Los domingos

 

Ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián, cinco Goyas y otros cinco Feroz, entre otros muchos galardones, probablemente pocas cosas nuevas se puedan decir de esta película de la que se ha dicho ya tanto: magistral, brillante, inteligente…, todas merecidas.

 

De entrada me sorprendía que un tema en apariencia minoritario como la vocación religiosa pueda llegar y conmover a tanta gente.  Y es que el tema no es la vocación, sino el shock que provoca en una familia la decisión de la hija adolescente de meterse monja de clausura.

Es una película que te revuelve. Sales con la sensación agridulce de haber visto una obra maestra y a la vez con un montón de inquietudes. La típica que no te sacas de la cabeza durante un tiempo.

 

La directora, Alauda Ruiz de Azúa, declaraba en una entrevista que no pretendía dar respuestas, sino hacer preguntas. Y ya lo creo que lo consigue. Mi sensación es que saca a la luz un temor todavía más universal que el peligro de que nuestras hijas se metan monjas y es la falsa ilusión de que controlamos el entorno de los menores. En especial en estos tiempos de pantallas, redes, fake news y ultraderecha. ¿A qué influencias hemos expuesto a toda una generación sin supervisión?

 

También dice Alauda Ruiz de Azúa en esa entrevista que el tema de la vocación religiosa le interesaba en sí mismo, pero también le daba una excusa para hablar de la familia. Y también lo borda. Uno de los prodigios de esta película es la inmersión. Desde el primer momento, como espectadora no tienes la sensación de ver una película, sino la de convivir con los personajes. Y están tan bien construidos que te da la impresión de conocerlos como a tu propia familia. No hay buenos ni malos, cada uno tiene sus problemas y sus puntos de vista. Aunque los hay mejores y peores. Patriarcado, sí; minusvalía emocional del padre, sí; antepone sus intereses a los de sus hijas y hermana, sí; se hace lo que él dice, sí.

 

Creo que merece un reconocimiento especial el trabajo del  extraordinario elenco y la dirección de actores. Patricia López Arnáiz, en el papel de la tía atea; Mabel Ribera, la abuela que prefiere no implicarse tanto; Miguel Garcés, el padre viudo que prioriza su negocio y su nueva relación.

Nagore Aramburu, como Madre priora, y Victor Sainz, como catequista, dan muchísimo miedo. Su nivel de manipulación es de libro. Os juro que cada vez que salían yo me ponía enferma.

Y hay dos papeles todavía más secundarios que, en mi opinión son magistrales. Leire Zuazua es Estíbaliz, la nueva novia de padre:  antes de que diga una frase deja evidente su condición de extraña al grupo con muchísimo poder. Y la amiga de Ainara, Izaskun, interpretada por María Rodríguez Maribona, que en sus escasos minutos nos hace saber que es más abierta, menos complicada y más popular que Ainara, buena amiga, buena persona y muy simpática.

 

He oído en un podcast que otro de los aciertos es que convence a los dos lados, ateos y creyentes. Se puede comprobar: si ponéis el título ahora mismo en un buscador, una web dice “La pureza y el misterio de Dios” y la siguiente “La mejor película de terror de 2025”. Es todo un ejemplo de cuestionar desde el respeto. ¿Por qué  decisiones que son un disparate, van a ser más razonables si están avaladas por la tradición o la iglesia? Y más cuando se trata de una chica que arrastra el vacío de la orfandad y busca desesperadamente respuestas. Qué peligro.

 

La protagonista, Blanca Soroa, es impactante. Capaz de transmitir inocencia e ilusión en su inclinación religiosa; colegueo o ser una más del grupo, para ligues y cuadrilla; y sobre todo vulnerabilidad, búsqueda y rabia en su propia identidad. Pero incluso es impactante  su físico, todo en ella recuerda a las vírgenes, y santas jóvenes y mártires, de la iconografía tradicional. Para mí, se parece muchísimo a la Madonna Sixtina de Rafael (que en el cuadro aparece acompañada del Papa y Santa Barbara, martirizada por no renunciar a por su fe, por si nos faltaba simbología).

 

 También quiero mencionar la banda sonora de David Cerrejón y sus emocionantes versiones de “Into My Arms” de Nick Cave y “Aitormena” que canta el coro del colegio de Ainara.

