20.000 especies de abejas

Se está celebrando en Donostia la 20.ª edición del Festival de Cine y Derechos Humanos. Hace años que asistimos a la inauguración con unos amigos y hemos visto verdaderas joyas y algún que otro ladrillo. Antes de empezar se dio el premio que el festival otorga a personalidades del cine implicadas en los derechos humanos. Recayó en Carmen Castillo, una directora chilena con una historia personal terrible y una obra muy vinculada a la lucha contra la injusticia. No he visto nada de esta directora, pero me gustaría después de ver el video que proyectaron sobre ella. Acerca de la transexualidad en niños vimos un corto precioso hace unos años, La pureza y este año, con todo el revuelo mediático que este asunto genera, 20000 especies de abejas ha sido la elegida para abrir el festival. Es la ópera prima de Estíbaliz Urrusola, que decidió abordar este tema tras el suicidio de Ekai, un joven transexual de Ondarroa de solo dieciséis años. Ha tardado cinco años en desarrollar el proyecto, ha entrevistado a muchas familias de Naizen, la asociación de familias de menores transexuales y ha creado una película preciosa sobre una realidad muy compleja. La película está rodada en francés, euskera y castellano, lo que resulta natural porque muestra a una familia que vive en Bayona, pero proviene de un pueblo de Bizkaia. Son un matrimonio con tres hijos que están pasando una crisis de pareja. La madre decide irse de vacaciones con los niños al pueblo de su madre. El hijo pequeño, Aitor, no se siente a gusto con su sexo y durante esas vacaciones el asunto se va a hacer más evidente. Hay que decir que uno de los grandes aciertos de esta película son las actrices. Es una historia de mujeres, hombres aparecen pocos y de refilón. Ane, la madre de Aitor, es Patricia López Arnaiz y está tan estupenda como siempre; la abuela, Lita, es Itziar Lazkano que está muy bien en un papel que no resulta simpático; Ane Gabarain es Lourdes, la hermana de la abuela que es apicultora y tiene un papel maravilloso como la persona que mejor sabe acercarse a Aitor. Y qué decir de Sofía Otero, la niña que da vida a Aitor/Lucía, es un prodigio de expresividad en un papel que no es sencillo y que ofrece una gama muy amplia de emociones. Por lo visto hicieron un casting de más de 500 niñas, pero según la directora, enseguida destacó sobre las demás. No me sorprende que ganara el premio a mejor actriz en el festival de Berlín. Lo mejor de esta historia es que está contada sin alharacas, mostrando un conflicto desde el ámbito de lo personal y lo familiar, sin necesidad de hacer proclamas o discursos políticos. Yo me sentía muy identificada con la madre, cuando intenta hacer frente al deseo de su hijo por ser niña con el discurso “no hay cosas de niños y de niñas”, pero el deseo de Aitor por ser Lucía va más allá de llevar el pelo largo o pintarse las uñas. He de reconocer que a mí me parece un tema muy confuso, con muchas aristas y que me genera dudas si las diferencias de género no llevan a los menores a desear cambiar de sexo, si en un mundo con más igualdad seguirían existiendo niños no conformes con su sexo. Pero, en cualquier caso, estamos donde estamos y lo que es inaceptable es que los menores sufran y tengan que aceptar ser quienes no sienten que son. Hay algunos aspectos de la película que no me han gustado tanto. Trata de mostrar varios conflictos: el de Ana con su madre y el recuerdo de su padre escultor, vocación que ella también tiene; su crisis matrimonial y profesional y las consecuencias de enfrentarse a la opinión de los demás. Eso hace que haya momentos en los que la película pierde fuerza y ritmo, se hace un poco lenta, cosa que no sucede cuando la historia se centra en el tema de la transexualidad. Pero en conjunto es una película estupenda y muy necesaria. Creo que resulta muy educativa. Deberían proyectarla en los colegios e institutos y, por supuesto, deberíamos verla todos los adultos que somos los más difíciles de educar.

Siete días de enero, una peli de la transición.

