viernes, 19 de diciembre de 2014

Boyhood (Momentos de una vida)

La vida está hecha de diferentes momentos. Momentos que recordamos, que olvidamos, que nos marcan... pero son momentos de nuestra vida.


Título en castellano Boyhood (Momentos de una vida)
Título original Boyhood
Año 2014
Duración 165 minutos
País Estados Unidos
Director Richard Linklater
Guión Richard Linklater
Música Varios
Fotografía Lee Daniel, Shane Kelly
Productora IFC

Reparto
Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard, Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother...


Sinopsis
Es la historia de Mason desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.



Sabemos que en España las traducciones de los títulos de las películas a veces no tienen relación con el título en original. En el caso de Boyhood se ha optado por no traducirla (niñez, infancia) y añadirle un subtítulo: Momentos de una vida. Y creo que es muy acertado.

Boyhood. (Momentos de una vida) nos cuenta la vida de una familia a los largo de varios años. Hasta aquí nada excepcional, sin embargo, el director y guionista Richard Linklater (Antes de amanecer, 1995; Antes del atardecer, 2004; Antes de anochecer, 2013) decidió rodar la película a lo largo de 12 años utilizando siempre a los mismos actores. Es así cómo vemos la evolución real de los personajes, tanto a nivel emocional como a nivel físico sin que sea necesario la utilización de maquillajes especiales que los envejezcan.


La película se realizó a los largo de 12 años….
... pero sólo durante 39 días de rodaje.



Una curiosidad es que no se trata de una película continua en el tiempo, sino a saltos. Nos muestran diferentes momentos en la vida de sus protagonistas, unos días concretos o unos meses para luego saltar hacia delante en el tiempo y mostrarnos otros momentos meses o años después. No sé si yo lo he explicado bien, pero en la película todo tiene sentido y se entiende la historia perfectamente.

Todo gira en torno a Mason (Ellar Coltrane), un niño de seis años que vive con su hermana Samantha (Lorelei Linklater) y su madre Olivia (Patricia Arquette). Su padre, Mason (Ethan Hawke) ausente hasta estos momentos reaparece en sus vidas.


Somos testigos de todos los cambios de esta familia –que son muchos-, de mudanzas, relaciones amorosas, relaciones familiares, amistades, estudios, trabajos, problemas, desilusiones, alegrías…

Me ha gustado especialmente la relación padre e hijo. Un padre que aunque no está en cada minuto tampoco está ausente y llega a tener una complicidad increíble con su hijo a pesar de todo lo que va ocurriendo a su alrededor.


Se trata de un largometraje largo, de 2 horas y 45 minutos que a mi me ha enganchado. La banda sonora (con canciones de Arcade Fire, The Black Keys, Teweedy...) también me ha gustado y todos los actores están muy bien.


Tanto la película como su director y actores están recibiendo buenas críticas y múltiples premios. Boyhood está considerada una de las mejores 10 películas del año según el American Film Institute (AFI). En los próximos Globos de Oro ha logrado 5 nominaciones (película dramática, director, guión, actor y actriz de reparto (Arquette y Hawke).

Este es el trailer:


Boyhood (Momentos de una vida), una película que ha parecido muy interesante y que por eso os recomiendo. Espero que os guste.



domingo, 14 de diciembre de 2014

Nueva generación de series. Nashville versus Glee







Cuando he de escoger entre dos películas es evidente que siempre lo tengo claro y mis preferencias van dirigidas al cine clásico. No veo mucho la televisión y si  lo hago es para ver alguna película o últimamente me adentro más en el mundo de las series.

La series, y sobre todo las americanas han cambiado mucho en estas dos últimas décadas. El filón que proporciona el hecho de introducir a un actor o actriz conocido en el mundo cinematográfico en la pequeña pantalla da mucho dinero. Pero además también hay que decir que los guiones, la técnica, todo en general,  es mucho  más cinematográfico.