 

Hace unos cuantos años triunfó un divertidísimo musical, que también trataba la vocación religiosa en un campamento de monjas, “La llamada”, de Javier Ambrossi y Javier Calvo. No pretendo compararlas porque no tienen nada que ver, cada una genial en su intención y estilo. Solo comento que comprendía mejor a aquellas chicas con ganas de fiesta a las que Dios les hablaba con canciones de Whitney Houston. 

Almudena Fernández Ostolaza.

Maspalomas

 

Los directores vascos  José Mari Goenaga y Aitor Arregui no paran de recoger premios por la película "Maspalomas" de 2025.

José Ramón Soroiz se mete en la piel de Vicente un hombre de 76 años que tras años en el armario y después de divorciarse de su mujer y tener una hija, sale del armario y vive con su pareja durante bastantes años hasta que deciden separarse y él empieza una nueva etapa de su vida en Maspalomas.

Es ahí donde da rienda suelta a una sexualidad libre,como hombre maduro y soltero. Le vemos siendo él mismo, feliz compartiendo piso con un amigo de su edad y pasando el tiempo libre en la playa,haciendo "cruising" en las dunas, en las fiestas de los locales nocturnos de la ciudad, en los cuartos oscuros.....Todo se tuerce cuando sufre un accidente que le obligará a regresar a San Sebastián y reencontrarse con su hija adulta a la que hace años,abandonó.

Vicente se verá abocado a vivir en una residencia para ancianos, entorno opresivo en el que decidirá ocultar su orientación sexual y volver al armario del que seguramente nunca pensó que iba a volver a entrar.

Quisiera destacar la interpretación de José Ramón Soroiz, totalmente inmerso en el personaje de Vicente, un hombre que después de haber librado mil batallas para aceptarse justo cuando creía que había alcanzado la paz de vivir tal como es, se ve en la última etapa de su vida atrapado en un entorno con normas, donde socializar está indicado y la soledad elegida parece un lujo que no está a su alcance.

Además de Soroiz, destacar la interpretación de Nagore Aranburu en el papel de hija de Vicente y Kandido Uranga en el papel del compañero de habitación de Vicente en la residencia de mayores.

Es una película magnífica por muchos motivos en mi opinión y a continuación os diré porqué.

1) Aborda al menos que yo sepa por primera vez en el cine ese retroceso en la liberación sexual y de la identidad que supone tener que entrar en el armario por segunda vez y además en una edad tan avanzada. Es posible ser originales, abordar historias que otros antes no plantearon.No todo está dicho ni creado y para muestra estos directores vascos que nos regalan una historia necesaria, novedosa y rompedora,

2) los actores y actrices están tan veraces, tan auténticos, tan honestos.....es imposible no empatizar con Vicente, por ejemplo pero todos en general nos resultan creíbles de manera natural, casi como si no estuvieran actuando.

3) ya de por si,se rompen tabúes y estereotipos al mostrar sexo explícito en cuerpos no normativos de personas mayores, me refiero a medidas perfectas y alejados de imperfecciones, pero además se rompen aún más tabúes si ese sexo se refiere a personas del mismo sexo en este caso. 

Es significativo y valioso porque el cine es también un medio de visibilidad de todo tipo de cuerpos y orientaciones.

4) La banda sonora está escogida muy conscientemente y justo el tema que suena en la escena final de Franco Battiato evoca esa idea de que el placer no tiene edad, idea que planea por la película de principio a fin........la escena final .......SPOILER...............es tan simbólica, desnudo, en el mar, no hay mayor representación de liberación, de por fin, desvestirse de todas las máscaras y ser quien es. FIN DE SPOILER.

En resumen, es un cine necesario,realizado con sensibilidad y realismo que nos habla de la necesidad de ser uno mismo, a cualquier edad y bajo cualquier circunstancia.

Además pone el acento en la visibilidad de otro colectivo,casi en paralelo, el colectivo de los mayores LGTBIQ +, porque TODOS/AS si antes la parca no tiene otros planes, pasaremos por esa fase donde la vejez se ha instaurado y puede se haya ido la piel tersa y en su lugar es posible acompañen canas,arrugas, flacidez, manchas en la piel,calvicie, exceso de kilos....qué se yo.....toda la imperfección que se os ocurra y sin embargo, por contra  siga persistiendo el deseo y las ganas de amar y ser amado.

