Toda la verdad

 

«Cuando la funcionaria judicial me sonrió la mañana del juicio, supe que estaba jodido».

 

Siempre que aparece en pantalla un tribunal del «profundo sur», me da la impresión de que Atticus Finch me guiña un ojo, escondido en algún lugar de la sala. Este es un buen thriller judicial ambientado en Lousiana, dirigido en 2016 por Courtney Hunt, quien dirigió también, entre otras, la versión americana de la serie «En terapia». El guion es de Nicholas Kazan, responsable de la adaptación de la aclamada «El misterio von Bülow» y autor del guion de «Fallen».

 

Uno de los puntos fuertes es la trama:  un abogado (Keanu Reeves, con un aire impasible que recuerda al agente Cooper de «Twin Peaks») debe defender a un adolescente (Gabriel Basso) acusado de asesinar a su padre multimillonario. Pero como las cosas no pueden ser tan fáciles, se encuentra con el obstáculo añadido de que el joven se niega a hablar de lo sucedido, ni siquiera con el abogado.

 

Enseguida comienza un puzzle de luces y sombras sobre la personalidad de la víctima (James Belushi), con los testimonios de una serie de personajes secundarios que quizá tengan más relevancia que la que aparentan: la viuda (Renée Zellweger); los vecinos que, como es natural, saben pero callan; o los empleados del multimillonario dispuestos a silenciar sus desmanes por no perder el empleo o quizá por otros motivos. También resulta interesante, y a mi modo de ver un poco desaprovechado, el papel de la abogada ayudante (Gugu Mbatha-Raw), experta en detectar cuándo la gente miente. He comenzado hablando de la trama porque en alguna crítica he leído que la consideran previsible. A mí no me lo ha parecido, juzgad vosotros mismos.

 

El arranque de la película es muy ágil y dinámico. Los juegos de cámara, con planos rápidos desde distintos puntos de vista, contribuyen a configurar el espacio del juzgado como una inmensa telaraña, laberinto o, en cualquier caso, un sitio horrible en el que resulta imposible encontrar la salida. La banda sonora de los hermanos Evgueni y Sacha Galperine, entra con fuerza  e imprime la dosis de emoción necesaria. El intercalado de escenas del pasado, solo presentes en la mente de los personajes, proporciona al espectador más datos que los que posee el juzgador, información que se va completando poco a poco a medida que avanzan los testimonios y de manera subjetiva, dependiendo que quién sea el declarante en cada momento. La narración en primera persona del abogado contribuye a hacernos una idea de las dificultades de esa extraña defensa. Aquí no se trata de ver si ganarán los buenos o cómo lo conseguirán, sino del juego psicológico de esclarecer la culpabilidad del muchacho que se niega a hablar, al estilo de «El juez», «Presunto inocente» o «Anatomía de una caída».

 

Los personajes, bien perfilados, quizá no se ajustan al estereotipo de los papeles que acostumbran a interpretar Keanu Reeves o Renée Zellweger, pero en esta película encajan a la perfección, con una mención especial para el joven Gabriel Basso que borda su papel.

 

Almudena Fernández Ostolaza

 

La misteriosa mirada del flamenco

 Aunque el título pueda despistar "La misteriosa mirada del flamenco" nada tiene que ver con el género musical y artístico que se originó en Andalucía y sí con el género de aves de patas largas y plumaje rosado.

El título de la película del director chileno Diego Céspedes tiene su porqué y se debe fundamentalmente a uno de los protagonistas al cual ponen apodo el flamenco.

 La película está protagonizada por Tamara Cortes y Matías Catalán, acompañados por Paula Dinamarca, Pedro Muñoz, Luis Dubó, Vicente Caballero, Bruna Ramírez, Sirena González , Alexa Quijano y Francisco Díaz.