Las productoras televisivas han apostado por las series de gran calidad y en muchos de los casos han acertado, series como Breaking Bad,

 Los Soprano (que yo diría que fue una de las primeras series con este nuevo formato), 
Friends,
 Juego de tronos, 
Lost,
 Walking Dead (para mi Troyana favorita)....
 y tantas otras han dado calidad a un género que hasta hace veinte años se conocía como menor.
Otros países también han comprobado este nuevo filón en la pequeña pantalla y se han apuntado al carro.

Pero aquí está la espada de doble filo, se hacen tantas series, que en muchos casos se acierta y en otros no, a veces piensas que tienes un buen producto, una buena historia y unos buenos interpretes pero no sabes porqué la cosa no funciona.... es el caso de esa serie de caballos (que ahora ni recuerdo) con el gran Dustin Hoffman y que fue un fracaso.

Y luego están aquellas series que son flojas , que van aguantando , dos, tres o hasta cinco temporadas, por el simple hecho de que tienen sus fans y que hay algo en ellas que engancha, sea sus actores, sea su historia o sea el género. En este caso , el género y más concretamente el musical es el que me engancha a mi y por eso intento ir siguiendo algunas de ellas, aunque reconozco que su calidad no sea del todo la deseada...

Es el caso por ejemplo de Glee (la versión moderna de Fama),

 serie para adolescentes, con un grupo de estudiantes de instituto , freakies en su mayoría, desahuciados o marginados por su entorno que encuentran en el club Glee, un grupo de cantantes con un profesor también marginado, la vía de escape para todos sus males. La gran virtud de esta serie, para mi, son básicamente dos, la primera es el trato que se tiene a ese grupo de chicos y chicas marginados y la solidaridad que hay entre ellos, quizás mal trabajado en la serie pero el valor de la amistad o la importancia de ayudarse entre ellos es un valor que lo encuentro interesante y segundo y más importante es ese conjunto de números musicales de todo tipo que engancha en cada uno de los episodios, memorables los especiales que les dedicaron a West Side Story, a Grease o a The Rocky Horror Picture Show o a Madonna y Britney Spears.... y a tantos otros, asi como participaciones especiales como Carol Burnett, Whoppi Goldberg, Gwyneth Paltrow, Kate Hudson, Sarah Jessica Parker, Gloria Stefan, Olivia Newton John, o la mismísima Shirley MacLaine,

Y luego hay otra serie bastante floja para mi gusto, muy sencilla en su forma y su contenido pero que me atrapa en cada episodio por su música, la música country, me refiero a Nashville.


El guión, muy tópico, Ryana James  estrella de country desde hace dos décadas ahora un poco en declive debe lidiar con la nueva estrella de los adolescentes Juliette Barnes. Son dos estilos muy diferentes pero en el fondo con muchas cosas en común, sobretodo el amor a la música country.
Ya digo que es floja pero reconozco que sin saber nada de este tipo de música, mi debilidad por ella es grande. Los temas que aparecen en cada episodio seguramente reconocidos por los amantes de esta música son para mi un autentico placer para mi oído.


No digo que la sigáis porque ya he dicho de buen principio que no son de gran calidad pero si os gusta la música, la buena música estas dos series son dos claros ejemplos para escucharla.


Hasta la próxima!

Bargalloneta

viernes, 5 de diciembre de 2014

Babel

Lingua, linguae

Estoy leyendo en estos días una novela negropolicial de Rosa Ribas titulada Don de lenguas. Las protagonistas e investigadoras de un crimen son una periodista y una lingüista; dos señoras, pues, que trabajan con el lenguaje, que manejan bien sus recursos y que se sirven de ese conocimiento en sus pesquisas y averiguaciones.

Don de lenguas me ha hecho acordarme de películas en las que las lenguas, los idiomas, cobran protagonismo y me han venido a la cabeza, entre otras, Lost in translation, Malditos bastardos, Vicky Cristina Barcelona y otra que yo pensaba que tenía que ver con esto, con el batiburrillo que supone la coexistencia de centenares de lenguas en este pequeño planeta, era esta, Babel, pero no era exactamente como yo pensaba.



