Hamnet

Quiero comenzar recomendando a los que no hayáis leído la novela de Maggie O´Farrell que la leáis sin falta. Una singular historia de amor entre William Shakespeare y su esposa, Anne o Agnes Hathaway, en la que, sorpresa, la protagonista es ella. El libro otorga voz y una atractiva personalidad a una mujer fuerte y original, completamente ignorada por la historia, que quizá fuera decisiva en la carrera del dramaturgo. Amor y duelo. Rebeldía y genio creativo. Si le añadimos la maestría indiscutible de O´Farrell y el trenzado con el drama «Hamlet», resulta una de las grandes novelas del siglo. Atrapa de tal manera que importa muy poco cuánto hay de rigor histórico y cuánto ha sido inventado por la novelista. Probablemente casi todo, da igual. El respeto por la novela de la directora del film, Chloé Zhao, fue tan extremo que se negó a dirigir la adaptación si Maggie O´Farrell no escribía con ella el guion y, por suerte, lo hizo.

La película también me ha impactado. Con unas herramientas completamente diferentes consigue transmitir sensaciones muy parecidas. El lenguaje rico y adornado de Maggie O,Farrel, que en la novela evoca un exquisito bordado con delicados hilos y los colores más sutiles, se transforma en imágenes igualmente sensoriales en las que la palabra, sin embargo, tiene poca relevancia. Chloé Zhao apuesta por un sonido evocador e inmersivo a base de trinar de pájaros, zumbar de insectos —la naturaleza es un elemento esencial en la historia—, risas, jadeos, respiraciones y una excelente banda sonora de Max Richter, al que pidió que incluyera un tema que ya había aparecido en «La llegada» y en «Shutter Island», a la directora le daba igual que no fuera original porque era magistral. El segundo elemento mágico es la fotografía, tanto en el tratamiento de los paisajes y verdes de la naturaleza —salvaje pero bienhechora, omnipresente en la cinta—, como en el simbolismo del color en las ropas de los protagonistas: para ella rojo o negro, dependiendo de su momento vital; un elegantísimo azul grisáceo para él, que también se torna en gris oscuro cuando se requiere. Me ha recordado a la impactante fotografía de la película «Emily», sobre la escritora Emily Brontë. El tercer acierto es la elección de la pareja protagonista: Jessie Buckley y Paul Mescal encarnan a Agnes y William no solo con carisma y verosimilitud, consiguen transmitir también el silencio, lo que no se explica, la parte oscura. Es así mismo remarcable la actuación de Emily Watson como madre del escritor y de las jóvenes actrices Bodhi Rae Breathnach, como Susanna, y Olivia Lynes como Judith, las dos hijas de la pareja. Y merecen una mención especial los hermanos Jupe: Noah encarna a Hamlet y el pequeño Jacobi, a un inolvidable Hamnet. La representación teatral dentro de la película transporta a las maravillosas adaptaciones de Kenneth Branagh. ¡Cuánto Shakespeare nos enseñó ese hombre! Tengo que confesar que lloré un montón en el cine porque trata el duelo sin anestesia. Muestra cómo la muerte nos arranca no solo a nuestros seres queridos, sino una parte enorme de nuestras vidas; no nos permite seguir siendo los mismos. Su dolor te atraviesa. Lo vives con ellos, lo sufres con ellos. Pero también su alegría, su romance, su paternidad y maternidad, sus ilusiones, su talento, su capacidad de comprender y de crear belleza… Si salís del cine tan tristes pero arrebatados como yo, os reconfortará el baile que montaron tras el rodaje. No os lo perdáis. Hamlet o Hamnet esa es la cuestión. Almudena Fernández Ostolaza.

Rental Family

 Llego hasta "Rental family " película japonesa del 2025 de la directora Hikari, a través del maravilloso programa de cine de la 2 "Días de cine".

La película sigue los pasos de un actor estadounidense que intenta salir adelante en el Japón actual mediante trabajos de poca monta hasta que le proponen trabajar para una empresa que ofrece "familias de alquiler", es decir, esposo, amigo, padre, novio o cualquier otro rol que el cliente demande a domicilio.

En una sociedad donde la soledad y el aislamiento están a la orden del día y donde ir a terapia está estigmatizado, parece una necesidad rentable en el mercado, comprar un bienestar emocional que de otro modo parece difícil conseguir.