"La misteriosa mirada del flamenco" es una coproducción de Chile-Francia-Alemania-España  y Bélgica y está ambientada en el desierto de Chile de los años 80,sigue los pasos de una niña de 11 años, Lidia que crece en el seno de una familia "queer" que vive en los márgenes de un pueblo minero.

En este contexto social,en el que la familia queer parece ser el origen de todos los males, a ellos también se les culpa de la propagación de una enfermedad que empieza a extenderse y que la creencia popular atribuye el contagio en la mirada cuando un hombre se enamora de otro hombre.

A veces con tintes surrealistas o de realismo imaginario, vemos cómo los hombres del pueblo antes de la epidemia se sentían atraídos por los coloristas looks de los protagonistas queers quienes amenizaban las noches con playbacks en la cantina. Todo se degrada con la extensión de la epidemia y el miedo se instala en una comunidad en la que impera el prejuicio y la superstición.

Lidia se verá violentada por otros niños en el pueblo y se encontrará en el dilema de ser leal al lugar que le ha visto crecer o dar un salto hacia lo desconocido para avanzar en la vida y crecer.

Con un ritmo pausado la estética de la película y la narración no siempre lineal nos deja una película inclasificable con un sello propio,muy peculiar.

Sorprende la juventud del director chileno Diego Céspedes a quien certeramente se le ha comparado con el director canadiense  Xavier Dolan.A Dolan ya le seguimos la pista desde sus comienzos , a Céspedes no podemos perderlo de vista a partir de ahora. 

La ópera primade Diego Céspedes que explora en el western moderno me ha sorprendido , me ha recordado por momentos a Almodóvar y ese número en el que Flamenco interpreta a Rocío Jurado con la canción "Ese hombre"es para mí de las mejores de todo el film.

Diego Céspedes nos deja una película que nos habla de las familias que se generan en los márgenes, de los vínculos que crean red y no tienen porqué ser consanguíneos, de identidades y diversidad y de cómo toda esas familias sobreviven en ambientes inhóspitos y hostiles.

No la dejéis escapar sobre todo si sois buscadores de raras avis que os puedan sorprender por su sensibilidad, su valentía, su estética, su banda sonora y algunas de sus interpretaciones como la de Matías Catalán en el papel de Flamenco o Paula Dinamarca en el papel de la matriarca de toda la familia queer.Hay algo en su cine que también nos recuerda al cine de Pedro Almodóvar, no sólo por los personajes de diversa identidad y orientación sexual sino además por la estética de colores intensos que marcan algunas escenas.

La película me ha sorprendido mucho y también de alguna manera me ha recordado a " Priscilla, reina del desierto" (1994) salvando todas las distancias.

Si le dais una oportunidad  y os apetece compartir impresiones.os leo en comentarios .

Buen fin de semana

Troyana

Las maldiciones

 

«Alguien puede llegar a la política por muchos motivos. Unos más legítimos, otros menos. También por error,  por desidia, por no saber decir que no. Por estar en el lugar preciso, en el momento preciso. O en el lugar equivocado, en el momento equivocado… ». Claudia Piñeiro, «Las maldiciones».

 

Yo llegué a esta serie por casualidad, por alguna recomendación que leí no sé donde, y me convenció de inmediato cuando vi que se basaba en una novela de Claudia Piñeiro.

 

Es original y diferente. Un thriller político dirigido por Daniel Burman y Martín Hodara con referencias, como no, a House of Cards. Cuenta una historia peculiar y la cuenta de un modo peculiar: con unos giros geniales y solo tres capítulos; no se alarga innecesariamente para que encaje mejor en el formato estándar.

 

 

Leonargo Sbaraglia interpreta a Fernando Rovira, un político corrupto a más no poder, cuya hija es secuestrada la víspera de la votación de una ley crucial para sus propios intereses económicos. Gustavo Bassani encarna al secuestrador, Román Sabaté, un personaje que empieza como secundario y va creciendo de manera inimaginable. Alejandra Flechner hace un papel maravilloso como la madre de Rovira —hechicera y adivina en la novela y simplemente bruja en la serie—. También es reseñable la actuación de la niña Francesca Varela, víctima del secuestro.