El título me despistó un poco

Como digo, guiada por el título, recuerdo haberme metido en una sala de cine a ver Babel, pensando que iba a encontrarme con una reflexión sobre la lengua o las lenguas y me topé con un hermoso alegato contra las armas. Un alegato cinematográfico, claro, puro cine; inquientante, nada cómodo de ver, uno de esos relatos que te encogen el estómago porque crees que cuando menos te lo esperes va a suceder algo horrible.

Y sucede, claro. Cuando hay armas por medio, es bastante probable que suceda algo horrible y, de hecho, sucede.


De Tokio a Marruecos

En uno de esos edificios con docenas de pisos, en una vivienda costosísima y elegante, un hombre
guarda al menos dos armas. Una es la que utiliza su esposa para descerrajarse un disparo en la cabeza. La otra es un rifle de caza hipersofisticado y difícil de manejar.

Este señor japonés se lleva su rifle a una cacería en Marruecos y luego se lo regala a un campesino de allí. El campesino lo vende a un pastor y los hijos de este lo usan para matar a los chacales que acaban con sus rebaños. Así, un arma resplandeciente de tecnología punta, un producto de otro mundo, acaba en las torpes manos de un muchacho pobre en los desérticos montes de Marruecos. Como os decía, la tragedia se adivina a la vuelta de la calle, en la siguiente curva de la carretera.


Y de ahí a México y a California

Bueno, para ser fieles al recorrido narrativo, habría que decir que de Marruecos saltamos a los Estados Unidos y luego a México, pues en todos esos lugares están presentes las armas en lo bueno y en lo malo, en la salud y en la enfermedad, en la alegría y en las penas; quiero decir, por supuesto, que en México, en una boda, Gael García Bernal dispara varios tiros al aire en señal de júbilo.

Así, de la misma manera que viajamos de país en país, transitamos también de lengua en lengua, sin salir de este planeta, sin salir de Babel. Tanto en México como en el sur de California tenemos el placer de oír su español delicioso, todo música, para desesperación del personal traductor, que tiene que decidir, con gran dolor, supongo, cuándo aferrarse a la versión original, cuándo doblar, cuándo recurrir al subtítulo...


Vaya una cosa por otra

Pensando que vería un film sobre la incomunicación, disfruté (y mucho) de otro film, que no estaba en mi cabeza, contra las armas y por la paz. Ahora me pregunto si, a fin de cuentas, no será todo lo mismo.

Sea como sea, he aquí mi humilde aportación a la causa: https://www.es.amnesty.org/temas/armas/tratado-internacional-sobre-el-comercio-de-armas/



Ficha técnica (www.labutaca.net):

Dirección: Alejandro González Iñárritu.
País:
USA.
Año: 2006.
Duración: 143 min.
Género: Drama.
Interpretación: Brad Pitt (Richard), Cate Blanchett (Susan), Gael García Bernal (Santiago), Elle Fanning (Debbie), Kôji Yakusho (Yasujiro), Rinko Kikuchi (Chieko), Adriana Barraza (Amelia), Nathan Gamble (Mike), Mohamed Akhzam (Anwar), Peter Wight (Tom), Harriet Walter (Lilly), Trevor Martin (Douglas), Mónica del Carmen (Lucía).
Guión: Guillermo Arriaga; basado en un argumento de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu.
Producción: Alejandro González Iñárritu, Jon Kilik y Steve Golin.
Música: Gustavo Santaolalla.
Fotografía:
Rodrigo Prieto.
Montaje: Stephen Mirrione y Douglas Crise.
Diseño de producción: Brigitte Broch.
Vestuario: Michael Wilkinson.
Estreno en USA: 27 Octubre 2006.
Estreno en España: 29 Diciembre 2006.


viernes, 28 de noviembre de 2014

Mogambo

-¡Eh, Kelly!, ¡apártese del chimpancé!. Y haga el favor de no darle chicle.

