viernes, 24 de julio de 2015

José Sazatornil "Saza" y sus momentos estelares.

Espero que no se convierta en una costumbre, porque, al igual que la última vez, he decidido postergar mi tema de la ocasión debido al reciente fallecimiento de un secundario excelente del cine español fallecido ayer. El actor más serio y más sobrio que ha dado el cine nacional. Una lástima que, para él, sólo hubiera papeles pequeños, pero, eso sí, con grandiosas escenas. Descanse en paz José Sazatornil, "Saza", el actor que inspiró a Kim, el dibujante de la revista "el jueves", la traza del personaje "Martínez, el facha".

En una peli de los 60


Su aspecto físico no le ayudó gran cosa como galán, pero su rictus, su bigotillo fino y su calva, además de su excelente voz, hicieron de él un actor peculiar en el que todo el mundo acababa fijándose. De hecho, sus gestos faciales en momentos estelares de ciertas películas han hecho reír a muchísima gente.

Alma mater de Martínez el facha

Saza hizo más de 100 películas, casi siempre en papeles pequeños, si bien, uno de sus trabajos más largos lo consiguió con la película "la escopeta nacional" de Luis García Berlanga, donde Saza interpreta a Jaume Canivell, un industrial que fabrica porteros automáticos, que pretende dar un empujoncito a su negocio codeándose un fin de semana en la finca del marqués de Leguineche en una cacería, que, como acaba pasando en las pelis de Berlanga, al pobre Canivell le perjudica al final. La escena con el párroco ultramontano encarnado por Agustín González, del que se habló la semana pasada, es todo un momentazo:



Berlanga aprovechó el modelo de industrial apaleado en "todos a la cárcel" donde Saza repite, esta vez como Artemio Bermejo, de "sanitarios Bermejo", el papel de cordero a sacrificar:



Pero, aparte de encarnar a industriales toreados por la situación y los caraduras, también ha sido la autoridad. En esa peli, obra cumbre del absurdo, llamada "amanece, que no es poco", Saza es el cabo Santos, el guardia civil que imparte orden en ese pintoresco pueblo alcarreño. El momento en el que echa la bronca al plagiador de "Fulkner" (sic) es impagable:



Y no hay que olvidar el momento desternillante en el que, en la peli de Antonio Mercero, "espérame en el cielo", es el jefe nacional de propaganda que enseña al doble de Franco a portarse como él y acaba confundiendo al falso con el Franco real. Su cara de querer que lo trague la tierra después de haberle dicho cuatro cosas a Franco es una joya:


Pero no sólo hizo de industrial o de autoridad, también hizo otros muchos papeles, como de hombre embarazado en "el insólito embarazo de los Martínez", mucho antes que Schartzenegger, e incluso de viejo poeta homosexual  en "una pareja perfecta" junto a Antonio Resines. Otro enorme secundario del cine que nos deja y del que da la sensación que no hemos contemplado lo suficiente. Una lástima.

Descanse en paz José Sazatornil, Saza.

Juli Gan

viernes, 17 de julio de 2015

Las bicicletas son para el verano

Las bicicletas son para el verano
Año: 1984
Duración: 103 min.
País: España
Director: Jaime Chávarri
Guión: Salvador Maldonado
Teatro: Fernando Fernán-Gómez
Música: Francisco Guerrero
Fotografía: Miguel Ángel Trujillo
Productora: Incine / Jet Films

Reparto:
Amparo Soler Leal, Agustín González, Victoria Abril, Alicia Hermida, Gabino Diego, Marisa Paredes, Patricia Adriani, Laura del Sol, Emilio Gutiérrez Caba, Carlos Tristancho, Aurora Redondo, Guillermo Marín, Miguel Rellán, Jorge de Juan, Laura del Sol, Marina Saura


Sinopsis
El 18 de julio de 1936, estalla la Guerra Civil. En Madrid, una familia formada por un matrimonio y dos hijos comparte los avatares de la guerra con la criada y los vecinos. El niño de la casa, aunque ha suspendido, quiere que su padre le compre una bicicleta, pero la guerra hará que la compra se aplace indefinidamente.



Especial punto de vista de la Guerra Civil Española. No se nos muestra a guerra en sí e incluso a penas vemos soldados. Sencillamente podemos ver las consecuencias de ésta en la vida de una familia madrileña. Casi la totalidad de la película se desarrolla en el edificio donde viven nuestros protagonistas.


Dirigida por Jaime Chávarri (Las cosas del querer; 1989) Las bicicletas son para el verano está basada en la obra de teatro de Fernando Fernán Gómez, obtuvo el Premio Lope de Vega en 1977, trata de frente y sin complejos diferentes temas: política, juventud, sexo, miseria, hambre…


"Sabrá Dios cuándo volverá a haber verano"


Impresionada ante el gran trabajo de Agustín González (Volver a empezar; 1982), un actor de físico y voz particulares y al que estamos acostumbrados a ver como secundario. Aquí borda el papel de padre de familia, Luis. Hombre justo de mentalidad moderna para la época que acepta la nueva situación con resignación y que bajo mi punto de vista es un personaje con muchas frases totalmente extraordinarias.