 

Se habla de lo universal desde situaciones muy particulares. De humanidad y deshumanización, de corrupción, traición y codicia. De familia, maternidad y paternidad. De ecología, de agua y de litio.

 

Es cierto que se han suprimido algunos elementos importantes de la novela, como la «maldición de Alsina», que es una creencia popular según la cual ningún gobernador de la provincia de Buenos Aires ha ganado unas elecciones presidenciales por el conjuro de la hechicera la Tolosana. Lleva el nombre de Adolfo Alsina, quien fue gobernador bonaerense entre 1866 y 1868 y aspiró a la presidencia en tres ocasiones sin llegar a alcanzarla. En la novela, Rovira pretende burlar la maldición dividiendo Buenos Aires en dos provincias, aunque eso no es lo esencial, el verdadero meollo es cómo pueden los gobernantes sustituir el sentido común y el interés general por  creencias sobrenaturales y supersticiones; por no hablar de las mentiras y la postverdad.

 

También se echan de menos dos personajes carismáticos de la novela: el tío Adolfo, radical convencido y admirador de Alfonsín; y la China, una periodista sin mucha suerte que ayuda a Sabaté.

 

Como remate, la banda sonora de Hernán Segret y Nico Cota. Os recomiendo que estéis atentos en el principio del capítulo uno, a la preciosa versión del clásico Qué sera, será; versión que en realidad se se creó para la serie From y aquí viene genial como metáfora del destino y la superstición.

Almudena Fernández Ostolaza

 

Cold Pursuit

Ya os he contado alguna vez que veo mucho cine en la tele. Me tiro a la piscina de las cadenas generalistas, sin mirar si hay agua o no. Muchas veces zapeo sin rumbo entre una peli y otra, para acabar no enterándome de ninguna de las dos. A veces me veo entera una que no vale un pimiento. A veces hago grandes descubrimientos. Y a veces veo cosas rarunas, como esta de la que os voy a hablar hoy.

Cold Pursuit es una producción norteamericana de 2019, dirigida por el noruego Hans Petter Moland. Se trata, en realidad, de un remake bastante libre de la película noruega Kraftidioten, dirigida por el mismo Moland en 2014. Kraftidioten se puede ver en español titulada Uno tras otro, traducción directa de su título en alemán Einer nach dem Anderen, aunque en inglés e internacionalmente se tituló In Order of Disappearance (Por orden de desaparición; tiene su coña). Disculpadme esta erudición vacía; es un juego que me divierte.

Aunque, por su parecido con el alemán, me puedo hacer una idea, le pregunto a Gemini qué significa en noruego kraftidioten y me dice que "idiota total" o "completo imbécil", de kraft (fuerza, poder) e idiot (idiota); es decir, literalmente "idiota de fuerza" o “idiota con intensidad”. Y se me ocurre que esta es la información que necesitaba para, sin haber visto la peli original, entender un poco de qué va la versión americana, a la que le falta en el título ese punto aclarador que aporta la palabra idioten.

Como os decía al principio, Cold Pursuit es un producto raro. Se presenta como un thriller de acción y, sí, lo es. Comienza de forma muy sombría: nieve, noche, soledad, dolor, asesinatos... Y va poco a poco salpicándose de unos toques de humor negro que no te los esperas si te han quitado del título la palabra idioten.

Entonces te das cuenta de cuánto se parece o quiere parecerse a Fargo, a la serie y a la peli; quizás, en la puesta en escena, un poco más a la serie.