"Mogambo" John Ford
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Clark Gable es un veterano cazador que se dedica a organizar safaris y capturar animales cuya plácida existencia se verá alterada con la aparición de Ava Gardner, una alegre e impertinente actriz a la que un amigo ha dado plantón en África. Así, no le quedará más remedio que esperar una semana a que un barco la lleve al aeropuerto más cercano, y si bien la relación no empieza con buen pie el cazador y la corista acabarán teniendo un idilio. Desafortunadamente para Ava, el amigo Clark no ve en ella más que un amor de verano y cuando llega la barca pone fin a su relación. En esa misma barca llega Grace Kelly, la mojigata esposa de un científico inglés a quienes Gable guiará por la selva en busca de gorilas. 

La cosa es que el lema del protagonista debe ser "Si pesa más que un pollo, me la..." y rápidamente inicia otro romance con la rubia, que se verá graciosamente truncado por el regreso de Ava Gardner después de que el famoso barco se averíe. De este modo emprenderán un incómodo viaje todos juntos bajo las constantes pullas e insinuaciones de Ava Gardner, la culpabilidad de Grace Kelly y la feliz ignorancia de su marido, que es el único que no sabe lo que está pasando.

"La reina de África" había sido uno de los mayores éxitos en 1951 de modo que era lógico intentar repetir la misma fórmula y para ello optaron por hacer un remake de "Tierra de pasión" (que también había sido protagonizada por Clark Gable) cambiando Indochina por África. Así, elegidos la historia y el escenario sólo faltaba acertar con el reparto y aquí es donde empieza la verdadera aventura de "Mogambo".

Habían pasado casi 20 años desde "Tierra de pasión" y Clark Gable estaba ya mayor para repetir el papel de galán, tenía 52 años y su aspecto lucía bastante deteriorado por culpa del alcohol. John Ford quería a Stewart Granger, pero los productores le aseguraron que no estaba interesado en separarse de su esposa Jean Simmons para irse a rodar hasta África y Ford tuvo que tragar con Gable. Años después Stewart Granger declaró en sus memorias que él deseaba hacer la peli, tachando de trepa a Clark Gable.

Lo curioso es que a Gable no le interesaba mucho "Mogambo" y aceptó sólo para desquitarse de los últimos fracasos que había protagonizado. De esta forma la relación entre actor y director fue tirante desde antes de empezar la filmación, pero nada comparado con los desencuentros que viviría Ford con Ava Gardner (la mirada que la pareja le dedica al director en esta foto lo dice todo)



Y es que Ford pensaba que Maureen O'Hara era la actriz ideal para interpretar a Eloise Kelly, pero la Metro-Goldwyn-Mayer le impuso a Ava Gardner y el director no dejó de menospreciarla hasta el punto de que Gardner escribió en su biografía que John Ford era uno de los más grandes hijos de puta que pudiera dirigir una película.

Un claro ejemplo de ello ocurrió mientras rodaban la escena en la que un guepardo camina por la tienda de la protagonista. El animal sólo tenía que entrar y salir, pero parecía imposible que lo hiciese como debía y tras mil tomas fallidas decidieron hacer un descanso. Ava Gardner aprovechó para apartar una lámpara que en su opinión molestaba al felino, montando Ford en cólera, gritándole que si sabía tanto de dirección se sentase en su silla, añadiendo que no era más que una actriz piojosa. Ava Gardner abandonó el set desconsolada y cuando volvió la lámpara había desaparecido.

La única que contaba con el beneplácito del director era Grace Kelly, pero su descarado trato de favor hacia ella no afectó a su relación con el resto del reparto. Gardner y Kelly se hicieron grandes amigas e inició un romance real con Clark Gable (lo cual le enemistó aún más con Ford).

Como veis es un filme plagado de anécdotas (Ava Gardner tuvo que abandonar el rodaje para ir a Londres a abortar tras quedar embarazada de Frank Sinatra y famosa es también la medida que tomó la censura española cuando alteraron el doblaje para convertir al matrimonio inglés en dos hermanos, evitando así el adulterio que da sentido a la trama dando pie además a momentos algo incestuosos), pero centrándonos en la peli en sí "Mogambo" es todo un clásico, quizá ya no tanto del cine de aventuras como del cine romántico.