 

En el papel de Dolores, la madre de la familia, encontramos a Amparo Soler Leal (La gran familia; 1962), otra de las grandes de nuestro cine. Mujer buena que siempre intenta ayudar a todos y, como era normal en la época, permanece en un segundo plano detrás de su marido en el que confía plenamente.

"Esto no es la paz, sino la victoria".

Podemos ver también a los hijos del matrimonio interpretados por dos jovencísimos Victoria Abril y Gabino Diego. Ella también me ha gustado mucho en su papel de hija de mentalidad avanzada que sus padres aceptan sin embargo Gabino Diego está más flojo. A parte hay otros rostros conocidos como Marisa Paredes, Alicia Hermida, Aurora Redondo, Miguel Rellán y otro de los grandes Emilio Gutierrez Caba.  

 

Son muchas las secuencias que nos quedan en la mente después de ver la película. Quiero mencionar dos, pero sin entrar en detalles. Una es aquella en la que la familia protagonista al completo habla sobre la escasez de comida (lentejas). La otra es el modo en que el matrimonio habla de un tema delicado con su criada. Ambos temas se enfocan con naturalidad y con respeto, algo que no siempre se logra. Esto está siempre presente en esta familia: el diálogo.


Las bicicletas son para el verano, una de las mejores películas de nuestro cine, que como he dicho al principio, aunque haya que englobarla dentro de la Guerra Civil Español, no es una película sobre la guerra sino sobre sus terribles efectos sobre los españoles.


viernes, 10 de julio de 2015

Del papel al celuloide: "Carne trémula"

Mi homenaje a Rendell
Hace poco más de dos meses, el  2 de mayo de 2015, falleció en Londres Ruth Rendell, baronesa de Babergh, una de las escritoras a las que más he leído y a las que más buenos ratos le debo.
No era yo, ni mucho menos, su única admiradora: las novelas de Rendell se vendían bien, tenían buena aceptación crítica y gustaban, al parecer, también a los cineastas, porque no pocas de ellas se convirtieron en película.
El 6 de mayo de 2011 (uy, casi casi acierto con la fecha de la muerte de la baronesa) ya publiqué en este mismo blog una entrada sobre “A Judgement in Stone”, una de las mejores novelas de Rendell, que Claude Chabrol convirtió en un filme no menos brillante: “La cérémonie” (1995). Pues bien, ahora os voy a hablar de otra novela suya, “Live Flesh”, de 1986, que Pedro Almódóvar llevó al cine y tituló “Carne trémula”.

No puede evitarlo
Es curioso: “Carne trémula” es una de las novelas más conocidas y exitosas de Rendell y, sin embargo, uno de los filmes de Almodóvar que ha pasado más desapercibido. El manchego pagó una buena suma por los derechos para poder rodarla, aunque, como he afirmado otras veces, se los podía haber ahorrado, ya que dejó el texto de Rendell irreconocible. ¿Para bien o para mal? Pues ni para lo uno ni para lo otro. Almodóvar no puede evitarlo: tiene que hacer suyo todo lo que toca, aunque haya salido de pluma ajena, porque en eso consiste ser autor.
¿Qué cambió Pedro? Pues muchas cosas; para empezar, nada más y nada menos que el origen del mal, la responsabilidad en el hecho violento que dispara la trama posterior. Y, para seguir, enmaraña todavía más las relaciones entre los protagonistas y recompone una narración de machos alfa que cocinan rabo de toro y se desafían entre sí como orangutanes y mujeres vampirizadas, subyudagas, expropiadas y destruidas por el deseo, el miedo y la culpa.

Almodóvar ahonda en sus motivos, los hace más violentos y trágicos y, en consecuencia, a la historia no le queda más remedio que encaminarse por otras vías narrativas.
Más o menos lo mismo hizo Almodóvar catorce años después en “La piel que habito” respecto de la novela en la que se basa: “Mygale”, de Thierry Jonquet. Es una de las formas de distorsión textual que más le gustan. Y le aplaudo por ello.

Unos pocos minutos
Pero quizás la transformación más hermosa que introdujo Almodóvar sea el prólogo que creó de la nada para su película:  unos pocos minutos plenos de evocaciones, homenajes y citas, como podréis comprobar en el artículo de Pedro Poyato “Referencias intertextuales de Carne Trémula”, artículo que os recomiendo vivamente. De ahí he sacado la inspiración (y algo más que la inspiración) para escribir estos  párrafos.
De hecho, el prólogo fue lo más apreciado por la crítica en el estreno de “Carne trémula”; fue casi la única parte del filme que recibió elogios unánimes y que, según la opinión general, condensaba los mejores haceres de Almódóvar. No sucedió lo mismo, en cambio, con el resto del filme.

