hasta después de ganar un óscar honorífico por su vasta producción musical, hito acontecido en 2006, cuando lo ganó, por derecho propio, con un western, cómo no. Una cinta de ese mitómano fervoroso que es Quentin Tarantino. Con "los odiosos ocho", Morricone ganó su óscar en 2015.

Unos yankees por Burgos.

Morricone ha compuesto centenares de partituras para centenares de pelis y series de televisión. Morricone sigue componiendo, aunque el año pasado diera una gira mundial para colgar la batuta. Morricone se ha ganado, por derecho, ser parte inmortal y fundamental de la historia del cine.

Juli Gan.

MUJERES DE CINE IV

                                     ( Imagen de "Mustang".2015. de Deniz Gamze Ergüven )


Mi turno en Zinéfilas coincide casualmente  con el 8 de Marzo,día internacional de la Mujer.
Por ese motivo, aunque mi intención inicial no fuera esa,me asalta el impulso de dedicar una entrada a la mujer en el cine, tal cual hice en 2011 desde este blog con  Mujeres de cine , en 2013 desde "Historias Troyanas" con Mujeres de Cine II y en 2014, de nuevo desde Zinéfilas :
Mujeres de cine III.


A continuación, haré una selección SUBJETIVÍSIMA ,sobre las mujeres que en el cine más reciente que vi,me impactaron por uno y otro motivo ,me sirvieron de guía, inspiración, referente, me despertaron alguna emoción o me hicieron pensar no un momento ,sino de manera recurrente....espero como siempre vuestro FEED-BACK, vuestras opiniones, vuestras aportaciones a la que por otra parte, hubiera sido vuestra propia lista, para que disfrutemos tod@s con ese proceso de debate y contraste, de enriquecimiento fluido y mutuo.

1. LA " AVA GADNER "DE DEBI MAZAR en "ARDE MADRID"( 2018)Me parece una mujer empoderada primero por como físicamente se muestra al mundo,su presencia es ya toda una estampa de poderío sin fisuras pero además,su personaje en la serie "Arde Madrid" de Paco León,es una mujer empoderada sobre todo a nivel personal,más que laboral,ya que se muestra totalmente dueña de sí misma y de su cuerpo en el terreno sexual,sin complejos,sin concesiones a los convencionalismos sociales,sin la represión propia de la época que le tocó vivir.

2. EMILY MORTIMER EN "LA LIBRERÍA" DE ISABEL COIXET (2017)

Este personaje me fascina porque fue pionera y transgresora sin abandonar nunca las formas y sin perder el control.Me gustan esas otras rebeliones silenciosas y pacíficas que sin hacer apenas alborotos ponen patas arriba las buenas costumbres en lugares pequeños  donde los cambios siempre conllevan cierto grado de sospecha.

3.BEATRICE ( Valeria Bruni Tedeschi) y DONATELLA ( Micaella Ramazzotti) en " LOCAS DE ALEGRÍA" (2016)

Esta pareja de desconocidas excluidas de la sociedad se encuentran y el mundo de ambas cambia repentinamente DESDE LA AMISTAD Y LA SORORIDAD. 

Ninguna institución supo llegar donde llegaron juntas,todas sus grietas parecían menos profundas ,todos sus golpes parecían superables.A veces el paraíso está en ese hombro que se brinda para que llores si es preciso,océanos de lágrimas.

4. STELLA GIBSON ( GILLIAN ANDERSON) EN LA SERIE "THE FALL" ( LA CAZA)2013

           Stella Gibson (Gillian Anderson)  en The Fall (La Caza) de 2013

Sobran los motivos (como diría Sabina) para incluir a Stella Gibson en esta lista porque desde luego si hay un papel en la televisión ,donde su protagonista femenina desafíe todos los estereotipos de género ése es Stella.

Sólo unas pinceladas: Stella es policía y lidera una investigación para atrapar a un psicópata responsable del asesinato de una serie de mujeres. Rescato la descripción que hice de su personaje

"

Stella Gibson es una mujer que ostenta un cargo de  mando y ejerce su profesión de manera fría, racional, manteniendo a un lado su vida personal, incluida su orientación sexual (¿bisexual?¿pansexual?), desarrollando sobre todo y por encima de todo, su hemisferio izquierdo, haciéndose respetar y obedecer sin que en ningún momento veamos que su condición de mujer, interfiera a la hora de que los demás reciban sus instrucciones y cuestionen su autoridad"

5.ENMA SUAREZ EN "JULIETA" DE PEDRO ALMODOVAR (2016)

 ENMA SUAREZ en "JULIETA" de Pedro Almodóvar ( 2016)

Me impactó este personaje porque eso de que el amor más incondicional que existe es el de una madre,aquí en "Julieta" queda reflejado. Esa tenacidad del amor es casi de otro mundo.