 Desde que hay redes sociales la gente hace ránkings: Las mejores ciudades que visitar, los platos más populares, las pelis más famosas sobre un tema....Pero no siempre se acierta. A veces, incluso, se omite, más por desconocimiento que por otra cosa, citar elementos de esos rankings que deberían ser fundamentales. Estaréis preguntándoos de qué os hablo. Allá voy: Hace unas semanas, un medio de comunicación on line hizo un ránking titulado "10 películas para conocer a transición". No sé si el ranking lo ha hecho el biznieto de Antonio Alcántara, el del "cuéntame", lo digo por lo desinformada que es su lista de pelis, porque la verdad es que yo habría metido unas cuantas( El puente, la fuga de Segovia, el caso Almería...), pero sobre todo porque eché a faltar una fundamental: "siete días de enero" de Juan Antonio Bardem.

El "España se rompe".

En este momento de nuestras vidas en el que hay tanto revisionismo y tanto interés por colarnos fakes news (AKA trolas en los medios) con el fin de hacer germinar ese mismo revisionismo para cultivar el voto verde que pretende crecer cara al sol, quizá fuera bueno que alguien se acordara de emitir esta peli sobre la transición y cómo jodía a quienes se creían (Y se creen) dueños del cortijo ver perder su poder amasado  a base de rellenar cunetas para que lo acabaran detentando aquellos a los que reprimían con saña y despreciaban con odio furibundo.

Asalto al despacho de abogados de Atocha

Esta recomendable cinta parte del lamentable hecho real que fue el asesinato de los abogados laboralistas de la calle Atocha a manos de unos pistoleros de extrema derecha. Bardem escenifica una narración ficticia alrededor de unos hechos reales. Hasta es real uno de los personajes: El abogado Joaquín Navarro, que sale interpretándose a sí mismo. Aquél enero de 1977, apenas catorce meses después de la muerte del dictador, bajo un gobierno preconstitucional de Suárez en una época convulsa llena de huelgas y algaradas callejeras, algunos ultraderechistas se resisten a ver perder el poder que tenían.

Las modas vuelven, por desgracia.

La peli se centra en la historia personal (Ficción, claro) de un niño pijo de familia fascista, de esos que se disfrazan de azul con gomina en el pelo y gafas Rayban para sus algaradas. Y de cómo se les insta a actuar por "patrioterismo". Lo malo que la tal actuación es el asesinato a tiros de unos abogados de ideas intolerables (para ellos) y de cómo, oh vaya, por dios, luego de esa "hazaña", ningún superior quiere tomar la responsabilidad que les toca.

El abogado Joaquín Navarro actor en la peli de su propio personaje real.

La peli que se rodó muy poco tiempo después, ya que se estrenó en 1979, sufrió, como no puede ser de otra manera, las amenazas de esos mismos grupos a los que retrata empuñando armas de fuego. Mezcla con naturalidad la historia dramática de sus personajes con imágenes tomadas de la realidad como las carreras delante de los grises o las escenas finales donde se muestra la ingente congregación de ciudadanía al paso de la comitiva fúnebre de los abogados de Atocha. 

Imágenes reales de los funerales de los abogados.

"Siete días de enero" no sólo no debería quedar olvidada de esos rankings de pelis que explican la transición, a no ser que se sea fan de los documentales escorados a la derecha de Victoria Prego, sino que deberían volver a exhibirse en cine o cualquier plataforma para que la gente deje de creerse las trolas de los hijos y nietos de esos pistoleros retratados en la cinta. 

Juli Gan

Animales nocturnos

Pocas veces me atrae la sinopsis promocional de una peli y, cuando lo hace, casi siempre es para decepcionarme después. Pero esta vez no sucedió así, sino todo lo contrario: Animales nocturnos (Nocturnal Animals, 2016)  superó con creces mis expectativas.