No lo juzguéis tan duramente
El prólogo es todo un arrope al personaje de Víctor, el interpretado por Liberto Rabal; es una mantita con la que su progenitor lo envuelve para protegerlo, para explicar el porqué de su vida errada, para decirnos “no os parecerá tan malo, no lo juzgaréis tan duramente,  si consideráis cuándo y cómo vino al mundo”, pues Almodóvar lo hace nacer durante el  estado de excepción declarado por Manuel Fraga, cuya voz radiofónica oímos en el filme, en todo el territorio español.
En un Madrid invernal y nocturno, desierto por el toque de queda e impregnado de tristeza postnavideña, una joven prostituta se pone de parto. Solo tiene a su lado a su patrona en funciones de matrona; juntas, solo consiguen que se apiade de ellas un chófer deautobús, de uno de esos autobuses penosos que cruzan las ciudades denoche en invierno, tan anodino como quien lo conduce: el gran Álex Angulo, que encaja a la perfección en ese prototipo de señor calvo con bigote, a lo José Luis López Vázquez, tan icónico de la clase media-baja, o baja-media, de la España franquista.
El Nacimiento en el autobús (lavanguardia.com)
El bus traqueteante, porque entonces todos los buses urbanos eran traqueteantes, debe detenerse cuando Isabel rompe aguas y lo hace, como en el portal de Belén, mugiendo como la mula y el buey juntos, bajo una estrella navideña, de esas que pretenden alegrar las calles y a menudo dan ganas de llorar, ya apagada.
Víctor nace, pues, en un Madrid entre épico y terrible; tan épico y terrible como el destino que le aguarda.

¿Un error de casting?
Una curiosidad de “Carne trémula” es que, si exceptuamos a Penélope Cruz, que solo aparece brevemente en el prólogo del filme, está protagonizada por actrices y actores que no son los habituales de Almodóvar: Javier Bardem, Liberto Rabal, Francesca Neri, Ángela Molina… En la época se publicó que el papel de Liberto Rabal, probablemente el protagonista absoluto del film, fue primero para Jorge Sanz y que incluso comenzó a rodar con él, pero que finalmente fue despedido por no lograr entenderse bien con Almodóvar.

 ¿Tiene algo que ver con el escaso éxito de crítica que obtuvo esta película el hecho de que su director no acertara con el reparto? Vosotras, vosotros ¿qué opináis?

Noemí Pastor
@noemipastor

Ficha técnica de "Carne trémula" (cine.estamosrodando.com)
Título: Carne trémula
Título original: Carne trémula
Dirección: Pedro Almodóvar
País: Francia, España
Año: 1997
Duración: 103 min.
Género: Drama, Romance, Thriller
Reparto: Javier BardemFrancesca Neri, Liberto Rabal, Ángela MolinaJosé SanchoPenélope CruzPilar BardemÁlex AnguloMariola Fuentes, Yael Be, Josep Molins, Daniel Lanchas, María Rosenfeldt
Productora: France 3 Cinéma, CiBy 2000, El Deseo S.A.
Agradecimientos: Antonio de Felipe, Antonio Henares, Carlos Aguado, Diego de Paz, Emilio Rodríguez, Fabián de Torres, Javier Giner, Juan Carlos Crespo, Mariano Sánchez, Matías Prats, Miguel, Miguel Navarro, Nicolás Díaz Chico, Rafael de Lorenzo, Rafaela, Serafín
Casting: Isabel Martínez Katrina Bayonas Natalia Luxic
Departamento artístico: Agustí Camps, Emilio Ardura, Enrique García, Federico G. Cambero, Gonzalo Anso, Ion Arretxe, José Altit, Juan Ignacio Viñuales, Juan Vicente Riuve, María Pilar Castellano, Vázquez Hermanos, Viuda de Ruiz
Departamento de transportes: Agustín Ruiz, Ángel Frutos, Ángel Megino, Bernardino Villanueva, Carmelo Morón, Javier Sánchez, Juan Luis Grande, Julián Hernández, Miguel Ángel López
Departamento editorial: Felisa Catalinas, Manolo Laguna, Rosa Ortiz
Departamento musical: Alberto Iglesias, Alfredo Anaya, Antonio García de Diego, Antonio Goig, Antonio Olariaga, Antonio Serrano, Armenio de Melo, Cayetana Castaño, José Luis Crespo, Liliam María Castillo, Lucio Godoy, Miguel Iniesta, Raquel Fernández, Susana Cermeño, Tomás Garrido
Dirección: Pedro Almodóvar
Dirección artística: Antxón Gómez
Efectos especiales: Antonio Molina
Efectos visuales: Jorge Calvo, Pablo Núñez
Fotografía: Affonso Beato
Guión: Jorge Guerricaechevarría, Pedro Almodóvar, Ray Loriga
Maquillaje: Fermín Galán, Juan Pedro Hernández, Patricia Rodríguez
Montaje: José Salcedo
Música: Alberto Iglesias
Novela original: Ruth Rendell
Producción ejecutiva: Agustín Almodóvar
Sonido: Antonio Illán, Bernardo Menz, José Antonio Bermúdez, Luis Castro, María del Mar González, Pablo Bueno, Sergio Corral
Vestuario: Alejandro Van Rooy, Eva Salas, Humberto Cornejo José María De Cossío

viernes, 3 de julio de 2015

7 FOTOGRAMAS LGTB



Zinéfil@s,como sabeis,el sábado fué el día del Orgullo Gay, así que no podía dejar pasar la ocasión para recordar algunas historias de cine LGTB .Seguro que algunos se quedan en el aire,pero ya sabeis que estas listas nacen con la vocación de ser completadas con vuestras valiosísimas aportaciones;)

Are you ready?
 Empecemos pues....




