viernes, 30 de enero de 2015

La isla mínima

Hablemos de una de las películas del año. Puede que no sea la mejor, pero es una de las mejores películas del cine español dentro del género negro.


Título: La isla mínima
Año: 2014
Duración: 105 minutos
País: España
Director: Alberto Rodríguez
Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos
Música: Julio de la Rosa
Fotografía: Alex Catalán 

Reparto:
Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, Mercedes León, Manolo Solo, Jesús Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva

Sinopsis
España, a comienzos de los años 80. Dos policías, ideológicamente opuestos, son enviados desde Madrid a un remoto pueblo del sur, situado en las marismas del Guadalquivir, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse a un feroz asesino.


El director Alberto Rodríguez vuelve a su tierra, Sevilla, con La isla mínima algo que también hiciera en 2012 con la policíaca Grupo 7 y también vuelve al pasado: de los años 90 de Grupo 7 a los 80 de La isla mínima.

Impresionantes y bellos paisajes aéreos que disfrutamos durante los títulos iniciales mostrándonos primero la belleza de las marismas sevillanas para luego entrar de lleno en el horror de dos asesinatos que los protagonistas, dos policías, deben investigar.


Una pareja de policías de personalidades completamente diferentes a los que realmente no acabamos de conocer del todo. A pesar de esto logran llevar a cabo una buena investigación conjunta. Están interpretados por Javier Gutiérrez (Águila roja, 2010; Un franco, 14 pesetas; 2006) y Raúl Arévalo (Los amamantes pasajeros 2013; La vida inesperada, 2014). Ambos están magníficos. Ninguna de las dos interpretaciones cae en los estereotipos típicos de policías sino que están contenidos y en parte, atormentados.

Entre los secundarios, tres personajes destacables. Los padres de las niñas asesinadas, un hombre extraño y reticente de mal carácter (Antonio de la Torre) y una madre temerosa y rota por el dolor (Nerea Barros). Y por último el chico guapo del pueblo que enamora a todas las jovencitas al que interpreta Jesús Castro (El niño, 2014).


Estupendas ambientación y fotografía y una buena banda sonora complementan la trama que nos va envolviendo poco a poco entre los diferentes personajes que viven en un lugar que parece aislado del mundo real pero en el que suceden las mismas miserias que en cualquier otro lugar.

La isla mínima obtuvo los premios a la mejor interpretación masculina (Javier Gutierrez) y a la mejor fotografía en El Festival de Cine de San Sebastián 2014. Es la película más nominada para los próximos Premios Goya con 17 nominaciones: Mejor película, director (Alberto Rodríguez), actor principal (Javier Gutiérrez), actor principal (Raúl Arévalo), actor de reparto (Antonio De la Torre), actriz de reparto (Mercedes León), actriz revelación (Nerea Barros), guión original, música original, fotografía, dirección de producción, dirección artística, diseño de vestuario, maquillaje y peluquería, montaje, sonido y efectos especiales.


Al margen de premios, La isla mínima es una película que merece la pena, especialmente para aquellas personas a las que les gusten las investigaciones policíacas con una buena traba y unas secuencias que sorprenden. El cine español cada vez es mejor y hay que disfrutarlo.


viernes, 23 de enero de 2015

La flor de mi secreto

 
¿Por qué esta peli y no otra? 

Es curioso. A mí siempre me ha gustado mucho Almodóvar, pero creo que nunca había hablado de nunguna peli suya aquí y, puesta a elegir, he elegido La flor de mi secreto. Os preguntaréis por qué esta peli y no otra, ya que La flor de mi secreto tiene lo mismo de otras pelis de Almodóvar. Tiene escenarios coloridos, melodrama, boleros desgarrados, diálogos impagables, sarcasmo, alfo de esperpento, actrices excelsas, entraña femenina, madres e hijas, cine clásico americano, La Mancha, la familia, recuerdos de la infancia, tragedia y comedia entreveradas...

Pues es que La flor, además de todo eso, tiene literatura. Y a la literatura ya no me puedo resistir.


La primera Leo, enamorada

Vivía en esa lujosa mazmorra de los escritores obligados a producir cierto número de obras al año, pero, mientras estuvo enamorada, a Leo no le costaba escribir novelas rosas. O, mejor dicho, mientras alguien la amó, mientras alguien la acompañó en la escenificación de ese amor ideal que recreaba en las novelas, vivir y escribir eran un poco lo mismo: en sus propias palabras, ni dolor ni desgarro, “solo rutina, complacencia y sensiblería”.