"Rental family" se convierte así en una película agradable de ver donde contra todo pronóstico, los vínculos humanos superan los acuerdos mercantiles y se establecen auténticas vinculaciones afectivas que desafían la relación compra-venta.

Se puede interpretar como una crítica no sólo hacia el capitalismo de las ciudades modernas sino además hacia el patriarcado donde pocas opciones le quedan a una mujer que por ejemplo es madre soltera y aspira a tener una plaza en un colegio privado para su hija ,sobre todo porque no cuenta con la figura de un padre, cabeza de familia que asegure el bienestar de la familia a la antigua usanza y configure esa idea de familia nuclear tradicional.

Es en una sociedad donde producir y consumir es la maquinaria que impera en toda ciudad del primer mundo pero además esa imagen de un edificio en la noche con cada vivienda con las luces encendidas, a modo de colmena, donde cada vecino/a vive su vida y está incomunicado del resto, pero produce y se ve envuelto a veces en una existencia sin sentido donde ha de recurrir a un servicio de pago para que alguien le haga sentir que importa.

Aún con todo, la película es amable, auténtica, te hace reir y llorar y también se revuelve contra quienes intentan hacer negocio en esas grietas que la sociedad deja repletas de vacío y soledad.

Nos habla además de la memoria, de la importancia de conservar el recuerdo de lo que te hizo sentir vivo y feliz, de volver al origen a la raíz,de tomar conciencia de que somos mientras recordamos y  somos recordados.

Apuesta por la fluidez y la calidez de las relaciones humanas en lo sencillo y lo cotidiano, en lo genuino de los vínculos que surgen entre desconocidos sin estar estrictamente planificados.

No esperaba mucho del título ni de la portada pero la verdad es que la película ni es dulzona ni es una telecomedia barata de sobremesa, con todos mis respetos hacía las películas de la hora de la siesta.

Quisiera destacar la interpretación de Brendan Fraser, actor que ganó el oscar por la película "La Ballena". Él da credibilidad y honestidad a las emociones que experimenta su personaje y nos conduce por un viaje que va desde la mera interpretación de un rol a la verdadera conexión afectiva que de manera espontánea sucede entre él y algunos de sus clientes.

Haced por verla y saldréis del cine con una sonrisa, que es algo, que igual podríamos practicar más.

Féliz fin de semana.

Troyana

La Reina Cotilla: Gossip Girl (2007-2012)

Aunque hay una gran cantidad series que ver, y cada día aparece una nueva, siempre acaba una volviendo a aquellas "cositas" de juventud que se nos pasaron en su día, y que fueron bastante conocias. En mi caso, cuando lo lógico hubiera sido ver al fin 'Supernatural' o 'Smallville', o revisitar la maravillosa 'Veronica Mars' (que me gustó hasta su final, pero que niego su 'resurección' posterior), decidí moverme hacia el 'culebrón' más conocido de la mitad de la década del 2000: Gossip Girl.

Gossip Girl, como las otras series anteriormente cietas, era un producto de la cadena de televisión CW, que se estrenó en 2007, basado en la serie de libros young-adult de Cecily von Ziegesar , y desarrollada para televisión por los creadores de The O.C. Josh Schwartz y Stephanie Savage. De hecho, The O.C., era el precedente de las series de 'pobres niños ricos' en la misma cadena,  junto con otros éxitos adolescentes como 'One Tree Hill' o 'Dawson crece', porque la cadena The CW dominó la ficción para los jóvenes desde finales de los 90, con una variedad que incluía 'The Gilmore Girls', 'Sabrina' o 'Buffy', y que son parte del imaginario colectivo de una mayoría de Millenials actualmente.

En este caso, nos centramos en  la vida de la élite adolescente y adinerada del Upper East Side de Manhattan, narrada por un personaje invisible y omnisciente cuyo nombre es 'Gossip Girl' (la Reina Cotilla), doblada en inglés por la actriz Kirsten Bell (la popular Veronica Mars que acababa en ese momento), que tiene un blog que es seguido por los personajes.