Debemos tener en cuenta que en 1953 no existían los medios de difusión actuales y por ello ver en pantalla grande a un gorila o un elefante en movimiento era un acontecimiento para muchas personas que sólo habían visto semejante fauna dibujada en los libros. Hoy en día se ha perdido ese elemento impactante que tenían entonces las escenas con animales (rodadas por separado y burdamente pegadas al metraje), pero el interés por ese triángulo amoroso sigue intacto, sobre todo gracias a una inmensa Ava Gardner.

Por mucho que le pesase a John Ford todos los protagonistas están perfectos en sus papeles, que por otro lado habían repetido varias veces en otras películas, pero si alguien destaca entre todos es Ava Gardner, cuya carrera alcanzó aquí su cúspide y convierte "Mogambo" en su show particular. No en vano fue nominada al Oscar por primera y última vez, y aunque el premio fue para Audrey Hepburn por "Vacaciones en Roma", Gardner se adueña enteramente de la peli dando una lección de cómo interpretarse a sí misma.

Muestra de ello es esta escena en la que se presenta a Grace Kelly. 



No hace falta saber inglés para apreciar el descaro e insolencia de Gardner, su modo de sentarse, de levantarse, de cogerle un sandwich a una acogotada Grace Kelly que atiende escandalizada ante las vivencias de la actriz, horrorizada por sus modales y las manchas de su ropa.
Es además el enfrentamiento entre la sumisión y fragilidad que se le suponía a la esposa ideal en los 50 contra el desparpajo de las chicas de mala vida (la actividad laboral exacta del personaje de Ava Gardner queda un poco en el aire). Era también la lucha entre la clase alta y la obrera, Nueva York y Londres, rubias y morenas...
Me he extendido ya mucho, de modo que resumiré lo mejor de la peli en cada escena de Ava Gardner, especialmente la primera con Clark Gable y la cena en la cabaña, y como lo peor, quizá, lo precipitado que resultan los romances y ese amor incondicional que siente Gardner hacia el cazador, después del menosprecio que le ha hecho y lo capullo que es en general. Pero en fin, la pasión es lo que tiene.

Así, sin ponerle nota, acabo recomendando "Mogambo" a todos como un clásico sobresaliente y una especie de resumen de la carrera de Ava Gardner condensado en este personaje.

Si hablas de la historia del cine antes o después tienes que nombrar a Ava Gardner y si hablas de Ava Gardner tienes que hablar de "Mogambo".

Doctora

viernes, 21 de noviembre de 2014

Al otro lado




LLega mi turno en Zinéfilas y se me pasa por la cabeza echar la vista atrás,a mi blog anterior,ése que llevaba casi el mismo nombre pero con otro servidor cuyo formato ahora está completamente desfasado.
Sin embargo, allí quedan muchas películas para mí intocables,tal vez por eso decidido rescatar algunos títulos como el que encabeza esta entrada,para desempolvar películas que en su día me apasionaron y aún a día de hoy sentiría el deseo de reseñarlas.







 "Al otro lado " es una coproducción alemano-turca  del 2007 dirigida por Fatih Akin, director también de "Contra la pared",una película que si no habeis visto,también recomiendo desde aquí.



Rodada a caballo entre Alemania y Turquía, "Al otro lado" es una de esas historias de vidas cruzadas que tanto nos enganchan.Seis personajes,seis vidas a veces muy vulnerables,vagan en busca de perdón y reconciliación y ése parece ser su centro de gravedad.

Ahondaré un poco en cada historia,a fin de incentivar un debate con vosotros/as que es realmente lo que me parece más enriquecedor.
Quien no quiera detalles,que me postergue aquí, y retomamos la conversación en otro momento;)
No desvelaré finales en cualquier caso.

Primer triángulo de personajes:



 

Nejat (Baki Davrak) ,un profesor de universidad de Hamburgo de origen turco,no aprueba la relación que su padre Ali Aksu (Tuncel Kurtiz), un pensionista turco afincado también en Alemania, mantiene con la prostituta Yeter (Nursel Köse),también turca.