Puede que su marido fuera un tipo sin entraña y vulgar. No importa; ella lo convertía en Pepe el Romano: solo está unos minutos en pantalla, pero lo invade todo. Puede que su mejor amiga fuera mentirosa y engreída. No importa; Leo hacía de ella una Teresa de Calcuta.


La segunda Leo, desmoronada


 “¿Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea, de salvar lo nuestro?” 

Cuando aquello se quebró, cuando lo que sucedía en su casa ya no podía aparecer en ningún capítulo, a Leo las letras no le salían rosas, sino negras. No la consolaba el mal de muchos. El sufrimiento de otros no le servía de nada. Solo como materia literaria. Y su sufrimiento tampoco interesaba a nadie, porque nadie quiere a los desdichados; nadie soporta la verdad.

“Realidad, realidad. ¿Quién quiere realidad? La realidad debería estar prohibida.”

Llega un momento en que el dolor no le permite hacer nada; ni escribir ni leer. Y está a punto de echar a perder todo. Pero alguien viene al rescate; y no es ningún héroe de guerra.
 

"Tan joven y ya estás como vaca sin cencerro: perdida, sin rumbo, sin orientación."


La tercera Leo, restaurada

Ahora Leo sabe que el amor era más que aquello, que está más en todas partes, en todas las gentes y, sobre todo, en tu sitio. No en “su” sitio, sino en “tu” sitio, en ese rinconcito en el que estás bien, en el que te refugias a tomar aire, a avituallarte.

Cuando salgas de ahí, Leo, verás que sigues siendo una estrella literaria, que siguen existiendo el cine y las novelas, que hay gente que cambiaría sin duda su vida por la tuya.


"¡Ahí los tiene, los pimientos, en el rincón, que la van a morder!"

Además, Leo, tienes un amigo simpático, culto y generoso. ¿Qué más puedes pedir?

Ficha técnica (cine.estamosrodando.com) La flor de mi secreto 
Dirección: Pedro Almodóvar País: Francia, España Año: 1995 Duración: 103 min. Reparto: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carme Elias, Rossy de Palma, Chus Lampreave, Kiti Manver, Joaquín Cortés, Manuela Vargas, Imanol Arias, Gloria Muñoz, Juan José Otegui, Nancho Novo, Jordi Mollà, Alicia Agut, Marisol Muriel, Teresa Ibáñez, José Palau, Abraham García Distribuidora: Warner Bros. Productora: CiBy 2000, El Deseo S.A. Dirección artística: Miguel López Pelegrín, Wolfgang Burmann Diseño de producción: Esther García Efectos especiales: Juan Ramón Molina Efectos visuales: Jorge Calvo, Pablo Núñez Fotografía: Affonso Beato Guión: Pedro Almodóvar Maquillaje: Antonio Panizza, Jorge Hernández, Jorge Hernández Lobo, Juan Pedro Hernández Montaje: José Salcedo Música: Alberto Iglesias Producción: Esther García Producción ejecutiva: Agustín Almodóvar Sonido: Aitor Berenguer, Anthony Cleal, Antonio Illán, Bernardo Menz, Carlos Garrido, Fran Villarrubia, Graham V. Hartstone, José Antonio Bermúdez, Luis Castro, Michael A. Carter Vestuario: Ana Morales, Hugo Mezcua, Isabel Berz, Peris, Rosa Paradela

viernes, 16 de enero de 2015

Musarañas





Impresionada he salido del cine de ver "Musarañas".
Dirigida por  los noveles Juanfer Andrés y Esteban Roel está magníficamente interpretada entre otros por Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva y Luis Tosar.






Digo "magníficamente interpretada" y sé que en el fondo me estoy refiriendo a la que sin duda es el sostén principal de la película y es esa ENORME Macarena Gómez,que desde aquí vaticino que se va a llevar el goya a la mejor interpretación femenina ( si no se lo arrebata la creciente María León en "Marsella"),veremos qué pasa el 7 de Febrero en la Ceremonia de los Premios Goya.

En la producción de "Musarañas" por otro lado,está Alex de la Iglesia,que avala un proyecto que sin duda es coherente con su iconografía,su trayectoria y su sello personal.

Musarañas,como sabeis se estrenó en el Festival internacional de cine fantástico y de terror de Sitges(que es donde tendría que haberla visto yo...jeje) y desde entonces ha tenido un reconocimiento tanto por parte de público como de crítica.