Bueno, debo confesar que no solo me atrajo la sinopsis, sino también la presencia de ese animal no sé si nocturno, pero sí cinematográfico que es Amy Adams, la de otro actor al que aprecio, que es Jake Gyllenhaal (indudable galardón al apellido de ortografía más enrevesada),  y la de Tom Ford como director, tras el buen sabor de boca que me dejó Un hombre soltero (A single man, 2009).

El planteamiento inicial de Animales nocturnos decía algo así como esto que copio y adapto de filmaffinity.com: Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida llena de lujos con su segundo marido. Un día Susan recibe una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), del que lleva años sin tener noticias.

Así pues, la peli se desarrolla en tres planos narrativos que se intercalan e interactúan. Primero tenemos el plano que llamaré actual-real. Aquí se nos cuenta cómo es la vida de Susan, la protagonista. Vive en una espectacular mansión en las exclusivísimas colinas de Los Ángeles, regenta una galería de arte sofisticadísima y está casada en segundas nupcias con un triunfador apuesto y adinerado. Esta imagen de éxito y lujo contrasta con el desde siempre atormentado espíritu de Susan, más atormentado aun ante la cada vez mayor evidencia de que su segundo matrimonio también se va al garete.

Estando así las cosas, Susan recibe por correo un manuscrito: es una novela, titulada Animales nocturnos, dedicada a ella, y escrita por su exmarido. El segundo plano narrativo de la película es esta ficción novelesca, que también contrasta con la supuestamente sosegada existencia de Susan y la lleva de sobresalto en sobresalto, pues la novela pinta un escenario inquietante, terrorífico incluso; es uno de esos relatos que te hace taparte los ojos o cerrar el libro bruscamente.

El libro le trae a Susan inevitablemente recuerdos de su primer matrimonio, sobre todo de la ruptura, que no fue bonita. Este plano narrativo es el tercero de la película, un plano pretérito-real que responde a las muchas preguntas que nos plantean tanto la vida presente de Susan como la ficción creada por su exmarido.

Es evidente que la intercalación de estos tres planos es uno de los puntos fuertes del film. Otro punto fortísimo es la sublime interpretación de Amy Adams. A mí por lo general me cansan mucho los primeros planos, pero los de Amy Adams en esta peli no. Hacen que queramos entrar en su mente y saber si de verdad está pensando lo que creemos que está pensando. Voy a espoilear un poco para deciros que sí, que en realidad está pensando lo que creemos que está pensando. Y es terrible.

Animales nocturnos fue producida por George Clooney y Grant Heslov, socios de Smoke House Pictures, y está basada en la novela de Austin Wright Tony and Susan (1993), traducida al español con el título Tres noches. Austin Wright fue un novelista neoyorquino, fallecido en 2003, antes de ni siquiera soñar con ver una de sus obras en la gran pantalla. Aunque escribió unas cuantas novelas más, Tony and Susan es la única que podemos leer en castellano y en catalán (Tres nits).

Tom Ford, que, además del director de Animales nocturnos, es también su guionista, se encargó de adaptar el texto literario. No he leído Tres noches, pero le tengo ganas.

Como veis, ya nos han salido tres títulos para distintas versiones o adaptaciones de una misma obra: el de la novela original (Tony and Susan), el de la traducción al castellano (Tres noches) y el de la película (Animales nocturnos). Pues bien, a mí se me ocurre un cuarto: Animales heridos. ¿Y por qué? Porque creo que la historia que nos cuenta puede resumirse así: qué es capaz de hacer un animal manso y tranquilo cuando le causan un dolor inmenso.

Pues nada, os dejo con esa intriga y, para terminar, os cuento que otros puntos fuertes de esta película son la ambientación y la atmósfera desasosegantes y un final magistral. Es dificilísimo rematar bien los relatos; tristemente no es frecuente que el final esté a la altura del resto de lo narrado. Animales nocturnos lo consigue. Tiene un final nada espectacular, nada explosivo, pero sí narrativamente acertado, amargo y coherente con toda la dureza del film.

Disfrutadla, si podéis.