Desde otro ángulo, la película además genera ese debate adicional de qué hacemos con los padres cuando envejecen ,las situaciones en las que les privamos de su capacidad de decisión muchas veces con el salvoconducto de que lo hacemos por su bien, incluso en los casos en los que están en aceptables facultades físicas y mentales.

Me ha gustado mucho la película y creo que es de visión obligatoria.

Si le dais una oportunidad y os apetece comentar, hacedlo con libertad.

Féliz fin de semana 

Troyana

La tarta del presidente

Tenía ilusión por ver esta película que se me escapó en el festival de Donostia. A mi compañera de Niudemones le encantó. Me interesan las películas que cuentan historias terribles a través de niños, lo que siempre le añade un toque de inocencia y de ternura que permite soportar los horrores. Recuerdo con emoción Las tortugas también vuelan, de Bahman Ghobadi, que ganó la Concha de Oro en 2004. Esta es la ópera prima de Hasan Hadi, un director de cine iraquí que muestra la dureza de la vida en el Irak de los años 90. Después de la Guerra del Golfo, la ONU impuso duras sanciones a Irak y el país sufrió un colapso económico y, como consecuencia, escasez de todos los productos básicos, corrupción y una población asfixiada por las circunstancias que se busca la vida como puede. En ese entorno, Lamia, una niña de nueve años que vive con su abuela, es la “afortunada” ganadora del sorteo que organiza su maestro y está obligada a hacer una tarta para celebrar el cumpleaños de Sadam. Por supuesto, eso se convierte en una tarea casi imposible. Conseguir huevos, harina y azúcar no está al alcance de la pequeña. Al día siguiente su abuela le propone un viaje a la ciudad donde la niña pasará el día, acompañada de su gallo y de su amigo Said, intentando conseguir los ingredientes para la tarta. Lo primero que me llamó la atención fue por qué el director sitúa la historia en esa época, no parece obedecer a un interés de denuncia. He leído en una entrevista que Hasan Hadi tenía aproximadamente la edad de la protagonista en aquella época y muchas de las cosas que aparecen están basadas en sus propios recuerdos. Cree que esa época de bloqueo cambió la sociedad iraquí y sus efectos aún siguen presentes. Afectó al tejido social, cambió la moral y extendió la corrupción. De hecho, los adultos que aparecen en la historia son, en su mayoría, crueles, malvados o indiferentes. Solo los niños mantienen la pureza, aunque también la situación les afectará y provocará que en algún momento muestren crueldad. Habría que reflexionar sobre utilizar el bloqueo como castigo a gobiernos, cuando quien realmente lo padece es el pueblo. Ha debido ser muy complicado el rodaje. Irak no tiene tradición cinematográfica y conseguir permisos era tan difícil como para Lamia conseguir azúcar. Tampoco resultaba sencillo encontrar técnicos o alquilar los equipos que necesitaban. La fotografía es maravillosa, tanto en las marismas donde viven Lamia y su abuela, como en la ciudad por callejas y mercados. Los actores no son profesionales y los dos niños, sobre todo Lamia, son un hallazgo. Tienen unas miradas que te traspasan y transmiten bien un deambular inocente en medio del caos que les rodea. Por lo visto, los padres de la niña no estaban nada de acuerdo en que su hija apareciera en una película y al director le costó mucho trabajo convencerles. La película ha cosechado varios premios, como la Cámara de oro a la mejor ópera prima en Cannes. Y, con todo, a mí me ha decepcionado. Quizás por exceso de expectativas, me resultaba demasiado naif, como si los actores adultos actuaran como muñecos de un guiñol, no conseguía creerme ninguna de las situaciones. No me he aburrido, he disfrutado de las imágenes y el tema me interesa, pero no ha conseguido emocionarme, me sentía muy alejada de lo que contaban.

Hermanas hasta la muerte

HERMANAS HASTA LA MUERTE

Me regalaron un móvil de los caros. Yo quería uno chino, pero no; me cayó por navidades un móvil de esos que jamás me compraría motu proprio en la vida. Ya que tenía móvil de esos caros, también me salían tres meses de suscripción gratuita a su canal, así que me veis exprimiendo dicho canal de la manzanita. Y como de Slow Horses ya nos habló la mona Jacinta más de una vez, además. Gracias por ello. Echadle un ojo. Os hablaré de otra serie mucho más modesta pero no exenta de suspense, a la par que de sentido negro del humos. La serie en cuestión se llama “Hermanas hasta la muerte” (En el original Bad Sisters) y cuenta las tribulaciones de cinco hermanas irlandesas. La historia empieza con una celebración familiar y ya, desde el primer minuto, hay un personaje masculino cargante e insoportable que acrecenta su “insoportabilidad” a lo largo de toda la trama. Pero primero presentemos a las hermanas Garvey:

Eva, Grace, Ursula, Bibi y Becka son las cinco hermanas que quedaron huérfanas muy pronto. Eva se encargó de cuidar a sus hermanas y de criar a Becka, la pequeña. Eva no se casó, pero sí lo hicieron Grace, Ursula y Bibi, esta última con una mujer. Becka aún está soltera. Grace está casada con John Paul (Como el papa polaco tenía que llamarse). John Paul es el tipo que he mencionado al principio: Bocazas, machista, aprovechado, dominador...Mala persona, vaya. Es un “cuñao” en todas las acepciones. Las hermanas de Grace lo odian porque a todas y cada una les ha hecho alguna putadita con menor o mayor gravedad.

El “cuñao” al que todas quieren muerto La gracia de la serie es que la historia no es lineal. Salta continuamente en el tiempo. Ahí está su gracia y no os hago spoiler cuando os digo que el odiado “cuñao” muere, porque ese es el origen de la historia que nos narran. La gracia es en saber cómo y quién ha sido el autor de su muerte ¿accidental? Para acabar de liar la cosa, hay dos agentes de seguros que intentan, por todos los medios, demostrar que la muerte fue intencionada porque el seguro a cobrar es una morterada y no están dispuestos a pagar.

Los del seguro, que también son hermanos. Y esta es la gracia de la serie: Líos familiares, paisajes irlandeses, catolicismo irlandés y, como no, pubs y bebidas alcohólicas por doquier. Tópicos irlandeses por todas partes. Hay una segunda temporada que no tiene tanta gracia como la primera, pero que de suspense no está nada mal. Recomendable de todas, todas. Saludos, Juli Gan.

La buena esposa (The Wife, 2017)

 

Es esta una peli dirigida por el sueco Björn Runge, interpretada por Jonathan Pryce y Christian Slater y protagonizada, en el rol de Joan Castleman, por una magnífica Glenn Close, que se llevó el premio a la mejor actriz en los Globos de Oro de 2019. Se da la curiosidad de que a la joven Joan Castleman la interpreta Annie Starke, hija de Glenn Close.

Está basada en la novela homónima de MegWolitzer, una escritora nacida en Brooklyn y criada en la fe judía,
al igual que el coprotagonista Joe Castleman, interpretado por Jonathan Pryce. La novela The wife se publicó originariamente en 2003. En español podéis encontrarla en Alba Editorial.

La buena esposa del título es la cónyuge de un novelista de éxito. Llevan cuarenta años casados, durante los cuales la buena de Joan Castleman, a pesar de haber tenido una vida más que digna en ambientes de élite intelectual y con un buen pasar económico, ha ido tragando disgustillos y frustraciones que le brotan de golpe cuando a su marido le conceden en 1992 el Premio Nobel de Literatura.

El film se centra principalmente en ese puñado de días que la pareja, su hijo y un periodista tocapelotas (Christian Slater), empeñado en sacar a la luz ciertos trapos sucios, pasan en Estocolmo, un Estocolmo de mentirijillas filmado en Escocia.

Se me ocurría, mientras veía la peli, y lo sigo pensando, que es una obra muy teatral, que se adaptaría muy bien a las tablas, reducida a los acontecimientos que tienen lugar en Estocolmo y prescindiendo de los flashbacks que nos dan pinceladas de esos anteriores cuarenta años de convivencia de la pareja.

También pensaba que había un gran desequilibrio entre esos cuarenta años de aparente calma, en los que apenas sucede nada, y el montón de cosas que pasan de repente en Estocolmo. Pero luego me di cuenta de que eso es exactamente lo que ocurre con las emociones de la protagonista: en cuarenta años soporta malos tragos y luego ese malestar acumulado explota de golpe en unos pocos días.

Esta explosión emocional no la vive solo Joan Castleman, sino también su marido (está muy nervioso con esto del premio y no anda bien de salud) y su hijo, que amontona también unas cuantas frustaciones, ayudados todos por el periodista que interpreta Christian Slater, que se encarga de meter cizaña entre los miembros de la familia para ver si consigue provocarlos y que larguen.