Entro en materia,las lectoras/es que no gusten de anticipos (no desvelaré las claves más importantes ni el extraordinario desenlace)abstenganse de seguir leyendo aquí.


Ambientada en el Madrid de los años 50,nos introduce de lleno en  la historia de una familia ,formada ahora por dos hermanas: Montse (Macarena Gómez)y su hermana pequeña(Nadia de Santiago),de la cual,misteriosamente,no sabemos su nombre en la película,pero que recien cumplió 18 años.


La madre de ambas al parecer murió al nacer la pequeña de las hermanas y el padre (Luis Tosar) huyó en la guerra abandonándolas a su suerte.


Montse padece agorofobia y lleva años sin salir de ese piso,traumatizada por la muerte de la madre y la tiránica presencia de su padre hasta que éste las bandona,se fué desequilibrando a marchas agigantadas y en la actualidad el único hilo que la mantiene en contacto con la vida exterior es su hermana pequeña y los encargos que realiza puntualmente como costurera.


La monotonía y la vida gris y claustofóbica de Montse da un giro inesperado cuando un vecino : Carlos (Hugo Silva) se cae en la escalera y pide ayuda llamando a su puerta.

A partir de ahí,Montse intentará ayudar y proteger a Carlos,cuidando de él en su casa,pero lo que comienza siendo un acto aparentemente solidario termina sacando a la luz la desquiciada y perturbada naturaleza de Montse.




Diré que ha habido momentos en los que me he acordado de otras películas,no sé si son guiños o casualidades,pero para mí, ha sido inevitable a raíz de ciertas escenas acordarme de "Misery" clavada a fuego en nuestra memoria gracias a la inconmensurable y versatil Katy Bates, y ya en otro registro, en pleno delirio y despliegue sangriento de Montse,me ha venido a la mente alguna escena de "El silencio de los corderos" ,con ese casual paralelismo en las habilidades que como modista y sastre tenían tanto Montse como el psicópata-objetivo de captura de la teniente Clarice.

L@s amantes del cine clásico,es posible encuentren alguna reminiscencia de algunas películas como "¿Qué fué de Baby Jane?",salvando lógicamente todas las distancias.

Se entienda bien cuando digo que "Musarañas" es un trhiller español con muchos y oscuros tintes psicológicos(algunos la han definido como lorquiano) y algún toque gore,pero además,es una película divertida,que consigue que el espectad@r entre la trama desde el principio y disfrute de este histriónico y exagerado descenso a los infiernos de Macarena Gómez.Es un festival de excesos,al más puro estilo de Alex de la Iglesia,y partiendo de ahí,un entretenimiento puro y duro capaz de disfrutarse de principio a fin.


Y sí, subrayo a Macarena Gómez porque  éste sin duda es el gran salto de una actriz que ya había trabajado bajo la batuta de Jaume Balagueró en la inquietante "Para entrar a vivir" ,de Paco Plaza en "Romasanta.la caza de la bestia" y de Alex de la Iglesia en Las brujas de Zugarramurdi pero
aquí en "Musarañas" es donde se marca un antes y un después en su recorrido y nos deja una interpretación imborrable de un personaje insano,que sufre y causa dolor sin medida,todo desproporcionado,todo desquiciado,con ese punto de ternura enferma con la que casi empatizamos a pesar del terror que siembra su locura.

Al final y al principio,todo dolor (eso lo saben bien los psicoanalístas)tiene su por qué y casi todos los males tienen el mismo origen en el tonco familiar, pero todo eso lo va descubriendo a cada paso el espectad@r, como si de un puzzle se tratara.


Esta pequeña y fágil actriz,hasta ahora bastante secundaria en el cine español,aquí crece y se hace por momentos INMENSA gracias al personaje de Montse que ni ella ni nosotr@s podremos olvidar ya,porque hay personajes que se comen por entero a las películas y terminan siendo el epicentro de todo lo que bulle en la trama. Pasó también con el personaje de César,el portero psicópata en "Mientras duermes" de Jaume Balagueró,esa película para much@s es Luis Tosar,y no podría ser ya ningún otro en modo alguno.


Aquí tenemos una tragedia como se ha dicho lorquiana donde las mujeres son una vez más las protagonistas,donde la tragedia y la comedia se rozan en algún momento en medio del paroxismo y donde se hace a mi modo de ver,una buena administración de la acción,los giros,los desenlaces y los puntos oscuros donde llegado el momento. se va arrojando la luz.