Básicamente, todo arranca con la llegada de Serena, interpretada por Blake Lively, y vistas sus polémicas personales, bien escogida, como el "espíritu libre" que sólo quiere solucinar y dar amor, pero que aprovecha su origen acomodado, y resulta bastante 'chica mala' queriendo mejorar. Su mejor amiga es Blair, que gracias a la encantadora interpretación de Leighton Meester, nos ofrece una de las 'villanas' que quieres amar, siguiendo la estela de actrices como Joan Collins en 'Dinastía'. Las dos jóvenes, que quieren controlar, cada una a su manera y con diferentes motivaciones, la vida del instituto elitista donde están, y guardar secretos que implican a sus compañeros, entre los que están el inocente Nate (Chace Crawford) y un atractivo 'bad boy', pobre niño rico, que es Chuck Bass (Ed Westwick), o el poco afortunado socialmente, Dan Humphrey (Penn Badgley) y su hermana Jenny (Taylor Momsem), que son de Brooklyn. Todos están acompañados por sus padres y sus dramas, así como alguna amiga de los Humphrey, Vanessa (Jessica Szorh), y la llegada de personajes cuyos arcos variaban, intepretados por ahora actores bien establecidos o conocidos como Sebastian Stan, la tristemente desaparecida Michelle Trachtenberg (cuya 'villana' es una delicia), Elizabeth Hurley, Hugo Becker, William Baldwin o Wallace Shawn. Y jamás olvidar al personaje de Dorota (Zuzanna Szadkowsk), la criada personal de Blair, casi una madre para la misma.

La serie recibiría buenas reviews, pero también críticas de asociaciones de padres por sus polémicas campañas de publiciad. No es mi objectivo aquí hablar las estrategias de marketing, ni resumir las seis temporadas de la que consta la serie, distribuidos en 121 capítulos, en el que la calidad, de la serie depende del momento, hay tramas que se abandonan, personajes que desaparecen aunque fueran de gran importancia (por petición de la actriz involucrada, lo que generó tensiones con los productores), o actuaciones, que según lo inspirado del actor en el momento, y su grado de teatralidad, dejan incluso algo que desear, porque no olvidemos, que se trata de un 'culebrón', con sus defectos, pero también, cualidades para el entretenimiento: hijos secretos, asesinatos, sociedades malvadas, familiares inesperados, antiguos amantes, el esnobismo cultural neoyorkino, monarquías europeas, romances imposibles (y también sorprendentes tipo Joey y Rachel en Friends, porque aveces los guionistas ya no saben como 'liar' a los personajes), y mucho más estarán presentes a lo largo de serie. Y sabiendo que vas a ver esto, debes entrar en el juego, y disfrutar...aunque la tercera temporada, donde los personajes deben estar en la universidad, pero los acaban alejando de la misma porque la serie parecía haber perdido completamente el norte.

Lo que sí resalto es que en general, pese a sus pequeños defectos, es una serie sumamente entretenida, con interpretaciones, casi mayoritariamente correctas, y sobre todo, que se tomaba muy en serio su universo, pues el humor, el saber que es un 'culebrón', el esnobismo, el ambiente de los niños millonarios, el mundo del arte (visitas al museo de Orsay y al París real), y las referencias culturales son practicamente perfectas: desde la importancia de la cultura pop, el cine (cada capítulo está nombrado con un juego de palabras de una película, o Blair sueña con películas clásicas de Audrey Hepburn, principalmente), la literatura (con el bohemio Dan), la música (con presencia de rock alternativo que podía ser escuchado por los jóvenes de la época), o la moda, incluyendo cameos importantes, que están entre el 'anuncio de marca', y la realidad de ese mundo. La serie puede considerarse incluso una representación de Nueva York, e incluso el alcalde de la ciudad, visitó el set en el capítulo 100 de la misma.

Aunque la coherencia a veces falle, acabes apoyando más a los villanos que a los buenos, y la identidad de la 'Reina Cotilla' sea un poco chasco al final (la verdad es que deja de tener sentido en cierto punto), si te dejas llevar por lo que se te ofrece, en un envase tan 'bonito', como un perfume perfectamente embotellado, 'Gossip Girl' puede convertirse en tu 'placer culpable' incluso años después de que acabara.

Carmen R.

Nota: hubo un intento de recuperación de la serie con un spin off con el personaje de Taylor Momsem, que no llevó a ningún lado. Igualmente, se producjo una nueva serie por HBO en 2021, que acabaría cancelada dos años después, donde todo era más diverso, y quizá menos divertido.