El resultado son escenas de gritos y discusiones, bajo la presión del foco mediático mundial, en las que estos intelectuales de talla se comportan como adolescentes desequilibrados, sueltan un montón de tacos y hacen verdaderas tonterías.

Es inevitable pensar en los hechos reales que pudieron inspirar la novela de Wolitzer en la que se basa esta película. Las referencias son infinitas, pero yo solo os voy a nombrar tres.

En primer lugar, Maite Orduña, en un artículode 2018 en Moon Magazine nos habla del caso de la directora rusa Yuliya Solntseva, que se pasó décadas filmando películas que firmaba su marido.

En segundo lugar, cómo no recordar el caso de María Lejárraga, que escribía lo que luego publicaba y cobraba su marido Gregorio Martínez Sierra.

Y la tercera referencia, aunque sucedió, después de la peli (la vida imita al arte), es el caso de Mario Vargas Llosa.

En La buena esposa es muy importante la escena del discurso de agradecimiento que pronuncia Joe Castleman tras haber recibido el Nobel. Aunque su mujer, para entonces ya bastante rebotada, le había pedido que no la nombrara en el discurso ni le diera las gracias, él no le hace ni caso y se pasa casi todo el tiempo elogiando su papel y diciendo que el premio también es para ella.

Pues claro, yo inevitablemente de acordé del discurso de agradecimiento de Mario Vargas Llosa, Nobel de Literatura en 2010, en el que no hizo otra cosa que elogiar a su esposa Patricia, a la que cinco años más tarde abandonó por otra mujer, tras cincuenta de matrimonio.

Para acabar, La buena esposa es una sutil denuncia del mundo hipermasculinizado de la edición literaria y de los premios. Sabed, por ejemplo, que en Estocolmo hay una encargada de las esposas de los premiados, todos hombres, que les propone ir de compras y a salones de belleza.

Me quedo, en fin, con la última escena de la peli: Glenn Close sonríe al contemplar una hoja de papel en blanco. Esa hoja es el resto de su vida, que escribirá ella como quiera.

Hamnet

Quiero comenzar recomendando a los que no hayáis leído la novela de Maggie O´Farrell que la leáis sin falta. Una singular historia de amor entre William Shakespeare y su esposa, Anne o Agnes Hathaway, en la que, sorpresa, la protagonista es ella. El libro otorga voz y una atractiva personalidad a una mujer fuerte y original, completamente ignorada por la historia, que quizá fuera decisiva en la carrera del dramaturgo. Amor y duelo. Rebeldía y genio creativo. Si le añadimos la maestría indiscutible de O´Farrell y el trenzado con el drama «Hamlet», resulta una de las grandes novelas del siglo. Atrapa de tal manera que importa muy poco cuánto hay de rigor histórico y cuánto ha sido inventado por la novelista. Probablemente casi todo, da igual. El respeto por la novela de la directora del film, Chloé Zhao, fue tan extremo que se negó a dirigir la adaptación si Maggie O´Farrell no escribía con ella el guion y, por suerte, lo hizo.