Al parecer la mano invisible de Alex de la Iglesia va más allá de la mera financiaciación,ya vemos en el reparto a su actriz fetiche Carolina Bang que  es también productora,pero además está el humor negro y como no,los toques macabros,la iconografía religiosa y el festival sangriento que se marca Macarena Gómez en la trama final.
Todo apto para estomagos sensibles,que nadie se asuste,se nota maestría y cierta armonía dentro de lo grotesco de la exageración.


Cierro esta reseña afirmando lo que parece ya un hecho,y es que el que el principal mérito de esta cinta entretenida y divertida como pocas en el género, es esa soberbia Macarena Gómez,que por fin como he leído y me parece muy acertado, da un golpe sobre la mesa para hacerse notar entre las grandes, y vaya si lo consigue...


Féliz fin de semana zinéfil@s,espero que en vuestra escalera no os topeis nunca con ninguna Montse;)

Troyana


viernes, 9 de enero de 2015

Beyond Christmas (1940)

Ahora que estamos en plena resaca postnavideña ¿qué puede haber más adecuado que hablar de una película llamada "Beyond Christmas"?

Reconozco que hecho un poco de trampa, ya que solo se trata del título de una edición en DVD y su título original es "Beyond Tomorrow".

Lo que ignoro es el motivo que impulsó al distribuidor español para traducirla como "Dulce Evocación" excepto que estuviera en plena promoción de un lote de melodramas de Libertad Lamarque, digo yo.

Al margen del creativo retitulado castellano, por una vez el título de la edición de DVD, además de venirme al pelo para publicar hoy una entrada es - por una vez-, más adecuado que el original, ya que Beyond Tomorrow es una película navideña en toda regla, en la línea de Qué bello es vivir y De ilusión también se vive.

Sin embargo, no es un clásico como aquellas y nunca, o casi nunca, se ha programado en televisión, que yo sepa. Por lo menos en nuestro país, donde es prácticamente desconocida. ¿Por qué?

Se me ocurren varios motivos, además de porque se les olvidó incluir el verbo vivir en el título, claro.

El más obvio es que su director no es Frank Capra sino un tal A. Edward Sutherland, que al parecer dirigió infinidad de películas de "El gordo y el flaco" y que por si fuera poco, también dirigió alguna de Abbot y Costello.

El segundo es que, aunque Beyond Tomorrow está fechada tan solo seis años antes que Qué bello es vivir, es obvio que el tiempo las ha tratado de forma muy diferente.

Por otra parte, ignoro si es un defecto únicamente de la copia en DVD que tengo yo, pero es obvio que necesita una restauración.

En definitiva, su visionado hoy en día resulta un auténtico viaje en el tiempo a un tipo de cine inocente que ya no existe, una rareza en la que parte de sus defectos se convierten en virtudes, y sobre todo una de las películas más naif que he visto en mi vida.

Y es que advierto que en Beyond Tomorrow se alcanzan unas cotas de inocencia, buenas intenciones, amabilidad y confianza en la bondad del ser humano que hace que el resto de las películas navideñeas parezcan dirigidas por el Grinch.

Viéndola puedes empacharte, emocionarte, sorprenderte o fascinarte con tal cúmulo de buenos sentimientos. Incluso, como es mi caso, todo a la vez: en todo caso, es una experiencia, os lo aseguro.
El cartel también incluye spoilers.

A continuación voy a contar gran parte del argumento, porque considero que es bastante improbable que casi nadie se lance a verla y además porque su interés para el buscador de rarezas va más allá de las (supuestas) sorpresas de guión, bastante previsibles vistas hoy en día.

La acción comienza en Manhattan, en plena Nochebuena, cuando Melton, Chadwick y O'Brien, tres caballeros maduros, dueños de una exitosa empresa, reciben una llamada que les informa de que sus invitados para la cena no van a asistir.

Al darse cuenta de lo poco que lamentan la ausencia de sus invitados en una noche tan especial, descubren que no tienen un solo amigo verdadero y se plantean solucionarlo esa misma noche, invitando a compartir con ellos su lujosa cena a los primeros desconocidos bondadosos que aparezcan en su puerta.

Para encontrar a esas personas se les ocurre dejar, tres carteras frente a su casa, con un billete dentro y una tarjeta de visita que permita localizar su dueño fácilmente.

La primera cartera es encontrada por una mujer vestida lujosamente, que se dirige a una cena junto a un hombre de etiqueta, y que le regala el dinero a su chófer.