6. BARBARA LENNIE EN "LAS FURIAS" DE MIGUEL DEL ARCO (2016)

 Su personaje rompe todos los estereotipos pues mantiene una relación sentimental con otra mujer que le dobla o le triplica la edad y no le importa en absoluto la aprobación social ni tampoco la familiar. En la película Mercedes Sampietro es su pareja, curiosamente, el personaje que interpreta Sampietro muestra más dudas sobre la viabilidad de la relación que el personaje al que da vida Lennie ,por sus hijos ,por la presión social.....

7.CARMEN Y LOLA de ARANTXA ECHEVARRÍA (2018)

Carmen y Lola ( 2018.Arantxa Echevarría):  La transgresión del primer amor.

No podía dejar de mencionarlas a ellas: a las  mujeres que hacen la revolución amándose, porque no nos engañemos ,el patriarcado ejerce su poder de forma directa y sublime ,porque la mujer ha de ingeniárselas para poder ser libre por encima de tanta represión y tanta imposición social sobre cómo ha de ser y comportarse .Por eso vivan las almas libres que se atreven a romper sus cadenas ,a volar alto sin pedir permiso para ser ellas mismas por encima de las expectativas ajenas.

Feliz finde, zinéfil@s

Troyana

Summer nights

Bien, me ha tocado a mí la última entrada del blog antes del parón veraniego y para desearos a todos unas felices vacaciones no se me ha ocurrido nada mejor que dejaros con una canción que evoque los placeres estivales.

No valía una canción cualquiera, esto es un blog de cine, y por eso me he decantado por "Summer nights" de "Grease", en la que Olivia Newton-John y John Travolta relatan a sus amigos cómo fue su romance playero, cada uno con su propia versión de los hechos, claro.

¡Feliz verano!

Doctora

Más dura será lacaída (The Harder They Come)

Y hoy en Zinéfilas la película jamaicana que enseñó a lo largo y ancho del mundo qué era eso del reggae.

Cartel colorido

El productor de esta cinta de 1972 no es otro que el avispado Chris Blackwell, el ex-ayudante del gobernador británico de Jamaica, cuando aún era territorio de su graciosa majestad. El mismo Blackwell que llevó a la estridente niña Millie Small a grabar "my boy lollipop" a Londres, que se asoció con Virgin records, sacando la filial Island records, de la cual se difundió al mundo, por ejemplo, la archirreconocible voz de Bob Marley con sus Wailers. Pero antes de tío Bob hubo, y hay, un fantástico músico jamaicano que producía exitosos hits como si fueran churros, que no es otro que el protagonista de esta cinta: Jimmy Cliff.

Ivan llega del pueblo

Jimmy Cliff es el prolífico músico que pone la cara y la voz al protagonista de la cinta que pasaré a "sinopsear"a continuación. Curiosamente, aunque sus temas se hicieron populares, él no gozó de fama fuera de su isla, a pesar de que todo el mundo haya oído alguna vez "many rivers to cross", "reggae night" o "the harder they come".

Grabando "the harder they come" con el cigarrico

La peli:

Cuenta la historia de Ivanhoe, "Ivan" Martin, Jimmy Cliff, que llega desde su pueblo del interior de la isla a Kingston, la capital, a un barrio chabolista. Desea hacerse cantante de reggae, pero hay mafias en todo, en la música también. Si quiere grabar un disco, debe ceder los derechos de las canciones al productor. Quiere triunfar, pero sólo encuentra caminos ilícitos, como es la distribución de marihuana. Así su vida se centrará en gángsters, tiros y muerte. La banda sonora es espectacular.  Quizá sea lo mejor de la cinta, ya que la historia, aunque original,está grabada con pocos medios y un poco deslavazada, pero los momentos dramáticos con la chica de la historia tienen cierta ternura. 