Noemí Pastor

Causa propia

CAUSA PROPIA “La vida es lo que cada uno hace con lo que puede” Hoy traigo una serie policiaca portuguesa, dirigida por Joáo Nuno Pinto, que encaja en mi subgénero favorito: el judicial. Y si la protagoniza una mujer, mejor todavía. ¿Quién no recuerda la maravillosa Hierro, con Candela Peña? En este caso también trata de una jueza de una pequeña localidad donde se descubre en un parque el cadáver de un muchacho, André, alumno del instituto. El crimen provoca la consiguiente alarma social, repulsa y revuelo mediático, pero además el proceso se complica al ser el hijo de la jueza compañero del chico asesinado. La protagonista, la jueza Ana Martins, interpretada por Margarida Vila-Nova, es fascinante. La serie muestra su faceta como jurista, algo idealista pero práctica y con una conciencia implacable. Además del proceso principal, se intercalan fragmentos de otros juicios que dan una visión más completa de su quehacer cotidiano y permiten reconocerla como una de esas personas en las que el sentido del deber prima sobre cualquier otra consideración, que se esfuerza por llegar a la verdad y por cumplir su función con independencia y objetividad: “Me gusta pensar que soy alguien que siempre intentó hacer lo correcto o lo menos equivocado”. También la vemos en su faceta de madre, tan relevante o más que la anterior. Se trata de una madre divorciada, que además de llevar el peso de la crianza de sus hijos tiene que soportar lecciones y reproches de un ex que ni sabe ser padre ni pierde su valioso tiempo en intentarlo, pero esto no la distrae de su propio camino: ella hace todo lo que puede lo mejor que puede, sin distraerse en medir culpas o responsabilidades, ni en reivindicar si su situación es justa o injusta, aunque lo piense en algunos momentos, –sí, consigue transmitir lo que piensa–. Y, por último, y un poco residual porque le queda poco tiempo, también la vemos en su faceta como mujer a secas. El resto del reparto está a la altura: el exmarido insufrible, Vítor, es Ivo Canelas, un fiscal preocupado en exclusiva por su imagen de cara a una futura carrera política; los hijos David y Clara, interpretados por Alfonso Laginha y Silvia Chiloa, como buenos adolescentes tienen secretos y son exigentes con su madre, aunque también están unidos a ella y le demuestran cariño; el policía investigador Mario es Nuno Lopes, un policía sexi y sensible a la vez, (que, en mi opinión, pierde muchos puntos por desahogar sus penas en el Club Morita); y también resultan muy convincentes las abogadas Elisa y Joana, representadas por María Rueff y Ana Valentim, así como el resto de actores y actrices de dan vida al fiscal, los otros jueces y abogados, los chicos del instituto, etc,... Me han gustado especialmente las interpretaciones de la policía investigadora María, Catarina Wallenstein, capaz de intimidar solo con la mirada, y de la novia de David, Inés, la joven Margarida Caldeira, que borda el papel de tímida, dulce e inteligente. Como adorno, también es un acierto la elección de los títulos de los capítulos, que son aforismos jurídicos clásicos, que con su solemnidad son muy representativos del impacto que el contacto con la justicia provoca en las vidas de los ciudadanos: “Hágase la justicia aunque el mundo perezca”. Almudena Fernández Ostolaza.

MUJERES DE CINE VI

 Dada la cercanía del 8 de Marzo y que esta vez por motivos de trabajo, no pude ir a la manifestación en el día de la Mujer, dedicar una entrada a mujeres de cine se me ocurre una buena manera de desquitarme y homenajear por diferentes razones a tantas "fenómenas " que son referentes por uno u otro motivo para muchas de nosotras.

Visto que esto es casi un ritual, os enlazo listas anteriores dedicadas a mujeres fuertes, a veces frágiles pero resilientes, rompedoras, significativas todas. El último listado es de 2021 y podéis encontrarlo aquí: Mujeres resilientes y de ahí navegar hacia otros listados anteriores.