La película también me ha impactado. Con unas herramientas completamente diferentes consigue transmitir sensaciones muy parecidas. El lenguaje rico y adornado de Maggie O,Farrel, que en la novela evoca un exquisito bordado con delicados hilos y los colores más sutiles, se transforma en imágenes igualmente sensoriales en las que la palabra, sin embargo, tiene poca relevancia. Chloé Zhao apuesta por un sonido evocador e inmersivo a base de trinar de pájaros, zumbar de insectos —la naturaleza es un elemento esencial en la historia—, risas, jadeos, respiraciones y una excelente banda sonora de Max Richter, al que pidió que incluyera un tema que ya había aparecido en «La llegada» y en «Shutter Island», a la directora le daba igual que no fuera original porque era magistral. El segundo elemento mágico es la fotografía, tanto en el tratamiento de los paisajes y verdes de la naturaleza —salvaje pero bienhechora, omnipresente en la cinta—, como en el simbolismo del color en las ropas de los protagonistas: para ella rojo o negro, dependiendo de su momento vital; un elegantísimo azul grisáceo para él, que también se torna en gris oscuro cuando se requiere. Me ha recordado a la impactante fotografía de la película «Emily», sobre la escritora Emily Brontë. El tercer acierto es la elección de la pareja protagonista: Jessie Buckley y Paul Mescal encarnan a Agnes y William no solo con carisma y verosimilitud, consiguen transmitir también el silencio, lo que no se explica, la parte oscura. Es así mismo remarcable la actuación de Emily Watson como madre del escritor y de las jóvenes actrices Bodhi Rae Breathnach, como Susanna, y Olivia Lynes como Judith, las dos hijas de la pareja. Y merecen una mención especial los hermanos Jupe: Noah encarna a Hamlet y el pequeño Jacobi, a un inolvidable Hamnet. La representación teatral dentro de la película transporta a las maravillosas adaptaciones de Kenneth Branagh. ¡Cuánto Shakespeare nos enseñó ese hombre! Tengo que confesar que lloré un montón en el cine porque trata el duelo sin anestesia. Muestra cómo la muerte nos arranca no solo a nuestros seres queridos, sino una parte enorme de nuestras vidas; no nos permite seguir siendo los mismos. Su dolor te atraviesa. Lo vives con ellos, lo sufres con ellos. Pero también su alegría, su romance, su paternidad y maternidad, sus ilusiones, su talento, su capacidad de comprender y de crear belleza… Si salís del cine tan tristes pero arrebatados como yo, os reconfortará el baile que montaron tras el rodaje. No os lo perdáis. Hamlet o Hamnet esa es la cuestión. Almudena Fernández Ostolaza.

Rental Family

 Llego hasta "Rental family " película japonesa del 2025 de la directora Hikari, a través del maravilloso programa de cine de la 2 "Días de cine".

La película sigue los pasos de un actor estadounidense que intenta salir adelante en el Japón actual mediante trabajos de poca monta hasta que le proponen trabajar para una empresa que ofrece "familias de alquiler", es decir, esposo, amigo, padre, novio o cualquier otro rol que el cliente demande a domicilio.

En una sociedad donde la soledad y el aislamiento están a la orden del día y donde ir a terapia está estigmatizado, parece una necesidad rentable en el mercado, comprar un bienestar emocional que de otro modo parece difícil conseguir.

"Rental family" se convierte así en una película agradable de ver donde contra todo pronóstico, los vínculos humanos superan los acuerdos mercantiles y se establecen auténticas vinculaciones afectivas que desafían la relación compra-venta.

Se puede interpretar como una crítica no sólo hacia el capitalismo de las ciudades modernas sino además hacia el patriarcado donde pocas opciones le quedan a una mujer que por ejemplo es madre soltera y aspira a tener una plaza en un colegio privado para su hija ,sobre todo porque no cuenta con la figura de un padre, cabeza de familia que asegure el bienestar de la familia a la antigua usanza y configure esa idea de familia nuclear tradicional.

Es en una sociedad donde producir y consumir es la maquinaria que impera en toda ciudad del primer mundo pero además esa imagen de un edificio en la noche con cada vivienda con las luces encendidas, a modo de colmena, donde cada vecino/a vive su vida y está incomunicado del resto, pero produce y se ve envuelto a veces en una existencia sin sentido donde ha de recurrir a un servicio de pago para que alguien le haga sentir que importa.

Aún con todo, la película es amable, auténtica, te hace reir y llorar y también se revuelve contra quienes intentan hacer negocio en esas grietas que la sociedad deja repletas de vacío y soledad.

Nos habla además de la memoria, de la importancia de conservar el recuerdo de lo que te hizo sentir vivo y feliz, de volver al origen a la raíz,de tomar conciencia de que somos mientras recordamos y  somos recordados.

Apuesta por la fluidez y la calidez de las relaciones humanas en lo sencillo y lo cotidiano, en lo genuino de los vínculos que surgen entre desconocidos sin estar estrictamente planificados.

No esperaba mucho del título ni de la portada pero la verdad es que la película ni es dulzona ni es una telecomedia barata de sobremesa, con todos mis respetos hacía las películas de la hora de la siesta.

Quisiera destacar la interpretación de Brendan Fraser, actor que ganó el oscar por la película "La Ballena". Él da credibilidad y honestidad a las emociones que experimenta su personaje y nos conduce por un viaje que va desde la mera interpretación de un rol a la verdadera conexión afectiva que de manera espontánea sucede entre él y algunos de sus clientes.

Haced por verla y saldréis del cine con una sonrisa, que es algo, que igual podríamos practicar más.

Féliz fin de semana.

Troyana