Ivan y Elsa se van de paseo

Enseña algo de la vida de los pobres de Jamaica, los negros, claro. Aparte del temazo que da nombre a la peli, también suena, como ya he dicho,  el conocido "many rivers to cross", "you can get it if you really want", y el "pressure drop" de Toot & the maytals, y el "shanty town" de Desmond Dekker....La música es lo mejor de la película, sin duda.

El tráiler, con el tema que titula la cinta:

Es un film, que sin ser una maravilla del séptimo arte, tiene algo que fascina, puede que sea la música o su rollo rastafari, no sé, pero si os apasiona el reggae y no la habéis visto, os invito a ello. Por cierto, se cuenta que se grabaron dos versiones con dos finales distintos. Yo sólo he visto el que nos echaron por el segundo canal de la tele pública cuando aún no había ni canales privados en España.

Famosa pose para foto de Ivan gángster

FICHA TÉCNICA:

Título: The harder they come (Más dura será la caída)
Año: 1972.
Género: Drama
Duración: 103'
Dirección: Perry Henzell
Producción: Chris Blackwell
Guión: Perry Henzell, Trevor D. Rhone
Reparto:
Jimmy Cliff....................Ivanhoe "Ivan"Martin
Janet Bartley..................Elsa
CarlBradshaw................Jose
Ras Daniel Hartman.......Pedro
Basil Keane...................Predicador
Bob Charlton.................Hilton
Winston Stona................Detective Ray Jones
Lucia White...................Madre


Es una peli simpática que es todo un referente para los amantes del reggae.

Juli Gan

Melodía de aventuras (Música de John Williams)

Si hay una melodía en el aire que automáticamente te lleva de aventuras, es que suena algo creado por John Williams. El autor más célebre de las músicas de los héroes de película de la segunda mitad del siglo XX. Sus piezas son fundamentales para las películas de dicrectores como Steven Spielberg o George Lucas. Tararear una de sus músicas es saber automáticamente de qué película se trata.

Sucinta biografía:

Este neoyorkino, llamado John Towner Williams, nació en 1932, y entre formación musical y académica, fue reclutado por el ejército del aire a comienzos de los 50. Se quedó en calidad de músico componiendo marchas militares mientras sus compañeros iban a hacer la guerra a Corea.

Ya, de civil, y como virtuoso del piano, interpretó, bajo la batuta de grandes compositores de música de cine piezas deBernard Hermann, Miklos Rósza, Alfred Newman, Elmer Bernstein o Henry Mancini, por ejemplo en "días de vino y rosas" (1962) ó "Charada" (1963). También  fue el pianista de "con faldas y a lo loco"(1959), cuya música es de Adolph Deutsch.

Williams en plena ejecución

Entrando ya en categorías superiores, fue el arreglista y supervisor de la banda sonora de películas tan musicales como "el violinista en el tejado" (1971) Sin embargo, he decidido hacer el post más llevadero, porque no se trata de hacer una tesis sobre su música, sino evocar sus piezas más conocidas, así que sólo añadiré que una de sus primeras composiciones, un clásico del cine-catástrofe de los 70, le dio el gran empujón. Fue con "la aventura del Poseidón" (1972) cuando empezó a despegar su carrera. Esta y "el coloso en llamas", que también la musicó.

Piezas populares:

Y nos desmarcamos con ese sonido de cuerdas que se va crispando a la vez que se acerca a su víctima. Ese par de notas al que se suma la trompa que hizo del ataque de Tiburón el más peligroso y de Spielberg su director más conocido.

Tiburón (1975)




Pero también George Lucas lo reclamó para contarnos la historia de una galaxia muy, muy lejana.

La guerra de las Galaxias (1977)



Mientras tanto, le ponía música a una peli de Richard Donner:

Supermán (1979)



Pero un año después fue capaz de dotar de presencia musical al lado oscuro de la fuerza. La marcha imperial suena y todos sabemos quién está ahí.

El imperio contraataca (Marcha imperial) (1980)



Para agilizarlo un poco, saltamos hasta mediados de los 80, en una película que se llamó "En busca del arca perdida" y que todo el mundo llama "Indiana Jones, la primera":



Y Spielberg lo fichó para que musicara la venida de un extraterrestre a casa de un niño en 1982 (ET):


 Pero no todo van a ser aventuras. También Spielberg hacía películas como "la lista de Schindler" que Williams musicaba.