Father, mother, sister, brother

Siempre que voy a ver una película de Jim Jarmush voy con ilusión. Es curioso porque, al mirar su filmografía, me he dado cuenta de que se me han pasado muchas. Recuerdo especialmente Bajo el peso de la ley, donde me fascinó el personaje de Roberto Begnini. Tengo la imagen de los presos de una cárcel gritando “I scream, you scream, we all scream for ice cream”. No es que recuerde mucho más, pero sé que me gustó mucho. También vi Coffee and cigarettes y Broken flowers, aunque las tengo borrosas. Sin embargo, recuerdo mucho mejor Paterson, que me encantó. Es posible que fuera porque el protagonista es Adam Driver que es un actor que me gusta mucho. En cualquier caso, me sorprendió que ganara el León de Oro en Venecia, porque siempre lo he tenido por un director más bien minoritario. Desde luego, esta película está hecha con muchos medios. El reparto es excepcional: Cate Blanchett, Vicky Krieps, Adam Driver, Mayim Bialik, Tom Waits, Charlotte Rampling, Indya Moore y Luka Sabbat. Y todos están maravillosos. La fotografía es excelente y todo está muy lejos de aquellas primeras películas en blanco y negro de este director. Son tres historias que hablan de la familia y la comunicación. Cada una transcurre en un país distinto. La primera, protagonizada por Adam Driver, Mayim Bialik y Tom Waits, se desarrolla en Estado Unidos. Dos hermanos acuden a ver a su padre con el que tienen muy poca relación. He visto salas de espera de dentista con mejor comunicación entre los pacientes que entre los miembros de esa familia. Creo que hasta el público se revolvía en los asientos, a punto de proponerles temas de conversación. La comunicación entre la madre y las hijas de la segunda historia no fluye mejor. Transcurre en Dublín. Charlotte Rampling es una escritora estirada y distante que una vez al año toma el té con sus hijas. Cate Blanchet está maravillosa como la hija monjil y deseosa de agradar y Charlotte Rampling baja la temperatura varios grados de lo seca y fría que resulta. Sigue teniendo una prestancia espectacular. Por fin el amor y la facilidad para entenderse llegan en la tercera historia, donde unos hermanos mellizos visitan por última vez el piso de sus padres, recientemente fallecidos, en París. Los hermanos se quieren, se entienden, incluso tienen toques de telepatía “cosas de mellizos”, como ellos dicen. En esta película expresa tanto lo que dicen como lo que callan, también las casas y los entornos hablan, hay muchos pequeños detalles sutiles que marcan lo que Jim Jarmush quiere decir. Hay algunos toques que se repiten en las tres historias, como una conexión absurda: los brindis con una bebida que no se presta a brindar, un reloj Rolex o una frase que es algo así como “tu tío se llama Bob”, que no sé si es algún dicho en inglés. También os digo que no es película para todo el mundo. Nosotros fuimos tres personas al cine y a dos nos gustó y otro la aborreció. También he leído críticas dispares, pero yo pasé muy buen rato y no puedo si no recomendaros Father, mother, sister, brother.

Múnich (Steven Spielberg, 2005)

En el mismo año en que estrenó La guerra de los mundos estrenó Spielberg Múnich, una historia que transcurre meses después de la masacre de los Juegos Olímpicos celebrados en dicha ciudad en 1972. Os refresco la memoria: un comando del Mossad asesinó uno tras otro a once palestinos, algunos de ellos pertenecientes al grupo terrorista Septiembre Negro, para vengar la muerte de once miembros del equipo olímpico israelí.

En la ficción, dirige el comando del Mossad un guapísimo Eric Bana, un tipo que no ha hecho un carrerón en Hollywood y que con esta peli parecía bien encarrilado. A este dirigente acompañan (parece un chiste, pero no tiene gracia) un sudafricano, un alemán y un belga, entre otros.

Como La guerra de los mundos, Múnich también está basada en una novela, pero esta es bastante más  desconocida. Se trata de Vengeance (Jonas book), del más desconocido todavía autor George Jonas. Bueno, no. Me corrijo: era un húngaro nacionalizado canadiense que no fue tan tan desconocido en los Estados Unidos. Y el libro está traducido al español, Venganza, y publicado por RBA en 2006.

Se encargaron del guion otros dos judíos ilustres: Eric Roth y Tony Kushner. 

Múnich obtuvo cinco nominaciones a los Óscar y no se llevó ni uno. En mi humilde opinión, el guion y la dirección se lo habrían merecido.