En el listado de hoy con ocho menciones, mezclaré mujeres de series con películas, productos "menores"  con otros muy premiados, quien busque sólo productos laureados, aquí no es , quien se anime a apuntar más ejemplos de mujeres en el cine, aquí sí es  y compartir es vivir :

1) Olga de "As Bestas"de Rodrigo Sorogoyen ( 2022)

Un drama rural excepcional en el que la presencia femenina es secundaria y sin embargo, qué papelón el de esta Marina Foïs en el personaje de Olga, qué templanza y contención en un thriller repleto de tensión psicológica de principio a fin.

2) Anna Castillo es Nati en la miniserie "Fácil" de Anna R. Costa ( 2022)

Las cuatro protagonistas de esta mini serie que se acerca a la realidad de cuatro mujeres con diversidad funcional que comparten una vivienda tutelada en la Barceloneta, son humanas, imperfectas como todos nosotros y  divertidas. Más allá del rigor en lo terapéutico, dejarse llevar por las vicisitudes de las protagonistas te garantiza un buen rato, sin expectativas intelectuales altas, disfrutar sin más,  que visto lo visto, no es poco.

El personaje de Nati en concreto me encanta porque es política, intensa ,crítica, extrema, sin filtros y Anna Castillo lo borda.

3) Belén Cuesta es Barbara Rey en la mini serie "Cristo y Rey " ( Daniel Écija, 2023)

María , personaje que interpreta Barbara Rey es una superviviente. La serie no sabemos hasta qué punto es ficticia o basada rigurosamente en hechos reales, pero lo que aquí interesa resaltar es cómo una mujer supo salir de varios infiernos con la fuerza de un ave fénix sin dejarse vencer por mal llamados amores que pasaron por su vida.

¿Quién la quiso como realmente merecía? 

4) Laia Costa y Susi Sánchez en "Cinco lobitos" (2022 Alauda Ruiz de Azúa)

Madre e hija en la ficción, "cinco lobitos" nos muestra la cara no idílica de la maternidad y la doble condición de ser madre primeriza sin dejar de ser nunca hija.

5)Marisol en  "El Peor vecino del mundo " (Marc Foster 2022)

Esta película que parece menor y me ha recordado a "Gran Torino" nos deja el reflejo de las dos Américas representadas por Trump y sus adversarios políticos. Tom Hanks es Otto el vecino mayor y cascarrabias que le gustaría que nada hubiera cambiado ni en su vida ni en la sociedad en general ,aferrado a los valores más clásicos y tradicionales se topa con sus vecinos  y en concreto con Marisol ( Mariana Treviño) una mujer mexicana afincada con su marido y sus tres hijos en la misma zona residencial que Otto que pondrá a prueba su rigidez y su intransigencia a base de presencia ,constancia y cariño.

Me ha encantado todo, las interpretaciones, la visión solapada de las dos américas eternamente enfrentadas y aquí finalmente reconciliadas y la maravillosa Mariana Treviño que funde hasta el acero con esa naturalidad y afecto que desprende su personaje, Marisol.

6) Seidi Haarla en "Compartimento nº 6" ( Juho Kuosmanen , 2021)

En esta película finlandesa, nuestra protagonista tendrá que tomar un tren hasta Moscú para visitar un yacimiento arqueológico. La casualidad hace que tenga que compartir vagón con un tosco operario ruso con el que en principio no tiene nada en común.

Almas perdidas que conectan y una mujer aventurera que se atreve a salir de su zona de confort para explorar otros universos, humanos, culturales, paisajísticos....un relato pequeño y asombroso en el que nada es previsible.

7) Harlem ( Tracy Oliver, 2021)

Esta serie de dos temporadas sobre cuatro mujeres afroamericanas en Harlem, Nueva York, puede ser una gozada para ti sobre todo si en su día disfrutaste de "Sexo en Nueva York" o " Girls".

Aquí estas cuatro amigas son mujeres empoderadas en la treintena que se enfrentan a los dilemas propios de su generación en la sociedad actual tan compleja como neurótica.