Y de vuelta a la fantasía, con esta tonada todo el mundo sabe que se trata de Harry Potter ya en el 2001:

 Pero no todo es cine, también compuso marchas olímpicas para los juegos de Los Ángeles 84, Seúl 88 y Atlanta 96. Seguro que os suena la fanfarria de la entrega de medallas de Los Angeles 1984:



Y esta es una relación de los temas más famosos que compusiera, y aún hace, John Williams. Si os interesa más en profundidad su vasta producción, no dudéis en acudir al IMDB, que todo lo sabe, incluídos los 5 óscars, 2 emys y 18 grammys que ha conseguido hasta ahora y por qué piezas.


Juli Gan

Orfeo Negro (Orfeu Negro, 1959)

Gracias a la película que hoy queda colgada en Zinefilaz se dio a conocer la Bossa-Nova por todas partes. Una película que baila en el carnaval de Río de Janeiro, que vive en las favelas y que moderniza una de las historias de amor más agridulces de la mitología griega.

Ficha técnica:

Orfeu negro

Año

1959

Duración

103 min.

País

 Francia

Director

Marcel Camus

Guión

Vinicius de Moraes, Marcel Camus (Obra: Vinicius de Moraes)

Música

Antonio Carlos Jobim, Luiz Bonfá

Fotografía

Jean Bourgoin

Reparto

Breno Mello, Marpessa Dawn, Lourdes de Oliveira, Jorge dos Santos, Lea Garcia,Ademar da Silva

Productora

Coproducción Francia-Italia-Brasil

Género: Melodrama

La historia mitológica

El Orfeo de los griegos era un tracio de hermosa voz que con sus cantos embelesaba a todos, incluso a la ninfa Eurídice. 

Siempre cantando a su amor.

Orfeo y Eurídice viven felices hasta que el pastor Aristeo siente deseos de ella y la persigue. Eurídice muere y Orfeo, lleno de dolor, acude a Caronte, el barquero de la laguna Estigia (la frontera de la muerte) para poder recuperar de entre los muertos a su bella Eurídice. Caronte, enternecido por los melódicos lamentos del genio musical lo pasa y, de la misma manera que el barquero, el can Cerbero, el perro guardián del infierno de Hades, deja que Orfeo recoja el cadáver de su esposa. Hades y su esposa, Perséfone, la que cada año deja a su infernal marido para que florezca la primavera, le dicen al cantor que vaya delante de ella y que no se le ocurra volverse o su amada regresará al mundo de los muertos. Orfeo cumple venciendo al deseo de llenarse de la imagen de Eurídice y, al salir del lugar que separa a la vida y la muerte, Orfeo la mira, no pudiendo más, pero Eurídice tiene aún un pie en el otro mundo y por ello es arrebatada de los brazos de su amor y devuelta al infierno. Orfeo llora su pérdida con el consuelo único de su lira.

La historia fílmica

Eurídice es una bella joven que llega a un Río de Janeiro que prepara con ilusión el carnaval. Anda perdida y asustada entre el gentío y acaba cogiendo un tranvía que, casualmente, conduce un mocetón guapo llamado Orfeo. Al llegar al fin de trayecto Hermes, el jefe de la estación (Otro guiño a la mitología) le dice como llegar a casa de su prima Serafina.

Eurídice perdida en medio de Río de Janeiro

A la estación llega Mira, la novia de Orfeo, una mujer celosa de armas tomar, para llevarse a su novio al registro con vistas a casarse en unos días. Pero Orfeo sólo piensa en desempeñar su guitarra, cantar y bailar en el inminente carnaval. A Orfeo, atlético, guapo y simpático se lo rifan las mujeres. Su vecina Serafina consigue entretener a la novia Mira para que Orfeo se escape a su casa y cante alegre con su guitarra.

Orfeo, el atractivo tranviario

Casualidades de la vida, y de los cuentos, Eurídice y Orfeo se reencuentran, ya que son vecinos accidentales, y el resto mejor lo disfrutáis entre vistas majestuosas de la bahía carioca, tonadas de Vinicius de Moraes y Jobim, y ritmos carnavaleros.