1) Orange is the new black (Jenji Kohan,2013)


Sí,es una serie,que nos lleva loc@s y si es así,es por sus fantásticas actrices,su guión y esa tensión no solo sexual  y no siempre resuelta,entre sus dos protagonistas: Chapman y Alex, la primera rubia,instruida,egoísta,egocéntrica,voluble y neurótica ¿ex-hetero?
la segunda: morena,mala-malota,inteligente y transgresora. Basada en las vivencias reales de Kerman, cuya experiencia entre rejas le sirvió para escribir el best-seller autobiográfico 'Orange Is The New Black: My Year In A Women's Prison" intuyo que Kerman poco imaginaba el éxito de crítica y público que tendría la serie y como no,la repercusión sobre su libro.

"Creo que, cuando tienes una conexión con alguien, nunca desaparece del todo, ¿sabes? Volvéis a ser importantes el uno para el otro, porque lo seguís siendo" (Alex)



"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

— Piper sobre Alex
- See more at: http://www.tvspoileralert.com/2014/06/10-frases-citas-orange-is-new-black.html#sthash.vU5Yujuv.dpuf

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

— Piper sobre Alex
- See more at: http://www.tvspoileralert.com/2014/06/10-frases-citas-orange-is-new-black.html#sthash.vU5Yujuv.dpuf

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

— Piper sobre Alex
- See more at: http://www.tvspoileralert.com/2014/06/10-frases-citas-orange-is-new-black.html#sthash.vU5Yujuv.dpuf
2)  La vida de Adèle ( Abdellatif Kechiche,2013)

 ....una película que despertó tantas filias como fobias,pero que nos dejó una historia de amor sin precedentes entre dos jóvenes que se amaron con locura,aún sabiendo,que siempre hay alguien que parece querer más...amante y amada,la eterno reparto de roles casi nunca equitativo o proporcionado...
"Siento que estoy fingiendo en todo.Soy yo a la que le falta algo"(Adèle)


3)Brokeback Mountain(Ang Lee, 2005)
porque Ang Lee nos sorprendió a tod@s con esta historia de amor entre cowboys.
Nunca antes habíamos visto nada igual en un mundo dominado por la supremacía de los machones que se dedican a montar toros salvajes.Contra todo pronóstico,Ang Lee nos dejó una película oscarizada que rebosaba sensibilidad y dramatisco en la América profunda.

 El personaje de Ennis del Mar nos dejaba frases como ésta:
" Jacke, te juro...


...que hace poco me dí cuenta cuanto te estoy maltratando con mi falta de coraje. Quería ser yo esta vez quien vaya a buscarte, como lo hiciste despues de cuatro años aquella vez. Si... esta vez iba a ser yo. Pero siempre es tarde para mí. Perdona... sé que lo haras."

 4) Fucking Amal (Lukas Moodysson, 1998)
Una historia entre quinceañeras de un pequeño pueblo sueco que con muchas dificultades intentan vivir un amor de entrada enjuiciado y perseguido.
 Elin y Agnes nos dejan algunas frases como éstas:

"- ¿Qué coño estamos haciendo? ¡Estamos totalmente locas
- Ya lo sé
- Pero estamos de puta madre"


5) Lawrence anyways (Xavier Dolan, 2012)

Una de mis películas favoritas de la lista y en general,por su simbolismo,su poesía,su sutileza,brillante y sensible,Xavier Dolan,nos dejó este maravilloso alegato del amor sin límites,más allá de las fronteras de identidad de género,por encima de toda metamofosis y por encima de toda transformación...

Cuando Lawrence empieza a descubrir su identidad sexual,Fred,no se deja abatir,y va más allá:

"La primera vez que te vi,supe que me metería en algo extraordinario
¿quieres ir más lejos?
yo seré tu hombre"

 " Laurence, tu has atravesado las fronteras de mi vida,
de mi ciudad, de mi calle,
solo resta que atravieses mi puerta.
Sé que sabes donde encontrarme.Fred."



6)El amor es extraño (Ira Sachs,2014)
porque siempre decimos que el amor no tiene edad,pero pocas veces los cineastas se animan a mostrar el amor romántico en la étapa de la vejez,¿tabú? más cuando se trata de un amor entre hombres maduros que no siguen el canon de la belleza actual...






7) Los chicos están bien (Lisa Cholodenko, 2010)
(contiene SPOILER)

¿por qué es tan significativo este título en las películas de temática LGTB? pues entre otras cosas porque refleja  a la perfección un modelo de familia sostenido por dos madres y dos hijos(una hija y un hijo) y porque por primera vez ( o en contadas ocasiones ocurre en el cine) el amor lésbico triunfa y no acaba en muerte,suicidio,abandono o tragedia.

( FIN DEL SPOILER)

Además,estamos hablando de mujeres de mediana edad,más a su favor,al no mostrar el lesbianismo como una fase de experimentación transitoria atribuida ocasionalmente a la adolescencia.