Cold Pursuit comienza de una forma y va poco a poco transformándose en otra cosa. Laura Dern, segunda en el cartel tras el prota, Liam Neeson, desaparece para siempre a los quince minutos de metraje; como si se hubiera enfadado durante la filmación y hubiera dicho “no pinto nada en esta trama, me largo, que os den”. La delicada Emmy Rossum está también desaprovechada como ayudante del ayudante del ayudante del sheriff y estos dos fichajes femeninos estelares y opacados me hacen pensar en que empezaron filmando Cold Pursuit y acabaron claudicando ante los idioten.

Bueno, lo diré de forma más convencional: la película se va empapando cada vez más de humor negro y de una atmósfera de sátira, lo cual la aleja de los thrillers de acción convencionales.

En realidad, es el humor a lo Fargo, a lo Coen, lo que salva la película y la diferencia del montón de historias de venganzas familiares. Eso y la presencia exótica de la América montañosa y profunda que tanto juego da y de los indios ute.

A propósito de la localización y de los indios, os cuento que, aunque la trama transcurre en Kehoe, un pueblo ficticio de Colorado, Cold Pursuit se filmó en Canadá, principalmente en Alberta y Columbia Británica, para dar protagonismo a los paisajes montañosos y nevados, verdaderamente magníficos. El equipo en un principio quiso rodar en el Parque Nacional Banff de Canadá, pero las autoridades del parque le denegaron el permiso porque el guion presentaba a los personajes indígenas canadienses de forma no muy digna. Si queréis saber en qué consiste esta falta de dignidad, vais a tener que ver la película, porque es muy largo de contar.

Y, para ir acabando este artículo, os nombro un par de curiosidades más sobre la peli.

Una es que el actor que interpreta al hijo de Neeson es Micheal Richardson, su hijo en la vida real.

Otra, que es una película malhablada y violenta (no tengo nada en contra), con un body count digno de remarcar. El toque original viene dado por que, cada vez que un personaje muere, cosa que sucede a menudo, se interrumpe la narración y aparece en pantalla una especie de lápida con su nombre, su seudónimo y un símbolo religioso. En una de estas se produce una verdadera matanza, caen unos quince individuos de golpe y las lápidas ocupan la pantalla entera.

Recopilo. Un film original, que quiere ser Coen y a ratos lo consigue, en la América indígena, montañosa, profunda y tremendamente espectacular y hermosa de ver. Empieza como un thriller convencional y se extravía por otros derroteros. Al final, te deja con la sensación de no saber muy bien qué has visto, pero ¿quién quiere saberlo?

Ficha técnica

·         Título original: Cold Pursuit

·         Año: 2019

·         Director: Hans Petter Moland

·         Guionista: Frank Baldwin (basado en la película "Kraftidioten")

·         Reparto principal:

o    Liam Neeson (Nels Coxman)

o    Tom Bateman (Trevor "Vikingo" Calcote)

o    Laura Dern (Grace Coxman)

o    Emmy Rossum (Kimberly "Kim" Dash)

o    William Forsythe (Brock "Wingman" Coxman)

·         Género: Acción, Thriller, Drama, Humor negro

·         Duración: 119 minutos

·         Países de producción: Reino Unido, Noruega, Canadá, EE.UU., Francia, Alemania

·         Productora: StudioCanal, Summit Entertainment

 

Los domingos

 

Ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián, cinco Goyas y otros cinco Feroz, entre otros muchos galardones, probablemente pocas cosas nuevas se puedan decir de esta película de la que se ha dicho ya tanto: magistral, brillante, inteligente…, todas merecidas.

 

De entrada me sorprendía que un tema en apariencia minoritario como la vocación religiosa pueda llegar y conmover a tanta gente.  Y es que el tema no es la vocación, sino el shock que provoca en una familia la decisión de la hija adolescente de meterse monja de clausura.

Es una película que te revuelve. Sales con la sensación agridulce de haber visto una obra maestra y a la vez con un montón de inquietudes. La típica que no te sacas de la cabeza durante un tiempo.