Ali propone a Yeter que se vaya a vivir con él y Yeter,presionada por unos integristas islámicos turcos para que deje la calle,accede a irse a vivir con Ali.
 Nejat sin embargo empieza a empatizar con Yeter,cuando descubre que envía dinero a su hija(Ayten)a la que lleva mucho tiempo sin ver y que vive en Estambul,a fin de que ésta pueda ir a la universidad.

Yeter muere inesperadamente y esta muerte separa a Nejat de su padre.Sin embargo,Nejat decide buscar a Ayten para ayudarla.....¿la encontrará?


Segundo triángulo ¿equilatero? de personajes:



 Ayten Öztürk( Nurgül Yesilçay) es una activista por los derechos humanos en Estambul.
Perseguida por la policía turca huye hasta Alemania.
Allí,casualmente conocerá a Lotte( Patrycia Ziolkowska), una joven alemana que vive con su madre
Susanne ( Hanna Schygulla).




Lotte decide ayudar a Ayten,la aloja en su casa (ante la mirada distante de su madre) y ambas joves se enamoran apasionadamente.
Ayten pide asilo político en Alemania pero se lo deniegan,pese a que tanto Lotte como Susanne le ayudan al conseguirle abogados.
Ayten regresa forzosamente a Estambul e ingresa en prisión.


Lotte contra todo pronóstico,se traslada a Turquía y hace todo lo posible por ayudarla,incluso cuando su madre,Susanne desiste en su intención de seguir apoyándola.En Estambul,por otro giro del azar, conocerá a Neyat,quien incluso le llegará a alquilar una habitación.


¿conseguirá Lotte sacar de prisión a Ayten?


Rescato un extracto casi intacto de aquella entrada que en 2008  le dediqué a "Al otro lado":


"Lo demás,son giros inesperados del destino, que juega a veces generoso a veces despiadado en este tablero de ajedrez con sus personajes tal cual fueran peones, pero en este largo recorrido donde las ciudades son dos personajes más,vivos y activos,sus emociones son las nuestras y las fronteras se diluyen. Tal cual me ocurrió con la película "Babel" una certeza asoma en este puente entre Oriente y Occidente, y es que la condición humana,su drama,su gozo y su dolor,transcienden nacionalidades y pasaportes y somos diferentes,pero también iguales.
 En este cruce de caminos, y esto es sólo una lectura personal, sólo la compasión y la ternura nos salvan de nuestro odio,nuestro rencor,nuestro miedo y las innumerables  barreras que  nuestra ignorancia y nuestro desconocimiento levantan hacia el otro,extranjero o no,aquí cada personaje arrastra culpa y busca consuelo,anhela una reconciliación consigo mismo y con alguien a quien hirió o por quien se sintió herido, y aún con resistencias y negativas,persigue el perdón.


En medio de esta via crucis personal,irrumpe el amor en todas sus formas,cercano con el desconocid@ (Nejat- Lotte),paterno(Nejat-Ali),materno ( Susanne-Lotte, Yeter-Ayden) o romántico (Ayden-Lotte) y ése,parece ser el aire que cura y rescata de la prisión que cada un@ alberga"


 Maravillosa película que os recomiendo sin ninguna duda,premiada y reconocida en su día,una joya que con motivo de esta entrada,me ha encantado resivar.



Feliz fin de semana,

Troyana

sábado, 15 de noviembre de 2014

El genio alegre, crónica triste

Rogando a ustedes disculpas por el retraso de la publicación, hoy paso a ofrecerles este humilde post que habla de un accidentado rodaje y de un desgraciado elenco artístico que sufrió penurias, algunas con desgraciado final. Se trata del rodaje, comenzado en julio de 1936 de una comedia costumbrista ambientada en Córdoba rodada por una productora valenciana llamada CIFE S.A., la potente CIFESA de los 40.