Y aquí os dejo una frase de Jules (Julianne Moore) :

"El matrimonio es difícil, jodídamente difícil. Son dos personas caminando a través de la mierda, año tras año, envejeciendo, cambiando. Es un maldito maratón ¿Vale? Y a veces, bueno, llevan tanto juntas que dejan de ver a la otra persona. Solo ven extrañas proyecciones de su propia basura. En vez de hablarse la una a la otra, dejan de ser racionales, juegan sucio, y hacen elecciones estúpidas, que es lo que yo hice, y me siento fatal porque os quiero chicos y quiero a vuestra madre. Y esa es la verdad."

Si os ha venido a la cabeza algún título o fotograma más,no dudeis en compartirlo con nosotras.

Féliz fin de semana y feliz verano, querid@s Zinéfil@s,

Troyana

viernes, 26 de junio de 2015

Into the woods

El mundo de las versiones de los cuentos clásicos parece demostrar, año tras año, década tras década (¿siglo tras siglo?) ser inagotable.

No faltan motivos: es el hecho de poder jugar con elementos conocidos por todos, es el caldo de cultivo idóneo para la metaliteratura y sobre todo, el humor.

Precisamente, las revisiones humorísticas son las que se han dado más en los últimos años, y han resultado ser muy rentables, en ese sentido, el éxito de Shrek  demuestra la buena salud del género, y dio lugar a una serie de películas que seguían su estela, unas mejores (La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja) y otras peores (Érase una vez, un cuento al revés)  y mucho peores (Érase una vez... un cuento al revés II, y no pongo enlace por el bien de todos)


Lanzando una breve mirada a Shrek, su planteamiento y sobre todo resolución, no dejan de ser bastante clásicos: que quienes se casen y vivan felices sean un ogro o una princesa, en realidad poco importa, la estructura sigue siendo - en líneas generales - la habitual, aunque algo modernizada:

El héroe (o anti-héroe que se comporta como un héroe) y su escudero salvan a la princesa, por mucho que la princesa sepa artes marciales, o que se convierta en una ogra, bastante mona por cierto (en Hollywood la auténtica fealdad femenina es algo impensable)
Un caso aparte sería Caperucita Roja, que ha generado desde que puedo recordar, mucho antes de de Shrek en todo caso, versiones con un contenido más o menos sexual, que a estas alturas son todo menos subversivas. De hecho lo más original hoy en día sería hacer una versión en la que no hubiera asomo de sexualización del cuento.

Por otra parte, desde la propia Disney se están lanzando películas con un contenido que más o menos actualizado del cuento clásico.

En realidad la compañía mantiene una extraña dicotomía entre sus "Princesas Disney" que al parecer generan millones de dólares en concepto de márketing rosa para niñas (y solo niñas), y una heroínas cada vez menos desvalidas y más activas, que o bien luchan en pie de igualdad con el hombre (Enredados), o que no contemplan el romance entre sus cálculos (Brave) o digamos que viven sus propias historias sin que los asuntos amorosos les estorben demasiado (Frozen), por no olvidar a Mulán y su reivindicación de un salario igualitario para hombres y mujeres.

¿No, Mulán no pedía eso? Pues yo la recuerdo así (más o menos).

Así, por una parte siguen fomentando la idea de Cenicienta (“Espera que un príncipe te rescate”) pero compaginándola con la de Mulán y Mérida.
Pero, en todo caso, dejando a un lado la recomendable “Encantada, la historia de Giselle”,  sus revisiones del cuento clásico no son nada subversivos, y se limitan a ser revisiones “amables”, con mayor tono humorístico, guiños a los adultos e intentando eliminar (o suavizar, o quizá solo disimular) el claro componente machista de la mayoría de los cuentos, por lo menos de las versiones que han llegado hasta nosotros.


Por otra parte, es obvio que al cuento, en su versión más estándar además de por su machismo, se le puede criticar por su contenido sangriento y a veces,y abiertamente macabro.

Esto también ha ido desapareciendo, o suavizándose en el cine más reciente, es más, hace ya años que conviven (en su versión escrita) Caperucitas en las que la abuelita se esconde en un armario, con otros en los que es devorada viva y posteriormente encontrada en las entrañas del animal al que se ha abierto en canal con un hacha que  ... creo que me estoy mareando.

En realidad, hasta de "La Cenicienta" versión Disney (que ha llegado a ser una versión canónica del cuento) se eliminaron estos sangrientos componentes (que Into the Woods recupera), y las hermanastras ya no se amputan partes de sus pies para poder calzar el zapatito de cristal ni son al final atacadas por los dulces pajaritos amigos de la huérfana, que les arrancan los ojos… (¿He dicho ya que me estoy mareando?)