Aunque Múnich es básicamente una obra de ficción, narra muchos hechos que sucedieron de verdad y nos presenta a personajes que también existieron en la realidad. Por ejemplo, en el lado israelí nos aparece la primera ministra Golda Meir y muchos otros líderes políticos y militares. 

El propio Spielberg se vio fuertemente marcado por los sucesos reales y quiso recrear el secuestro y asesinato de los atletas israelíes tal y como verdaderamente sucedió. Así pues, filmó el tiroteo que acabó con los atletas de manera exacta a como dijeron las autopsias que aconteció y, además, insertó en su metraje fragmentos realmente filmados durante el secuestro.

En otro punto también estuvo Spielberg escrupuloso con la historia: los miembros de Septiembre Negro que salen en su película y la forma en la que murieron son también del todo reales, aunque, como os voy a contar,  fueron atentados muy peliculeros. 

Abdel Wael Zwaiter, por ejemplo, era un traductor palestino que trabajaba en la embajada de Libia en Roma. Además de árabe, hablaba francés, inglés e italiano. Precisamente al italiano estaba traduciendo Las mil y una noches cuando recibió once disparos, uno por cada atleta asesinado, el 16 de octubre de 1972, con 38 años. 

El 8 de diciembre del mismo año cayó en París Mahmoud Hamshari, un veterano de la OLP, tras estallar una bomba que le habían colocado bajo la mesilla del teléfono. 

No los voy a nombrar a todos, pero sí a uno más de los integrantes de Septiembre Negro que atentaron en Múnich. Ali Hassan Salameh fue asesinado en Beirut en 1979, con un coche bomba que mató a otras cuatro personas que pasaban por allí e hirió a otras dieciocho. Añado un detalle curioso: estuvo casado con Georgina Rizk, una libanesa que fue Miss Universo en 1971. Este es un mundo raro.

Los métodos que utilizó el Mossad para encontrar y asesinar a los de Septiembre Negro fueron bastante más complejos que los que aparecen en la película. Trabajó en ello toda una red de agentes; no fue una información proporcionada por un confidente, como se inventó Spielberg. En realidad, había bastantes divergencias entre lo narrado por éste y lo declarado por los agentes del Mossad entrevistados en un documental de 2006: Munich: Mossad's Revenge.

Una de las principales discrepancias fue que, en la peli, el grupo detiene su serie de asesinatos porque pierde fuerza, cuando el realidad el parón se debió al caso Lillehammer, que ni siquiera se nombra en el film y le costó la vida a un inocente camarero marroquí en 1973.

Os resumo mucho este caso Lillehammer. Sucedió en Lillehammer, Noruega. El marroquí Ahmed Bouchikhi  fue asesinado porque los agentes del Mossad lo confundieron con Ali Hassan Salameh. Ahmed era hermano  del músico francés Chico Bouchikhi, uno de los miembros de los Gipsy Kings. Como os decía, un mundo raro. 

Llegada hasta aquí, me doy cuenta de que me ha vuelto a pasar que he hablado de muchas cosas y muy poco de cine.  Me disculpo: una cosa me lleva a otra y me desvío. En fin, espero que lo que os he contado os haya resultado interesante y me despido hasta la próxima, que será ya en 2026. Recibid un abrazo de vuestra amiga

Noemí Pastor

Suarez en la pantalla: serie Anatomía de un instante y documental Voladura 76

Algunos temas atraen al público de una manera especial. Cualquier película sobre el asesinato de Kennedy, la carrera espacial o el espionaje durante la guerra fría tiene el éxito garantizado. Con el 23F pasa lo mismo, y mucho más si es una serie basada en un libro de la categoría del de Javier Cercas, y además mantiene su altura. Del golpe de estado del 81 siempre quedan incógnitas. Se cuente lo que se cuente, el espectador no tiene más remedio que preguntarse si será toda la verdad; y es en esto, precisamente, donde acierta de pleno el docu-thriller «Voladura 76», que no va sobre el 23 F, sino un momento anterior —pero tan apasionante como el golpe—, como fue la elaboración y aprobación de la «Ley para la reforma política», que permitió el paso del franquismo a la democracia. El documental aporta datos absolutamente reales y hasta ahora bastante desconocidos para el público. Las dos tienen como protagonista a Adolfo Suárez. En el documental aparece en su momento de ascenso, líder absoluto con la confianza del rey, «cocinando», con pasión y todo el futuro por delante, el paso de la dictadura a la democracia, la legalización de los partidos y las bases de la Constitución. Como un Kennedy cualquiera. En la serie, 23 F, en las horas bajas, su momento de menor popularidad. El resto de políticos lo consideran un lastre: para avanzar en democracia, la izquierda, o para arreglar España, la ultraderecha, y lo malo es que lo intentaron a su modo. Es un contraste magnífico muy recomendable.