 

La directora, Alauda Ruiz de Azúa, declaraba en una entrevista que no pretendía dar respuestas, sino hacer preguntas. Y ya lo creo que lo consigue. Mi sensación es que saca a la luz un temor todavía más universal que el peligro de que nuestras hijas se metan monjas y es la falsa ilusión de que controlamos el entorno de los menores. En especial en estos tiempos de pantallas, redes, fake news y ultraderecha. ¿A qué influencias hemos expuesto a toda una generación sin supervisión?

 

También dice Alauda Ruiz de Azúa en esa entrevista que el tema de la vocación religiosa le interesaba en sí mismo, pero también le daba una excusa para hablar de la familia. Y también lo borda. Uno de los prodigios de esta película es la inmersión. Desde el primer momento, como espectadora no tienes la sensación de ver una película, sino la de convivir con los personajes. Y están tan bien construidos que te da la impresión de conocerlos como a tu propia familia. No hay buenos ni malos, cada uno tiene sus problemas y sus puntos de vista. Aunque los hay mejores y peores. Patriarcado, sí; minusvalía emocional del padre, sí; antepone sus intereses a los de sus hijas y hermana, sí; se hace lo que él dice, sí.

 

Creo que merece un reconocimiento especial el trabajo del  extraordinario elenco y la dirección de actores. Patricia López Arnáiz, en el papel de la tía atea; Mabel Ribera, la abuela que prefiere no implicarse tanto; Miguel Garcés, el padre viudo que prioriza su negocio y su nueva relación.

Nagore Aramburu, como Madre priora, y Victor Sainz, como catequista, dan muchísimo miedo. Su nivel de manipulación es de libro. Os juro que cada vez que salían yo me ponía enferma.

Y hay dos papeles todavía más secundarios que, en mi opinión son magistrales. Leire Zuazua es Estíbaliz, la nueva novia de padre:  antes de que diga una frase deja evidente su condición de extraña al grupo con muchísimo poder. Y la amiga de Ainara, Izaskun, interpretada por María Rodríguez Maribona, que en sus escasos minutos nos hace saber que es más abierta, menos complicada y más popular que Ainara, buena amiga, buena persona y muy simpática.

 

He oído en un podcast que otro de los aciertos es que convence a los dos lados, ateos y creyentes. Se puede comprobar: si ponéis el título ahora mismo en un buscador, una web dice “La pureza y el misterio de Dios” y la siguiente “La mejor película de terror de 2025”. Es todo un ejemplo de cuestionar desde el respeto. ¿Por qué  decisiones que son un disparate, van a ser más razonables si están avaladas por la tradición o la iglesia? Y más cuando se trata de una chica que arrastra el vacío de la orfandad y busca desesperadamente respuestas. Qué peligro.

 

La protagonista, Blanca Soroa, es impactante. Capaz de transmitir inocencia e ilusión en su inclinación religiosa; colegueo o ser una más del grupo, para ligues y cuadrilla; y sobre todo vulnerabilidad, búsqueda y rabia en su propia identidad. Pero incluso es impactante  su físico, todo en ella recuerda a las vírgenes, y santas jóvenes y mártires, de la iconografía tradicional. Para mí, se parece muchísimo a la Madonna Sixtina de Rafael (que en el cuadro aparece acompañada del Papa y Santa Barbara, martirizada por no renunciar a por su fe, por si nos faltaba simbología).

 

 También quiero mencionar la banda sonora de David Cerrejón y sus emocionantes versiones de “Into My Arms” de Nick Cave y “Aitormena” que canta el coro del colegio de Ainara.

 

Hace unos cuantos años triunfó un divertidísimo musical, que también trataba la vocación religiosa en un campamento de monjas, “La llamada”, de Javier Ambrossi y Javier Calvo. No pretendo compararlas porque no tienen nada que ver, cada una genial en su intención y estilo. Solo comento que comprendía mejor a aquellas chicas con ganas de fiesta a las que Dios les hablaba con canciones de Whitney Houston. 