Con todos estos antecedentes llegamos hasta Into the woods, una película de primera línea en la que se invirtieron millones de dólares, con una producción de lujo, y un reparto de grandes estrellas como Merryl Streep (encantada de poder hacer un papel que no había hecho antes), Johnny Depp (casi un cameo, aunque muy promocionado), Emily Blunt (que aparte de su talento aporta esa extraña cualidad de las estrellas, que hace que solo puedas fijarte en ella cuando está en pantalla), y algunos nombres (algo más que) emergentes como Chris Pine y Anna Kendriks, secundarios de lujo como Tracey Ullman... y todos, absolutamente todos, demuestran unas cualidades vocales absolutamente sobresalientes (qué manera más retorcida de decir que cantan bien ¿ verdad?)

Sin embargo, con estos elementos y el atractivo que el género ha demostrado para el público, la producción fue un pequeño fracaso. Resulta extraño hablar de fracaso comercial cuando se trata de un título cuya recaudación cuadruplicó la inversión inicial, pero queda muy lejos de las recaudaciones de otros títulos de la productora como Frozen.

En concreto, en España, sospecho que no fue un título muy bien acogido, las notas y comentarios de Filmaffiny son, en general,  poco elogiosos y la película en vez de convertirse en un clásico (como merecería), pasó algo desapercibida y decepcionó un poco.

En primer lugar, se me ocurre que poco la ayuda que se trate de un musical, de hecho, una versión de un musical de Broadway de James Lapine y Stephen Sondheim poco conocido en nuestro país.
Esto no tendría por qué suponer un fracaso comercial, ni mucho menos, pero es que es un musical... MUY musical.
Para entendernos,  ¿os acordáis de que algunos acusaron a Frozen de tener demasiado contenido musical? Pues cuando se compara con Into The Woods, parece que tan solo incluyera un par de canciones.

En el título que nos ocupa, los diálogos son más la excepción que la regla, y la acción avanza a golpe de canción, incluso existen recitativos, es decir diálogos (o más bien monólogos) cantados.

De hecho, la profusión de partes cantadas, aburriría a más de un espectador que esperaba los tres temas de rigor de una producción Disney.  Es más, ahora que no nos oye nadie, reconozco que, siendo como soy amante del género musical, las peroratas de Cenicienta pusieron a prueba mi paciencia.

A este respecto es importante hacer notar que, aun dejando a un lado los recitativos, las canciones (con una música magnífica y extraordinariamente bien interpretadas) no son, como de costumbre, meras repeticiones de una sola idea del tipo "Cuánto te quiero", "Echo de menos a mi amor", "Estoy asustado", "Me he convertido en la Reina de las Nieves y estoy encantada"... sino que avanzan y plantean temas muy profundos que no se pueden resumir en un par de frases.

En segundo, este título sufre la maldición del producto que es vendido como algo que no es, o que de alguna manera, resulta ser algo que el público no espera. En este caso, víctima de la asociación cuentos-niños, que probablemente causó más de un trauma infantil en el estreno de "El Secreto de los Hermanos Grimm".


Pero lo que seguramente ha provocado más rechazos entre el público ha sido su final, que es lo que a mí, paradójicamente me ha entusiasmado y haya hecho que pase de una película entretenida y con chispa pase a "película que merece la pena recordar".

¿Por qué? Into The Woods es, hasta ahora, la película (el musical, en realidad) que pone en duda la validez del cuento clásico en sí, que se atreve a diseccionar con un punto de vista adulto, qué necesidad hay de seguir contándolos, maquillados o  no, y sobre todo, qué peligros encierra repetir a los niños estas historias, o cualquier otra, sin plantearnos qué efectos van a producir en ellos.

Todo esto se resume en la magnífica canción final: "Children are listen", con una letra compleja y llena de sugerencias.

Solo recuerdo el caso del musical Wicked (sin versión cinematográfica hasta ahora) en el que se traten temas tan serios y trascendentes aprovechando una fantasía a cuenta de El Mago de Oz.

Pero en el caso de "Into the Woods", su mayor mérito consiste, precisamente, en sus reflexiones metaliterarias, es decir en el hecho de que las reflexiones no son solo sobre temas de la vida (la responsabilidad, la culpabilidad, los deseos y el famoso "perseguir un sueño" que es poco menos que religión en el cine americano) sino la reflexión sobre el cuento en sí.

En definitiva, un producto - en principio comercial - con muchas sorpresas y mucha más enjundia de lo que su publicidad y su sinopsis puedan hacer creer, que no creo que guste a todo el mundo, pero que merece, y mucho, la pena.



viernes, 19 de junio de 2015

Solo ante el peligro

-¿Por qué te ofuscas de ese modo, Will?. ¿Has olvidado quién es?, ¿has olvidado lo que ha hecho en el pueblo?, ¿has olvidado que está loco?. No recuerdas que sentado en ese sillón dijo "¡Jamás me colgarán!, yo volveré y mataré a Will Kane. ¡Lo juro!, ¡le mataré!".

"Solo ante el peligro" Fred Zinnemann
------------------------------------------------

Tras años de leal servicio como sheriff de un pequeño pueblo Will Kane tiene todo listo para retirarse con su joven esposa y llevar una vida tranquila juntos. Sin embargo su último día como agente de la ley será más duro de lo que imaginaba pues, nada más casarse, le informarán de que un peligroso pistolero al que encerró ha sido puesto en libertad y se dirige al pueblo junto a sus secuaces para vengarse de él.