"Qué generosa eres con el dinero de los demás" le dice su acompañante, frase que por sí sola haría que mereciera la pena haber descubierto esta película.

La siguiente la encuentra un inocentón vaquero aspirante a cantante (¿?) que intenta triunfar en la gran ciudad, hasta ahora con tan poco éxito que debe afrontar el duro invierno neoyorquino sin ni siquiera un abrigo. La última la devuelve una joven enfermera tan honesta y bondadosa como el muchacho.

Esos dos personajes son llamados, poco sutilmente, James y Jean.

Como ambos están lejos de sus familias acceden a cenar con los caballeros y juntos pasan una noche "deliciosa" (igualmente podría haber dicho "encantadora") a la que se unen el ama de llaves y el resto del servicio, que resultan ser nada más y nada menos, que una condesa que huyó de Rusia su natal por la Revolución de Octubre, y sus antiguos criados, que decidieron acompañarla en su exilio, como señal de su fidelidad.

¿De verdad no tenéis curiosidad por una película en la que aparecen una condesa rusa, sus criados, un cowboy cantante y tres amables ancianitos?

Después de una noche tan perfecta, deciden continuar con la amistad y durante unas semanas pasan todos juntos muchos más días "encantadores". Tiempo en el que se fragua el previsible romance entre los dos jóvenes, para alegría de los tres socios.

Sin embargo los tres caballeros realizan un viaje de trabajo en una frágil avioneta, precisamente en un día de nieve que acabará como ya os imagináis.

Pero lo que quizá no sabéis todavía, es que los socios permanecen todavía un tiempo en pantalla convertidos en ... fantasmas que no quieren abandonar este mundo nuestro, sin haber dejado apañada a la parejita.

En serio: condesa rusa, vaquero cantante, espectros románticos... ¿conocéis otra película igual?

El mayor problema de Beyond Tomorrow es que a partir de entonces, la película tiene una caída de tono realmente lamentable.

Si la Nochebuena y momentos posteriores que pasan los protagonistas juntos son puro sentimentalismo, la película a partir de entonces, peca de precipitada y,  lo que es peor, rutinaria.

Parece comprensible que las cuitas que les ocurrirán a los dos enamorados se quieran contar de otra manera, como una vuelta a la realidad después del mágico oasis de amistad y buenas intenciones de las navidades (de ahí que diga que el título Beyond Chirstmas me parece sumamente adecuado) pero es que hay momento en que parece que se está viendo una película distinta, infinitamente peor contada.

Lo peor, sin embargo, llega con la escena del tiroteo (¿no os había dicho ya que también hay un tiroteo? Pues lo hay) horriblemente rodada y/o montada.

Aún así merece la pena no abandonar su visionado para contemplar algún momento aislado de buen cine - los telegramas acumulados por Jean - y sobre todo la visión más camp jamás contemplada sobre el más allá, al que terminan por acceder los tres amigos, dejando a sus jóvenes protegidos solos y evidentemente bien encarrilados en la vida.

Pensadlo bien: un vaquero cantante, una ex-condesa rusa, un tiroteo, la Nochebuena y el cielo al que van los millonarios buenos... ¿Quién da más?


Loque


viernes, 2 de enero de 2015

Siete novias para siete hermanos

-Portaos como caballeros y hablar con finura. Demostrad que tenéis educación.
-¿Edu... qué?.

"Siete novias para siete hermanos" Stanley Donen
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Un rudo pero cantarín leñador que vive en las montañas baja al pueblo más cercano para encontrar una joven trabajadora y casarse con ella, como el que necesita un alargador y baja al todo a 100 a comprar uno. La cuestión es que no tarda en seducir a una de las aldeanas, que, prendada por el atractivo varonil del leñador, accede a casarse con él imaginando una idílica vida en pareja allá en las montañas. No obstante sus fantasías se verán truncadas cuando descubre que su marido vive con sus seis hermanos, que resultan ser un atajo de antihigiénicos salvajes.

La convivencia será difícil al principio, pero gracias a los consejos de su cuñada, los seis hermanos se convierten en personas civilizadas (a la vez que en grandes bailarines y acróbatas). O eso creía ella, pues con el fin de conquistar a las seis muchachas que han conocido en el pueblo no se les ocurrirá otra cosa que secuestrarlas, lo cual dará pie a múltiples conflictos y canciones varias.