«Voladura 76», dirigida por Marisa Lafuente, tiene ritmo de thriller. El título alude a como se derogó el sistema desde dentro por los propios diputados que integraban las cortes franquistas, gracias a la «habilidad» de Suárez y los suyos. Servicios secretos, conspiraciones, encuentros clandestinos, soluciones originales que recuerdan a la película «Argo». Avalada por horas de grabaciones originales de RTVE en el Congreso y otras instituciones, transmite, por encima de todo, credibilidad. La serie, de Alberto Rodríguez y Paco R. Baños, es más una obra de personajes. El punto de partida, igual que el libro, es el instante en que todos los diputados se agachan ante los disparos de Tejero en el Congreso. Todos menos tres: Suárez, Carrillo y Gutiérrez Mellado. Son geniales las interpretaciones de los cuatro protagonistas: Suárez (Álvaro Morte), Carrillo (Eduard Fernández), Gutierrez Mellado (Manolo Solo) y el rey Juan Carlos (Miki Esparbé), así como las del resto de personajes. Y la ambientación me ha resultado curiosa porque, aunque toda la estética está adaptada a la época, como no podía ser de otra manera, tiene el efecto de no resultar anticuada, es más bien, inmersiva, te transporta a aquellos años. Me queda pendiente una serie de RTVE sobre la transición que va a ser la siguiente. Almudena Fernández Ostolaza.

El cuco de cristal

 

En este desierto de propuestas estimulantes, descubro siguiendo el rastro de la actriz vasca Itziar Ituño una serie española de 6 episodios que me ha parecido bastante recomendable. 

Estoy hablando de "El cuco de cristal", miniserie rodada en la comarca del valle del Ambroz en Cáceres y que tiene como punto de partida la llegada al pueblo de una residente de medicina que ha recibido el trasplante del corazón de un jóven del pueblo que ha fallecido recientemente. La joven que ha recibido el corazón se pone en contacto con la madre y decide visitarla. El pueblo esconde secretos, mentiras y extrañas desapariciones en circunstancias extrañas y la serie está basada en el libro homónimo de Javier Castillo.

Poco a poco iremos desentrañando el por qué de cada desaparición con diferentes flash-backs que nos llevan al momento exacto en que la personas desapareció.

La serie está dirigida por Laura Alvea y Juan Miguel del Castillo y  está interpretada por : Alex García, Itziar Ituño, Catalina Sopelana, Iván Masagué y Tomás del Estal entre otros .

La serie me ha parecido adictiva y cada capítulo te deja con ganas de saber más.Es un thriller rural bien interpretado que me ha recordado a la saga de la serie española

"La caza "que de paso aprovecho para recomendar desde aquí para los amantes de los thrillers en los que hay sospechosos, cadáveres, exteriores con naturaleza exultante y una intriga que nos deja clavados al sillón de principio a fin.

Volviendo al "Cuco de Cristal" he de destacar especialmente el personaje que interpreta Tomás del Estal , un hombre solitario vinculado al bosque con instintos primarios, amante de la caza y que concibe el mundo desde la perspectiva de que en la vida solo hay presas y depredadores.Es una visión que transmite desde la niñez a su sobrino, el personaje interpretado por Iván Masagué.

No os la perdáis, porque aunque la serie no sea una obra maestra, sabe manejar los hijos hábilmente para que el espectador no pierda el interés. Tal cual he mencionado al inicio de esta entrada, su descubrimiento me llegó a través de Itziar Ituño. La estaban entrevistando en la la Script y me generó mucha curiosidad conocer esa trama tan misteriosa en unas localizaciones al parecer tan espectaculares como desconocidas.

No desvelaré más detalles, si alguien se anima a verla y quiere compartir impresiones, por aquí estaré. Buen fin de semana, zinéfil@s,

Troyana