Todos tratan de convencer a Will para que huya, pero movido por un inquebrantable sentido del honor el sheriff insiste en quedarse para hacer frente a los malos, contando eso sí, con el apoyo de sus vecinos. Apoyo que se va desvaneciendo a medida que se acerca la hora del enfrentamiento, que finalmente tendrá que llevar a cabo él solo.

"Solo ante el peligro" es uno de los clásicos más famosos de la historia y una obra de calidad incuestionable, pero yo no me aventuraría a considerarla uno de los mejores westerns de la historia, tal y como consta en varias listas. 

No cabe duda de que el guión es estupendo, la música mola, tiene un ritmo impresionante (la acción transcurre en tiempo real) y todo el reparto está de diez (y lo dice alguien que no es fan de Gary Cooper precisamente), pero no es un western. Al menos no para mí.

Gracias a mi padre, gran aficionado al género, he visto muchas pelis del oeste y (aunque hay excepciones) la gran mayoría de ellas consiste en ver a un pistolero o un reducido grupo de pistoleros enfrentándose a un número siempre superior de malos en una misión objetivamente suicida. Este esquema se repite en pelis tan conocidas como "Los siete magníficos", "Los profesionales", "Grupo salvaje", "La muerte tenía un precio", y tantos otros filmes que sí considero westerns puros y duros.

Ahora seguramente estaréis confusos, preguntándoos "¿Acaso no es este el argumento de "Solo ante el peligro"?... hasta el título lo dice". Y sí, tenéis razón, pero es lo único que tiene de western. Eso y los caballos, claro. Por lo demás la peli carece de cualquier otro elemento del género (tiroteos, peleas, persecuciones...) hasta el inevitable (y algo decepcionante) enfrentamiento final. En realidad "Solo ante el peligro" consiste en las tristes idas y venidas de Gary Cooper por el pueblo, mendigando ayuda a los vecinos mientras estos le dan la espalda de la manera más miserable.

De hecho dicen que Howard Hawks encontró tan patético el que un sheriff tuviera que pedirle ayuda a la gente del pueblo que rodó "Río Bravo" como contrapunto de "Solo ante el peligro", mostrando cómo un sheriff puede enfrentarse solo a una banda de indeseables, sin pedir ayuda a nadie.
Si profundizamos un poco (sólo un poco, porque es un tema escabroso lleno de aristas) descubrimos que "Solo ante el peligro" es en realidad una metáfora de lo que vivió el guionista de la peli, Carl Foreman, cuando se negó a testificar durante la caza de brujas y pasó a formar parte de las listas negras de la industria, dándole todo el mundo la espalda. Curiosamente Gary Cooper apoyó la cruzada anticomunista en Hollywood, igual que John Wayne, que consideraba "Solo ante el peligro" un filme antiamericano.

¿Cómo es que después de todo esto sigo considerando "Solo ante el peligro" un peliculón?. Pues quizá como western no valga mucho, pero como intriga, como drama, es una obra maestra. Ver cómo uno a uno todos los amigos del prota le abandonan, escudándose en los argumentos más ruines y cobardes es en realidad una muestra de la condición humana. Eso por no hablar de la tensión constante al sentir cómo se acerca la hora del enfrentamiento y sigue sin encontrar ayuda.

Cada vez que la veo pienso que si Alfred Hitchcock hubiera hecho una peli del oeste sin duda se habría parecido a "Solo ante el peligro", idea que se refuerza gracias a la presencia de Grace Kelly, que hizo aquí su debut con 21 años. Y si os chirría verla enamorada de Gary Cooper en el filme os informo, no sólo de que ambos mantuvieron un idilio real durante el rodaje, sino que además Kelly tuvo tiempo después otro romance con Clark Gable mientras filmaban "Mogambo".

También fue aquí el debut de Lee Van Cleef, que en principio iba a ser el ayudante del sheriff hasta que algún capullo dijo que tenía la nariz demasiado grande, relegándole a ser el único de los secuaces del malo que no dice una palabra en toda la peli.

Así, "Solo ante el peligro" no sólo sirvió para relanzar la carrera de Gary Cooper, que estaba de capa caída desde hacía un tiempo (no en vano le ofrecieron el papel a Gregory Peck, Kirk Douglas, Marlon Brando, Charlton Heston y Montgomery Clift), sino que además dejó para la posteridad un western de otro tipo y aunque su carga política se haya ido diluyendo con los años sigue siendo un fiel reflejo de la naturaleza humana ante las situaciones de adversidad y los problemas ajenos.




Doctora

viernes, 12 de junio de 2015

Drácula vuelve a la tumba (Honor a Christopher Lee)

La verdad es que tenía pensado hablar de otra cosa, pero la procastinación impenitente y el fallecimiento de uno de los actores que más cine de terror ha realizado jamás, como es Christopher Lee, me llevan a hacerle un pequeño homenaje.

 Dráculas hay muchos, pero Lee es único

A comienzos de los años dorados del cine había grandes intérpretes de cine de terror: Bela Lugosi, Boris Karloff, Lon Chaney, pero con una diferencia de cuarenta años hubo un actor, el señor Lee,  que fue el condre Drácula más absoluto durante los años 60 gracias a las producciones de la casa Hammer, dedicada al terror.