La idea:

Estaba el director francés Marcel Camus en Brasil y se entusiasmó al ver una obra de teatro escrita por el mismísimo Vinicius de Moraes. Se trataba de “Orfeu da Conceiçâo”. Camus se prestó enseguida a hacer la película.

Orfeo, feliz con su guitarra

Un buen día se topó por la calle con Breno Mello, un atleta de 27 años, jugador de fútbol del Fluminense (De Río, como su nombre indica) un joven guapo e imponente, y lo aborda. Al principio Mello cree que el francés busca ligue en él, pero no era eso y hace el cásting. Sale elegido entre 300 chavalotes.

Mello, cuando era del Renner

Por el contrario, el papel de Eurídice lo hace una actriz profesional de nombre Marpessa Dawn, una  norteamericana a la que llamaban gitana. Marpessa Dawn, al contrario que las actrices de su país, emigró a Europa y allí fue haciendo cosillas en Inglaterra, como su carrera no despegaba, acabó en Francia haciendo de bailarina, donde conoció al director Camus, que se convirtió en su marido, por poco tiempo.

Eurídice, la nueva vecina

Y así rodaron una cinta que encandiló al  primer mundo dando palmas de oro en Cannes u Óscars en lengua extranjera por una historia que en Brasil no gustó porque hacía una caricatura estereotipada de los brasileños negros de las favelas a los que sólo les importa la juerga y el baile. Esa idea exagerada de que  en Brasil sólo sambean o juegan al fútbol, que evoca el sketch aquél de Emilio Aragón del programa “ni en vivo, ni en directo” en el que repetía incesantemente “menos samba e maistrabalhar”, daba una imagen demasiado trucada de lo que es Brasil. Eso por no recordar el capítulo de los Simpsons en que estereotipan a “os brasileiros” como si fueran todos rateros disfrazados a ritmo de samba y driblando a los paisanos con un balón de trapo. Esa historia de los Simpsons gustó tan poco como la película de Orfeo negro. Pobres negritos de favela que prefieren quitarse de comer con tal de tener para disfrazarse y bailar en carnaval, aunque sea al ritmo de una botella estriada de cachaça (Anís del mono no hay, creo)

La favela quiere carnaval

La película brilló, y gustó, fuera de Brasil. Fue a Cannes, y ganó una palma de oro en 1959, fue a los Óscar y ganó a la mejor película de habla no inglesa en 1960, pero el protagonista no fue. Breno Mello no acudió al glamour. Nadie lo llamó, a pesar de que era un reclamo famoso y le dio dinero y amores.

Las primas se reencuentran

Breno Mello, futbolista que llegó a ser compañero de Pelé en el Santos, símbolo sexual de muchas admiradoras, dilapidó la fama y el dinero que le brindó su papel de Orfeo. Al igual que Garrincha, otro gran futbolista nacido pobre, Mello tuvo dinero y lo malgastó. Tuvo amores y no los cuidó. Se fue a vivir a Porto Alegre e, iróncamente, vivió en una favela llamada Tristeza. Acabó yendo a Cannes gracias a un documental sobre Orfeo negro que realizaron dos directores franceses en 2005, a los 46 años de haber rodado el primer film, y a los 6 de la nueva versión brasileña llamada “Orfeu”.

Mello, por fin, en Cannes

Murió el 14 de julio de 2008, a los 76 años en su casa humilde, completamente solo. Su vida fue lo más parecido a un arco berlanguiano. Ya se sabe, se nace con una muy mala situación, se consiguen unas expectativas inmejorables y se acaba tan mal, o peor que al principio. Mello nació pobre, tuvo dinero y fama y acabó sus días solo y arruinado. Se dieron cuenta de que no lo veían al cabo de un par de días. Las cosas de la vida (O de la muerte), Marpessa Dawn, la gitana, murió en su casa de París, unos 40 días más tarde, el 25 de agosto, a los 74 años. Los dos protagonistas de la película que encumbró la bossa-nova brasileña y la dio a conocer, gracias a una obra de teatro escrita por Vinicius de Moraes, el creador de la chica de Ipanema, acabaron sus días casi a la vez.