Almudena Fernández Ostolaza.

Maspalomas

 

Los directores vascos  José Mari Goenaga y Aitor Arregui no paran de recoger premios por la película "Maspalomas" de 2025.

José Ramón Soroiz se mete en la piel de Vicente un hombre de 76 años que tras años en el armario y después de divorciarse de su mujer y tener una hija, sale del armario y vive con su pareja durante bastantes años hasta que deciden separarse y él empieza una nueva etapa de su vida en Maspalomas.

Es ahí donde da rienda suelta a una sexualidad libre,como hombre maduro y soltero. Le vemos siendo él mismo, feliz compartiendo piso con un amigo de su edad y pasando el tiempo libre en la playa,haciendo "cruising" en las dunas, en las fiestas de los locales nocturnos de la ciudad, en los cuartos oscuros.....Todo se tuerce cuando sufre un accidente que le obligará a regresar a San Sebastián y reencontrarse con su hija adulta a la que hace años,abandonó.

Vicente se verá abocado a vivir en una residencia para ancianos, entorno opresivo en el que decidirá ocultar su orientación sexual y volver al armario del que seguramente nunca pensó que iba a volver a entrar.

Quisiera destacar la interpretación de José Ramón Soroiz, totalmente inmerso en el personaje de Vicente, un hombre que después de haber librado mil batallas para aceptarse justo cuando creía que había alcanzado la paz de vivir tal como es, se ve en la última etapa de su vida atrapado en un entorno con normas, donde socializar está indicado y la soledad elegida parece un lujo que no está a su alcance.

Además de Soroiz, destacar la interpretación de Nagore Aranburu en el papel de hija de Vicente y Kandido Uranga en el papel del compañero de habitación de Vicente en la residencia de mayores.

Es una película magnífica por muchos motivos en mi opinión y a continuación os diré porqué.

1) Aborda al menos que yo sepa por primera vez en el cine ese retroceso en la liberación sexual y de la identidad que supone tener que entrar en el armario por segunda vez y además en una edad tan avanzada. Es posible ser originales, abordar historias que otros antes no plantearon.No todo está dicho ni creado y para muestra estos directores vascos que nos regalan una historia necesaria, novedosa y rompedora,

2) los actores y actrices están tan veraces, tan auténticos, tan honestos.....es imposible no empatizar con Vicente, por ejemplo pero todos en general nos resultan creíbles de manera natural, casi como si no estuvieran actuando.

3) ya de por si,se rompen tabúes y estereotipos al mostrar sexo explícito en cuerpos no normativos de personas mayores, me refiero a medidas perfectas y alejados de imperfecciones, pero además se rompen aún más tabúes si ese sexo se refiere a personas del mismo sexo en este caso. 

Es significativo y valioso porque el cine es también un medio de visibilidad de todo tipo de cuerpos y orientaciones.

4) La banda sonora está escogida muy conscientemente y justo el tema que suena en la escena final de Franco Battiato evoca esa idea de que el placer no tiene edad, idea que planea por la película de principio a fin........la escena final .......SPOILER...............es tan simbólica, desnudo, en el mar, no hay mayor representación de liberación, de por fin, desvestirse de todas las máscaras y ser quien es. FIN DE SPOILER.

En resumen, es un cine necesario,realizado con sensibilidad y realismo que nos habla de la necesidad de ser uno mismo, a cualquier edad y bajo cualquier circunstancia.

Además pone el acento en la visibilidad de otro colectivo,casi en paralelo, el colectivo de los mayores LGTBIQ +, porque TODOS/AS si antes la parca no tiene otros planes, pasaremos por esa fase donde la vejez se ha instaurado y puede se haya ido la piel tersa y en su lugar es posible acompañen canas,arrugas, flacidez, manchas en la piel,calvicie, exceso de kilos....qué se yo.....toda la imperfección que se os ocurra y sin embargo, por contra  siga persistiendo el deseo y las ganas de amar y ser amado.