"Siete novias para siete hermanos" es una de mis favoritas de siempre, y eso que no me gustan los musicales, pero la de hoy es una de esas películas redondas que tanto escasean en el cine actual. 

Conseguir que simpatices con un canalla como el protagonista, que te creas a esa panda de gañanes bailando, que comprendas los repentinos e inexplicables romances de la peli y que no te sobre ni una sola canción es algo difícil con sólo leer el argumento, pero todo ello ocurre y es complicado explicar por qué.

Podemos elogiar la gran labor del guionista, el director, los actores, el coreógrafo o el compositor, quienes lograron contar una historia de forma entretenida, graciosa y adorable intercalando unas magníficas canciones, fundamentales además en el desarrollo de la trama, con unos bailes espectaculares (el del pueblo es uno de los mejores números musicales que se han rodado jamás), pero hay algo más, algo que no se pudo ensayar ni escribir. Transmitir esa alegría, esa felicidad, esa energía positiva es algo que no se puede programar, fluye sin más.



Las películas son como las personas, tenemos pelis de todo tipo, hay pelis
divertidas, pelis tristes, pelis aburridas, pelis pesadas... si "Siete novias para siete hermanos" fuese una persona sería de esa gente optimista y encantadora que tiene siempre una sonrisa en la cara y con quien todo el mundo quiere estar.
Y eso que en su día la Metro Goldwyn Mayer la consideró un producto de serie b, recortando su presupuesto en favor de "Brigadoon", por lo que "Siete novias para siete hermanos" tuvo que rodarse con un sin fin de estrecheces que les obligó a grabar en pobres decorados o confeccionar el vestuario de las chicas con ropa donada por el Ejército de Salvación.

Como no podía ser de otra forma la peli tuvo una gran acogida, batió record de permanencia en pantalla, fue candidata a mejor película (perdió ante "La ley del silencio") y hasta el mismo Presidente Eisenhower recomendó a los ciudadanos que la viesen.

Hoy en día se hacen cientos de películas con un presupuesto infinitamente mayor, tramas más elaboradas y mejores efectos, sin embargo, cuando escucho eso de "la magia del cine" es Jane Powell cantando con esas montañas dibujadas de fondo quien me viene a la cabeza.

Así, empezamos el año con buen pie (aunque con cierto retraso por mi parte, mil perdones).

Feliz 2015

Doctora

viernes, 26 de diciembre de 2014

El orgullo de los yanquis (1942)

Ahora que nos van a meter en las pantallas de cine la historia de Stephen Hawking, un genio de la astrofísica que sufre la devastadora afección de ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica), nos la quieren vender como la primera película que habla de este mal degenerativo. Eso es porque no se acuerdan de una peli clásica del año 1942 titulada el orgullo de los yanquis.

El cartel anunciante

La peli, rodada en plena segunda guerra mundial,  narra la historia,  a la manera “ensalzahéroes” del Hollywood clásico, de Lou Gehrig, un bateador del equipo de béisbol de los yankees de Nueva York, de ahí el título. El verdadero Lou Gehrig, un atleta zurdo contemporáneo y compañero de equipo de otros ilustres del bate como Babe Ruth, que sale en la peli, o Joe Di Maggio, esposo ocasional de Marilyn Monroe.

Gary Cooper con Babe Ruth, leyenda del béisbol, en el rodaje.

Gehrig, hijo de emigrantes alemanes, lo cual se hace notar en los acentos paternos de la versión original, nació y se crió en Nueva York a principios del siglo XX. Sus padres, perseguidores del sueño americano, se esforzaron por dar una buena educación a su hijo, que, destacando en los deportes, acabó haciéndose un indiscutible del, entonces, popularísimo béisbol, siendo miembro del dream team de los yankees de Nueva York durante catorce años, entre 1924 y 1938, que fue cuando abandonó este deporte aquejado de una enfermedad que le impedía mover los músculos. Por cierto, al ELA, en los EEUU le siguen llamando “la enfermedad de Lou Gehrig”, a pesar de Stephen Hawking.

Sinopsis “espoileada” como la de Titánic:

Dirigida por Sam Wood, el patriótico director tan afín a las ideas maccarthyanas de echar a todos los rojos de la industria fílmica, y protagonizada por Gary Cooper haciendo de joven estudiante a la edad de 41 años, lo cual no encaja demasiado bien, pero bueno, es que es Gary Cooper y lo dejamos estar, narra con plantilla “ensalzahéroe”, la historia de este hijo de emigrantes alemanes que alcanza el sueño americano, que se va al cuerno por culpa de una enfermedad degenerativa.