Juli Gan

La música de cine de Max Steiner

 La música es parte inherente de toda película que se precie. Era inconcebible proyectar una peli sin sonido de pianola en la época del mudo, y menos cuando el cine sonoro hizo su aparición, pues dota a la historia que nos narra parte de la fuerza emocional. Hacemos referencia a su música cuando suenan estridentes las cuerdas del violín en Psicósis, o esas dos notas repetidas en Tiburón. ¡Qué sería de lo que el viento se llevó sin el tema de Tara, ni Casablanca sin as time goes by. Pues sobre estas dos últimas películas va hoy el post. Más bien sobre el compositor de ambas bandas sonoras: Max Steiner.

Max Steiner nació en Viena, Austria en 1888, cuando el Imperio Austrohúngaro aún coleaba. Le habían colocado el pomposo nombre de Maximilian Raoul Walter, pero le llamaban Max, como suele suceder.  Como casi todos los grandes compositores de música para el cine de la época dorada de Hollywood, tampoco era norteamericano. Su abuelo y su padre se dedicaron al espectáculo de variedades, fueron famosos gerentes de teatros. Max Steiner fue un niño prodigio de la música, desde muy pequeño desarrolló aptitudes para la composición, a los 14 firmó y dirigió su primera partitura.  Estudio en la academia imperial de música de Viena donde recibió clases de genios como Gustav Mahler o Johannes Brahms. Su padrino musical, además, fue Richard Strauss. Steiner se decantó por escribir melodías para espectáculos teatrales. El negocio familiar tiraba.

En esto, estalla la primera guerra mundial, así que Max Steiner, que reside en Londres donde amplía conocimientos, huye a los EEUU porque en su país, piensan que se ha pasado al enemigo. Lo hace veinte años antes que la mayoría de artistas centroeuropeos, muchos de ellos judíos, que lo hicieran al estallido del nazismo. Debido a su trayectoria ligada al mundo del espectáculo vienés, al llegar a los EEUU se asienta en Nueva York para musicar espectáculos en Broadway y allí produce partituras para los espectáculos neoyorkinos por diez años.

 Musicando al gran simio, Max a la batuta.

Steiner  se afinca en Hoollywood hacia 1929, justo al comienzo del cine sonoro, y acaba poniendo música al cine. Es considerado uno de los padres de la composición sinfónica para obras del celuloide. Abrió las puertas a otros grandes músicos como Dimitri Tiomkin, Alfred Newman o Bernanrd Herrmann. Primero trabajó para los estudios de la RKO, y luego generalizó, y mucho, sus proyectos para estudios diversos. Puso música  a cientos de filmes, uno de los primeros, King Kong, de 1933.

Estajanovista, trabaja incansablemente durante los primeros años del cine sonoro . Después de King Kong, entre otras, música Sombrero de Copa, film musical de 1935, con Fred Astaire. Sin duda, la obra más importante de los años 30 que compone es la melodía de Lo que el viento se llevó, de 1939. Llevó a cabo la idea vigente de que es necesario remarcar cada leitmotive fílmico de con una melodía particular. En el caso de Lo que el viento se llevó, el tema de Tara hace referencia a la casa y hacienda sureña de la familia de orígen irlandés, los O'Hara.

Fue nominado más de veinte veces en la categoría de mejor banda sonora, y ganó en tres ocasiones, con: El delator (1935), La extraña pasajera (1942) y Desde que te fuiste (1944).

De su puño y letra escribió las partitura de películas tales como: la ya mencionada King Kong (1933), La Carga de la Brigada Ligera (1936),  



Ha Nacido una Estrella (1937), Jezabel (1938), Amarga Victoria (1939), Camino de Santa Fe (1940), La Extraña Pasajera (1942; ganadora de un Oscar), Casablanca (1942) 

Arsénico por Compasión(1944), Desde que te Fuiste (1944; ganadora de un Oscar) Belinda, (1948), El tesoro de Sierra Madre (1948)

 El Halcón y la Flecha (1950), 

Tambores Lejanos (1951) y Centauros del Desierto (1956), La esclava libre (1957)

Un lugar en el sol (1951),

El motín del Caine (1954),

Más de trescientas partituras para películas firmó Max Steiner. Os he puesto una pequeña selección de su fructuosa obra. Steiner fue, sin duda, uno de los grandes compositores de música para el cine, cuyas melodías son recordadas por casi todos, ya que son parte inseparable del séptimo arte. Falleció en 1971. Os dejo el enlace a una página fantástica donde podéis escuchar algunas de las piezas más destacadas:

Aquí

 Juli Gan