 Camille es profesora de antropología en la Universidad de Columbia. Es una mujer muy capaz a nivel profesional pero a nivel personal y con las relaciones , a veces se siente desbordada por sus propias emociones ,dudas y temores.

Quinn es diseñadora de moda y está intentando dirigir su propio negocio, a nivel personal, es romántica y monógama pero se atreve a explorar nuevos mundos guiada por sus propios sentimientos.  Su compañera de piso es Angie, una actriz y cantante que se quiere mucho a sí misma y está segura de quién es y lo que quiere de la vida aunque a nivel profesional, tiene muchos altibajos e incertidumbre, ella cree en sus sueños y persevera.

Tye, una empresaria experta en tecnología que creó una app de citas para lesbianas. Tye  tiene miedo al compromiso, e intenta encontrar el equilibrio entre su deseo de encontrar una pareja estable y el temor a comprometerse.

Su amistad y su historia reivindica lo que es ser una mujer resiliente, independiente y capaz.

8) y cierro la lista con las protagonistas de "Las de la última fila" (Javier Sánchez Arévalo, 2022 ) serie que ha gustado tanto como ha disgustado a partes iguales pero a mí personalmente me ha chiflado por ser un compendio de valores en los que a pesar de todo sigo creyendo : sororidad y empoderamiento femenino a partes iguales.

La reseñé aquí no hace tanto y os dejé constancia  en mi opinión de sus virtudes por encima de sus reconocibles debilidades.

Me recordó a "Sólo ellas, los chicos a un lado" ( Herbert Ross, 1995 )otra road movie feminista y   LGTBI de tres mujeres que inician un viaje el cual sin ellas imaginarlo, marcará un antes y un después en sus vidas para siempre.

Y hasta aquí este ramillete de mujeres referentes en la pequeña y la gran pantalla.

He puesto el acento en hacer una lista lo más actual posible pero si os apetece añadir pelis o series a la lista ,sería un placer recibir vuestras aportaciones.

Feliz fin de semana

Troyana

Tropic Thunder: una guerra muy perra

Hoy quiero recuperar y reivindicar una de las últimas comedias gamberras que nos hizo el Hollywood de los últimos años, y que no se ajustaba a ningún "algoritmo", como yo suelo decir. Porque últimamente nos vemos llenos de productos que van de "rompedores" y "desvergonzados", pero que parece que son siempre los mismo chistes de mal gusto, gestionados con una historia que hemos visto cientos de veces....y "Tropic Thunder" (subtitulada en España, "Una Guerra muy Perra"), es difícil de meter en un tipo de comedia determinada, salvo que hablemos de una "brutal" y "desvergonzada" que sucede en la guerra, mientras hace lecturas del propio mundo de Hollywood, con más gracia que otras sátiras de la meca del cine (Babylon, te miro a tí).

Actualmente, este film lleno de "irreverencia" que ya resultaba alborotador en su estreno de 2008, podría ser incluso más "perturbador" para aquellos que siente que la ofensa les puede hacer daño, pero aquí vamos a concentrarnos no en las cuitas de la "corrección", si no en la sátira y descortesía de un film firmado y protagonizado por Ben Stiller.

Derek Zoolander junto a Bowie y su competencia

Sí, ya sé que hay gente a la que al bueno de Ben le puede resultar demasiado "chusco", y esta película no es una excepción, aunque vaya también firmada por el director Etan Cohen o el actor Justin Theroux, e incluso podríamos decir que no sabemos muy bien, quién de los tres es el mayor responsable de este ejercicio travieso. En cualquier caso, el film bélico-satírico es una burla al mundo del cine de manera similar o incluso más exagerada, que la divertida Zoolander era del mundo de la moda.

Tropic Thunder comienza contándonos el desastre que está siendo una adaptación en la selva asiática de una historia "real" de la época del Vietnam, donde su verdadero protagonista (encarnado por Nick Nolte) es asesor. Tras un accidente con los explosivos que destruye el presupuesto, el director (Steeve Coogan), se deja seducir por el "cuentista" de Nolte y un técnico de efectos (Danny McBride), que cree que la culpa de todo es de los actores y necesitan una lección. Será ahí, cuando todos acaben en la selva, y la realidad supere a la ficción, siendo la historia de la película real un reflejo de lo que también habla la película original y ficticia.