Inicio del film....el del 39

Julio de 1936, el elenco artístico y el equipo de filmación de "el genio alegre" parte de una Madrid convulsa por el asesinato del teniente de la guardia de asalto Castillo rumbo a Córdoba para iniciar el rodaje de esta comedia romántica de corte costumbrista que era una obra de teatro escrita por los prolíficos hermanos Álvarez Quintero en los prolegómenos del siglo XX.

El elenco artístico está encabezado por una afamada actriz llamada Rosita Díaz Gimeno, que había viajado con "la otra generación del 27" (Neville, Tono y Jardiel Poncela) a la Hollywood de los años 30 para rodar las versiones en castellano de las pelis yankees. Antes no se solía doblar en estudio y se hacían filmaciones con actores de varios idiomas. También viajaba el galán, Edmundo Barbero, la estrella de la canción española Anita Sevilla, Alberto Romea, Lolita Astolfi,Antonio Vico y Fernando Fernández de Córdoba, que, quizá por tener el apellido del gran capitán, se creía con derecho de comandar cruzadas.

Rosita Díaz Gimeno, la nuera de Negrín

En esto que estalla el afamado 18 de julio y el equipo artístico, perdido en Córdoba, se ve envuelto en la toma de la ciudad por parte de sectores del ejército afines al levantamiento. Edmundo Barbero, que tiempo después escribió una crónica sobre los primeros momentos de la barbarie civil, cuenta como vienen a detener a Rosita Díaz Gimeno, por ser la pareja del hijo de Juan Negrín, un afamado político de izquierda. El ser la nuera del -tiempo después- presidente de la República le crea graves problemas, como el ser detenida y luego canjeada por otros prisioneros del bando enfrentado. A Anita Sevilla, cantante más que actriz, también se la detiene por ser hermana de un banderillero metido a político. Asímismo a Edmundo Barbero y a dos maquilladores y dos operadores de cámara, se los detiene junto al actor y policía Antonio Gil Valero. Este último es fusilado y el operador Jesús Ramentol, muere, fusilado, en el campo de la bota, en noviembre de 1939. El campo de la bota, por cierto, era un campo de concentración, de los cientos que tenía el gobierno franquista, situado en Sant Adrià del Besós (Barcelona).

Edmundo Barbero, salvadoreño de adopción

Por lo visto, el delator de sus compañeros no era otro que Fernando Fernández de Córdoba, falangista antes que compañero de profesión. Delatar y significarse vestidico de azul hizo que fuera él quien radiara con voz pomposa y ceremonial el último parte de guerra de Franco.

El delator de sus compañeros

Después de sufrir en Córdoba detenciones, registros, vigilancia, una epidemia de tifus y varias penurias más, son enviados a Sevilla, y de allá consiguen llegar a Badajoz. Con dificultades se arriesgan a llegar a una Lisboa llena de colaboradores franquistas con la intanción de huir a América. Anita Sevilla, por ejemplo, logra pasar a Portugal vestida de monja y consigue que la contraten para cantar en Argentina.

Anita Sevilla huyó vestida de monja

Barbero logra colarse en la embajada de Chile, donde pasa toda la guerra, hasta poder exiliarse. Vivirá el resto de su vida en El Salvador, donde logra hacerse un gran director de teatro, a la vez que formaba su familia, que también se dedicaba a la profesión. Casi todo el resto de los artistas huidos recaló en México. Así Rosita Díaz Gimeno rodó en 1946 bajo la dirección de "el indio" Fernández Pepita Jiménez, con la hija de Anita Sevilla, huida con su madre. La malograda Anita Sevilla, falleció en Nueva York en 1942. 

El equipo artístico que comenzó a rodar aquél julio de 1936 quedó bien mermado. No obstante, la película terminó estrenándose en 1939 bajo dirección de Fernando Delgado, igual que la primera vez, con otros nombres en su reparto. Curiosamente, suele aparecer el nombre de Rosita Díaz Gimeno en las bases de datos tipo IMdB, aunque su nombre fuera borrado y "olvidado" por la nueva España que empezaba a amanecer con actores delatores como Fernando Fernández de Córdoba.

viernes, 7 de noviembre de 2014

El último adiós de Bette Davis

Este año se cumple el 25 aniversario de la entrega del Premio Donostia a Bette Davis, fallecida días después de recoger el premio en San Sebastián. Por este motivo, y en su recuerdo, se ha hecho el documental al que hoy me refiero.