Esos ojicos rojos..¿Qué ha fumado, conde?

Christopher Lee, un conde Drácula de altura, no en vano medía casi dos metros, nació en Londres en 1923 en el barrio pijo de Belgravia, hijo de un militar británico y una noble italiana. Estudió en Suiza sus primeros años de escolar y luego regresó al Reino Unido para sus estudios superiores. Quiso entrar en Eton, pero M.R. James, escritor de historias de terror, de voz tenebrosa y figura inquietante, rechazó su solicitud. Mira tú por donde, James rechazó al conde Drácula cuando era universitario.

Simpática imagen

Cuando empezó la segunda guerra mundial, Lee era un joven que se alistó en la Royal Air Force, haciendo campañas militares por el Mediterráneo y acabó licenciándose como teniente, lo cual tiene su gracia, porque cuando preparaban la ambiciosa peli-mito sobre el desembarco de Normandía, que se tituló "el día más largo" (1962), lo rechazaron porque no daba el nivel de militar, lo cual no deja de tener su gracia. John Wayne, por lo visto si lo daba, aunque en esta ocasión no hubiera caballos, ni indios disparando flechas.

Qué miedito da carlos de Inglaterra

Después de algún papel menor de figurante, la Hammer productions, especialista en pelis de terror, lo contrató a él y al también inquietante Peter Cushing para rodar "la maldición de Frankenstein", donde Lee hace de Frankenstein, gracias a su altura, y Cushing al doctor Víctor Frankenstein, padre de la criartura. Desde este momento, estos dos actores, iconos del terror, se convirtieron en grandes amigos.

Drácula y Van Helsing son amigos

Después de hacer del monstruo-puzzle, la Hammer lo enfunda en un smocking y una capa tipo la de Ramón García para dar las campanadas, y lo manda a una Transilvania de cartón-piedra para encarnar a un conde Dracula con brillantina en el pelo y bastante dandy. Desde este momento, Christopher Lee pasa a ser el conde Drácula en infinidad de películas que, a buen seguro, que tenemos escondidas en nuestra memoria. Con permiso de Lugosi, Christopher Lee ES EL CONDE DRÁCULA. En ese compendio de vampiros que hizo nuestra compañera Bargalloneta, destaca, como no, nuestro elegante Lee, aunque también hizo de la momia y hasta del señor de Baskerville en una peli donde su amigo Cushing hacía de Sherlock Holmes.

¡Y también fue la momia!

Nada dura eternamente, y el interés por el cine de terror decae en los 70 (Más o menos a la par que el western) Lee busca otras interpretaciones y, sin alejarse demasiado del terror, encarna a Fu Manchú. Sus ojos almendrados ayudan bastante para "orientalizarnos" a Lee.

El malvado oriental

Hace, como no puede ser de otra manera, de malvado en una de las pelis de James Bond, donde 007 es Roger Moore, y esto tiene gracia porque Lee era primo (Más bien "primastro") de Ian Fleming, autor del agente chulopiscinas del servicio secreto británico.

Malo de Bond

En los 70, cuando Richard Lester rueda una de las  versiones de "los tres mosqueteros", donde Michael York hace de D'artagnan, Lee es ni más ni menos que Rochefort.

Espadachín francés

Durante los 70 participa en infinidad de proyectos para cine y televisión. Sale en aeropuerto 77, porque el cine de terror está de capa caída, pero el de catástrofes en plena ebullición, y hasta rueda con Spielberg haciendo de nazi en 1941.

Lee, Price y Cushing, tres inquietantes del cine de terror.

Tim Burton, ese inspirado director del género de terror, rescata a Lee para sus góticas pelis y acaba haciendo de alcalde en Sleepy hollow, de dr. Wonka en Charlie y la fábrica de chocolate, y prestando su gran voz en la peli de animación la novia cadáver.

Caballero del lado oscuro

Porque, esa es otra, Lee, que poseía una dicción impecable (Sobre todo para los que somos duros de oído en inglés), tenía un tono de voz tan imponente como su estatura, y así, cuando el boom de los videojuegos alcanzó al cine, prestó, en incontables ocasiones, sus cuerdas vocales para otorgar alma a los personajes en estos pasatiempos.

Saruman

Como broche a su filmografía, sus últimos papeles estelares fueron con dos sagas míticas: Star Wars, donde hace del conde Dooku, pero, sobre todo, con el señor de los anillos, de Peter Jackson, donde interpreta al mago Saruman, gracias al cual, las jóvenes generaciones que no tienen bien ubicado a Drácula, conocen al gran Christopher Lee. Sus réplicas como Saruman a Gandalf, Dos magos barbudos, largos y poderosos, han hecho las delicias de los espectadores aficionados a Tolkien.

Inquietante...¿No?

Christopher Lee tuvo el lujo, además de una longeva vida, de trabajar hasta el último momento de su vida. Y es que Lee es inmortal, como sus personajes. Como el mismo Drácula.

Juli Gan