¡Esto es la guerra!

Y los actores son desde luego, culpables de la situación del rodaje, y un ejemplo de lo que se mueve en Hollyowood. Tenemos cinco "actores" que son personajes bien definidos e interpretados con gracia y talento por sus "actores reales":

- Ben Stiller es Tugg Speedman, una antigua estrella de acción en un delicado momento personal y profesional, pues se siente solo y sus películas ya no recaudan como antaño, e incluso intenta reconducir su carrera con este papel bélico o el protagonismo de "Simple Jack", donde da vida a alguien con inteligencia "menor" como tantos otros actores que quieren hacerse respetar y ganar premios.

- Jack Black es Jeff Portnoy, un cómico drogadicto a la deriva con un sentido del humor basto y escatológico (similar al Profesor Chiflado de Eddie Murphy).

- Robert Downey Jr. es Kirk Lazarus, un intenso actor australino del "método", que llega a decirnos que cuando se mete en un papel, no sale hasta "los comentarios del DVD". Empieza con controversia pues interpreta a un personaje afroamericano, por lo cual se somte a una "alteración de la pigmentación".

- Jay Baruchel es Kevin Sandusky, un actor novato y aun no "ensuciado" por Hollywood, que incluso se ha leído el libro y el guión e interpreta la inocencia en el film.

- Brandon T. Jackson es Alpa Chino, un rapero "muy macho", que está intentando entrar en el mundo de la actuación, mientras promociona anuncios.

Una patrulla de combate

Meter a este grupo en una selva, pensando que están rodando una película, y en realidad, se van a ver envueltos en una guerra real, es realmente divertido y más se si se comparan con los "personajes" del film que interpretan y cómo evolucionan sus personajes, porque todos ellos van a ir creciendo a lo largo de la película de una manera u otra, a través de una trama rocambolesca que nos contará además las miserias de las producciones cinematógraficas.

Y hablando de estas producciones de cine, también hay que hablar de los personajes de Matthew McConaugh (que reemplazó a Owen Wilson debido a los problemas personales de éste) y de Tom Cruise, en uno de sus pocos papeles cómicos. McConaugh es el representante de Stiller, que hace lo que sea por su cliente y es de las pocas personas que parece apreciales. En cambio, Tom Cruise como Les Grossman no tiene cariño por nadie, e irreconocible en este papel, nos regala una visión del Hollywood más caníbal, rastrero y terrible que puedas ver, donde sólo cuenta el dinero, la taquilla y poco más.

El peor "lado" de Hollywood

El film está lleno de guiños, de mala "idea", de todo lo bajo en lo que pueda caer la gente, pero a la vez, no puedes evitar apoyar a ese "atajo de perdedores egoístas" para que sobrevivan, en una situación delirante, mientras se supone que están haciendo una película. Tiene dos partes muy diferenciadas, que son las del mundo de Hollywood, totalmente enloquecido y sin mojigatería, muy de principios de la década del 2000, donde las estrellas brillaban o se apagaban por su popularidad (sin redes sociales) o su "arte", mientras eran perseguidos por paparazzis, y sus vidas se veían en los programas de entretenimiento, con sus clichés y una visión "malvada" del sueño americano. Luego está la parte de la "selva" y la "guerra", donde el glamour es reemplazad por la brutalidad y violencia, pero a la vez no puedes parar de reir.

Stiller no sólo protagoniza y firma el guión, si no que también dirige y lo hace de una forma vertiginosa y dinámica, con guiños a clásicos bélicos, con gracia delante y detrás de las cámaras. Y la película comienza con una serie de falsos trailers y anuncios, que nos contarán como son los protagonistas y el tono de lo que nos vamos a encontrar a partir de ese momento.