El pequeño Louie probando fortuna con la zurda.

Se ve a Lou de niño, volviendo de la escuela, que juega al béisbol con los chavales del barrio, y del batazo, rompe el cristal de un comercio. La madre, que en casa es la alemana que corta el bacalao, ya que el padre está sometido a lo que diga su férrea señora, riñe a Lou porque debe centrarse en los estudios. La madre, cocinera en la universidad de Columbia, consigue que él estudie allí.
A pesar de “la vida mejor” en el país de los sueños, los padres, cocinera y portero, no han conseguido nada mejor. La madre, aquejada de una enfermedad, va derecha al hospital para pobres, pero Lou firma con los yankees, en contra de la voluntad de su madre, que nada sabe de esto, para poder pagarle una clínica de las caras.

Mamá Gehrig es mucha mamá.

Y Lou Gehring  comienza a jugar con los Yankees de Nueva York, primero chupando banquillo, cuando en Chicago, contra los White sox, sale a la jugar por primera vez, una espectadora, papel interpretado por Teresa Wright, lo pone nervioso. Lo que son las cosas, vuelven a coincidir en la cena, y allí comienza el noviazgo a distancia. La niña, por cierto, es la hija de un magnate de las salchichas.

El orgullo de los yankees y señora

Son años de vino y rosas. Todo es genial. Él se hace un jugador indiscutible, un americano impecable, guapo, fuerte, trabajador, honesto y buen esposo. Un retrato propagandístico de primera, publicitado, sobre todo, por ese papel que interpreta Walter Brennan, que es una mezcla de periodista deportivo, mánager y amigo de la familia. El único punto conflictivo lo pone mamá Gehrig, en el papel de suegra dominante, que acaba suavizándose.

Los Gehrig en el campo, para ver jugar al nene.

La última media hora conduce al problema médico de Lou. Un mal día empieza a sentir sus músculos agarrotados. Ya no rinde tanto en el campo de juego. El médico le da malas noticias. Lleva con entereza su dolencia y dice adiós en el estadio de los Yankees ante su afición, abrazándose a compañeros, como Babe Ruth, que sale en la peli interpretándose a sí mismo. Y Lou cabizbajo entra a los vestuarios mientras se oye “play ball!” (¡Juego!).

Contexto histórico del rodaje:

Lou Gehrig, jugador en la época de la crisis del 29, donde todo el mundo necesitaba un desahogo, era, como todo el que llevaba felicidad de la simple a los seguidores del béisbol, un querido ídolo de la sociedad americana. La película, filmada en 1942, recién entrado EEUU en la segunda guerra mundial (El ataque japonés a Pearl Harbor fue el 7 de diciembre del 41) desea ensalzar los valores patrios de una juventud a la que quieren enredar en el ideal de fuerza y voluntad y morir joven por la patria, cosas que se leen en el prólogo escrito de esta peli.

Gary Cooper probando el bate

Gehrig, retirado en 1938, muere en 1941. La película está, por lo tanto, rodada un año después del fallecimiento, a los 38 años, del jugador de béisbol. Nunca antes se había hecho una despedida tan clamorosa a un jugador de béisbol como la que se le hizo a Gehrig en 1939 en el estadio de los Yankees de Nueva York, con el aforo completo, abrazándose a Babe Ruth, con el que había habido roces y malentendidos años atrás.

Walter Brennan haciendo del amigo protector lleno de fe

Es una peli sobria, confeccionada con la hechura americana del ensalzamiento sin oscuridades del protagonista para narrar una historia simple, aunque a veces difumine la verdad. Gary Cooper interpreta al atleta, algo simple, buen hijo, buen marido, intachable, americano ejemplar, fuerte y formal (lo de feo para John Wayne). Canta un poco que  Gary Cooper  sea un estudiante veinteañero a los cuarenta, pero bueno.
Teresa Wrihgt  interpreta a la buena esposa, siempre alegre, guapa y elegante como buena americana y Walter Brennan al periodista y mánager que tiene una fe ciega en él, que se convierte en su consejero, amigo, dama de compañía y segundo padre. Cabe destacar que en esta cinta hay un par de jugadores de béisbol que se interpretan a sí mismos, destacando Babe Ruth, el sultán del bate, uno de los jugadores más famosos de todos los tiempos. Tiene pinta de orangután tragaldabas y fashionvictim. Los rifirafes con Gehrig quedan apenas insinuados por actores de reparto.  Curioso es que nadie haya hecho una peli sobre Babe Ruth con la de historias y leyendas que sobre él se cuentan.