El último adiós de Bette Davis
Año 2014
Duración 76 minutos
País España
Director Pedro González Bermúdez
Guión Pedro González Bermúdez
Música Guillermo Farré
Fotografía Raúl Cadenas
Productora TCM Original

Sinopsis
Un documental que reconstruye la visita que la legendaria actriz Bette Davis realizó al Festival de San Sebastián, para recibir el Premio Donostia a toda su carrera, en 1989, hace 25 años. Durante seis días en su habitación, planificó con detalle sus apariciones públicas. Pocos días después de lo que fue la última actuación de una de las grandes estrellas del Hollywood clásico, Bette Davis murió en París. Rodeada de momentos inolvidables, la visita no tardó en convertirse en una de las grandes leyendas de la historia del Festival.



Considerada una de las mejores actrices de su generación, Bette Davis llegó a San Sebastián en septiembre de 1989 para recibir el Premio Donostia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Se convertía así en la primera mujer que recibía este galardón. La actriz de 81 años, ya muy enferma, no quiso dejar pasar la oportunidad de recibir uno más de los múltiples premios que su extraordinaria carrera le había proporcionado quizás a sabiendas de que sería el último reconocimiento al que podría asistir.  

En este documental dirigido por Pedro González Bermúdez, nos muestran, mediante los testimonios de aquellos que estuvieron con la loba en aquellos pocos días qué hizo la actriz durante su estancia, cómo se comportó con el público y la prensa o cómo se realizaron los preparativos de su visita y estancia en el Festival. 

A pesar de ser incondicional de la Davis, tengo que decir que este documental no es para todo tipo de público sino para los fans de la actriz. Personalmente y con un poco de tristeza, he visto el documental con muchas ganas, sabiendo que me iba a gustar conocer  más sobre Bette, una Bette físicamente apagada pero con la misma fuerza interior que nos conquistó en sus mejores películas.

Queda claro que a pesar de aquel cuerpo menudo, excesivamente delgado, de inestable movimiento y en parte paralizado seguía siendo carácter, temperamento y personalidad y que su genio, su mala leche, su sentido del humor y su sarcasmo seguían intactos. Seguía siendo Bette Davis. Le gustaba el reconocimiento y rodeada del humo de su cigarrillo atravesó medio mundo para recibirlo por última vez sin dejar ver que ya no tenía fuerzas. 

No sólo son testimonios lo que podemos ver y oír sino imágenes de la actriz a su llegada al Hotel María Cristina, parte de la rueda de prensa y de las sesiones fotográficas o el momento en que le entregaron el Premio Donostia en el Teatro Victoria Eugenia. No se trata de una biografía ni de un repaso a su filmografía, pero es imposible que no nos vengan a la mente la Margo Channing de Eva al desnudo (1950), la Julie Marston de Jezabel (1938), la Regina Giddens de La loba (1941) o la Baby Jane Hudson de ¿Qué fue de Baby Jane? (1961).

Al término del Festival, Bette Davis permaneció en el hotel unos días más, pero su estado de salud empeoró y se decidió su traslado inmediato al Hospital Americano de París donde la Gran Dama del Cine, querida, temida y odiada a partes iguales, falleció el 6 de octubre de 1989.


Este es el trailer del documental:


No voy a recomendar ver este documental pero sí que quiero decir que aquellos que desconozcan la carrera de Bette Davis se animen a ver alguna de sus mejores películas y salvando ya el paso del tiempo y de los cambios que ha sufrido el Cine, comprueben por sí mismos la gran actriz que fue. Un rostro que, gracias unos ojos de mirada penetrante y expresiva, era capaz de transmitir y hacer sentir al espectador lo que se propusiera.