De nuevo, sólo quiero volver a reivindicar, mientras no nos la censuren, esta divertídisima obra que va contra sus propios protagonistas, una mayoría egoísta o inútil, pero a los que debes acabar apoyando porque están llenos de humanidad, pese a todos sus "pecados". Realmente divertida y para echar unas risas hasta que se te salten las lágrimas, que es lo que a veces necesitamos.

Carmen R

Los Fabelman

Soy bastante fan de Spielberg. No he visto todas sus películas, pero la mayoría. Me encantan sus pelis de aventuras: la saga de Indiana Jones, la primera de Parque

Jurásico, E.T o de intriga como El Diablo sobre ruedas, pero también me gustan las “serias”, como La lista de Schindler, El puente de los espías o Los archivos del Péntagono. ¡Si hasta le salen bien los musicales! Yo disfruté mucho con West Side Story. Si a esto añadimos las buenas críticas que ha recibido Los Fabelman, comprenderéis que no podía dejarla pasar. Antes de empezar la película, aparece el director contando que es su obra más personal y que agradece al público que vaya a verla. Efectivamente, aunque en todas sus películas hay una huella personal, esta es la más autobiográfica y nos muestra la infancia y adolescencia de un alter ego de Spielberg y sus inicios en el cine. Partimos de la primera experiencia del protagonista, cuando sus padres le llevan a ver El mayor espectáculo del mundo, que le impresiona mucho y le lleva a querer plasmar algo parecido con sus juguetes. Más tarde vemos sus primeras experiencias con una cámara de superocho. La película termina con sus comienzos profesionales y la ocasión en que conoce a John Ford (magníficamente interpretado por David Lynch). La historia se desarrolla a finales de los 50 y durante los 60. Los Fabelman son una familia judía compuesta por el padre, un ingeniero que comienza a trabajar en informática; la madre, concertista de piano que dejó su carrera para cuidar de su familia; Sammy, el joven que representa a Spielberg, y sus tres hermanas. Por trabajo del padre se mudan a Arizona, donde el chico sufre bullying en el instituto. Os aseguro que, cuando veo historias de high school americano, doy gracias a Dios de no haber asistido a ninguno. Qué estrés lo del prom y que alguien tenga que regalarte una pulsera de floripondios. Los padres del protagonista aparecen como figuras opuestas: la madre con una vena artística muy acentuada y muy poco equilibrio emocional y el padre racional, inteligente y que no toma en serio la creciente afición de su hijo por el cine. Sammy va explorando todo el proceso de rodar y montar películas, implicando a su familia y amigos en historias cada vez más complicadas. También filma escenas familiares, que le conducirán a un doloroso descubrimiento.

Da la sensación de que Spielberg nos quiere contar su forma de ver el mundo, de alguna manera se oculta tras la cámara, la vida le parece más manejable en imágenes, tiene incluso el poder de alterar la realidad, diseñarla a su gusto (como en la película de fin de curso), de provocar emociones u ocultar realidades. También aparece el deseo de justificar que la pasión que siente por la creación artística está por encima de todo, incluso por delante del amor a los demás. Parece algo inevitable, un rasgo presente en su madre y en él, aunque el chico la a ella acuse de egoísta. Es una buena película, con momentos divertidos y otros dramáticos que sabe mostrar lo que es tener una pasión, un sueño y la determinación necesaria para conseguirlo. Creo que es posible que haya que ser un poco egoísta para lograrlo. Los actores están muy bien, especialmente Michelle Williams en el papel de la madre. Es probable que ese personaje haya sido el que más le ha importado dibujar bien al director, imagino que ha sido su relación más complicada. Según dijo el propio Spielberg, hubo momentos muy difíciles para él en el rodaje. Por lo visto le impactó ver a los actores que hacen de padre y madre vestidos con ropas idénticas a las que llevaban sus verdaderos padres. Supongo que las historias autobiográficas remueven muchas cosas. Con todo, tampoco me parece de las mejores películas del director. Es agradable, es interesante, está bien contada, pero no es La lista de Schindler.