Placa conmemorativa a un ser querido

La enfermedad de Lou Gehrig ocupa los últimos treinta minutos de esta cinta de  dos horas. Con todo el pudor a las cosas desagradables de la vida, apenas queda retratado en unos pocos gestos y una visita al médico donde lo único que queda claro es que le queda poco de vida. En aquella época aún no se rodaban cosas que fueran demasiado fuertes para el público, sin embargo, no se puede decir que la inminente historia de Stephen Hawking sea la primera en tratar el mal llamado ELA, que en EEUU es más conocida por “la enfermedad de Lou Gehrig”.

Ficha técnica:

Título: The Pride of the Yankees  (El orgullo de los Yankees) 1942
Duración: 128 min.
País: Estados Unidos
Director: Sam Wood
Guión: Jo Swerling, Herman J. Mankiewicz (Historia: Paul Gallico)
Música: Leigh Harline.
Productor: Samuel Goldwyn (RKO Pictures)

Género: Drama.

Juli Gan

viernes, 19 de diciembre de 2014

Boyhood (Momentos de una vida)

La vida está hecha de diferentes momentos. Momentos que recordamos, que olvidamos, que nos marcan... pero son momentos de nuestra vida.


Título en castellano Boyhood (Momentos de una vida)
Título original Boyhood
Año 2014
Duración 165 minutos
País Estados Unidos
Director Richard Linklater
Guión Richard Linklater
Música Varios
Fotografía Lee Daniel, Shane Kelly
Productora IFC

Reparto
Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard, Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother...


Sinopsis
Es la historia de Mason desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.



Sabemos que en España las traducciones de los títulos de las películas a veces no tienen relación con el título en original. En el caso de Boyhood se ha optado por no traducirla (niñez, infancia) y añadirle un subtítulo: Momentos de una vida. Y creo que es muy acertado.

Boyhood. (Momentos de una vida) nos cuenta la vida de una familia a los largo de varios años. Hasta aquí nada excepcional, sin embargo, el director y guionista Richard Linklater (Antes de amanecer, 1995; Antes del atardecer, 2004; Antes de anochecer, 2013) decidió rodar la película a lo largo de 12 años utilizando siempre a los mismos actores. Es así cómo vemos la evolución real de los personajes, tanto a nivel emocional como a nivel físico sin que sea necesario la utilización de maquillajes especiales que los envejezcan.


La película se realizó a los largo de 12 años….
... pero sólo durante 39 días de rodaje.



Una curiosidad es que no se trata de una película continua en el tiempo, sino a saltos. Nos muestran diferentes momentos en la vida de sus protagonistas, unos días concretos o unos meses para luego saltar hacia delante en el tiempo y mostrarnos otros momentos meses o años después. No sé si yo lo he explicado bien, pero en la película todo tiene sentido y se entiende la historia perfectamente.

Todo gira en torno a Mason (Ellar Coltrane), un niño de seis años que vive con su hermana Samantha (Lorelei Linklater) y su madre Olivia (Patricia Arquette). Su padre, Mason (Ethan Hawke) ausente hasta estos momentos reaparece en sus vidas.


Somos testigos de todos los cambios de esta familia –que son muchos-, de mudanzas, relaciones amorosas, relaciones familiares, amistades, estudios, trabajos, problemas, desilusiones, alegrías…

Me ha gustado especialmente la relación padre e hijo. Un padre que aunque no está en cada minuto tampoco está ausente y llega a tener una complicidad increíble con su hijo a pesar de todo lo que va ocurriendo a su alrededor.


Se trata de un largometraje largo, de 2 horas y 45 minutos que a mi me ha enganchado. La banda sonora (con canciones de Arcade Fire, The Black Keys, Teweedy...) también me ha gustado y todos los actores están muy bien.


Tanto la película como su director y actores están recibiendo buenas críticas y múltiples premios. Boyhood está considerada una de las mejores 10 películas del año según el American Film Institute (AFI). En los próximos Globos de Oro ha logrado 5 nominaciones (película dramática, director, guión, actor y actriz de reparto (Arquette y Hawke).

Este es el trailer:


Boyhood (Momentos de una vida), una película que ha parecido muy interesante y que por eso os recomiendo. Espero que os guste.