Desde otro ángulo, la película además genera ese debate adicional de qué hacemos con los padres cuando envejecen ,las situaciones en las que les privamos de su capacidad de decisión muchas veces con el salvoconducto de que lo hacemos por su bien, incluso en los casos en los que están en aceptables facultades físicas y mentales.

Me ha gustado mucho la película y creo que es de visión obligatoria.

Si le dais una oportunidad y os apetece comentar, hacedlo con libertad.

Féliz fin de semana 

Troyana

La tarta del presidente

Tenía ilusión por ver esta película que se me escapó en el festival de Donostia. A mi compañera de Niudemones le encantó. Me interesan las películas que cuentan historias terribles a través de niños, lo que siempre le añade un toque de inocencia y de ternura que permite soportar los horrores. Recuerdo con emoción Las tortugas también vuelan, de Bahman Ghobadi, que ganó la Concha de Oro en 2004. Esta es la ópera prima de Hasan Hadi, un director de cine iraquí que muestra la dureza de la vida en el Irak de los años 90. Después de la Guerra del Golfo, la ONU impuso duras sanciones a Irak y el país sufrió un colapso económico y, como consecuencia, escasez de todos los productos básicos, corrupción y una población asfixiada por las circunstancias que se busca la vida como puede. En ese entorno, Lamia, una niña de nueve años que vive con su abuela, es la “afortunada” ganadora del sorteo que organiza su maestro y está obligada a hacer una tarta para celebrar el cumpleaños de Sadam. Por supuesto, eso se convierte en una tarea casi imposible. Conseguir huevos, harina y azúcar no está al alcance de la pequeña. Al día siguiente su abuela le propone un viaje a la ciudad donde la niña pasará el día, acompañada de su gallo y de su amigo Said, intentando conseguir los ingredientes para la tarta. Lo primero que me llamó la atención fue por qué el director sitúa la historia en esa época, no parece obedecer a un interés de denuncia. He leído en una entrevista que Hasan Hadi tenía aproximadamente la edad de la protagonista en aquella época y muchas de las cosas que aparecen están basadas en sus propios recuerdos. Cree que esa época de bloqueo cambió la sociedad iraquí y sus efectos aún siguen presentes. Afectó al tejido social, cambió la moral y extendió la corrupción. De hecho, los adultos que aparecen en la historia son, en su mayoría, crueles, malvados o indiferentes. Solo los niños mantienen la pureza, aunque también la situación les afectará y provocará que en algún momento muestren crueldad. Habría que reflexionar sobre utilizar el bloqueo como castigo a gobiernos, cuando quien realmente lo padece es el pueblo. Ha debido ser muy complicado el rodaje. Irak no tiene tradición cinematográfica y conseguir permisos era tan difícil como para Lamia conseguir azúcar. Tampoco resultaba sencillo encontrar técnicos o alquilar los equipos que necesitaban. La fotografía es maravillosa, tanto en las marismas donde viven Lamia y su abuela, como en la ciudad por callejas y mercados. Los actores no son profesionales y los dos niños, sobre todo Lamia, son un hallazgo. Tienen unas miradas que te traspasan y transmiten bien un deambular inocente en medio del caos que les rodea. Por lo visto, los padres de la niña no estaban nada de acuerdo en que su hija apareciera en una película y al director le costó mucho trabajo convencerles. La película ha cosechado varios premios, como la Cámara de oro a la mejor ópera prima en Cannes. Y, con todo, a mí me ha decepcionado. Quizás por exceso de expectativas, me resultaba demasiado naif, como si los actores adultos actuaran como muñecos de un guiñol, no conseguía creerme ninguna de las situaciones. No me he aburrido, he disfrutado de las imágenes y el tema me interesa, pero no ha conseguido emocionarme, me sentía muy alejada de lo que contaban.