Sin Sentido y sin Sensibilidad

El anhelo romántico, el saber que «nadie conoce tu corazón como una hermana» y que «ser amable nunca le hizo ningún bien a una mujer», frases repetidas en los carteles y en la promoción del film, nos debían dar las pistas de la interpretación de la directora Georgia Oakley y opera prima de la guionista Diana Reid, en esta adaptación de la primera obra publicada de Jane Austen.

Considero que Sense and Sensibility (y mantendré el título original para evitar elegir una traducción en particular), siempre ha sido una obra afortunada, al igual que ‘Emma’, con buenas series hechas por la BBC, desde aquella setentera con Robin Ellis, el Poldark «viejo» como Edward, la de los 80 que tiene mi Brandon favorito (Robert Swann), e incluso la más moderna de 2008, si evitamos pensar en el flaco favor que hace a la historia saber quién será el villano a los 5 minutos de comenzar.

Quizá en esa lista, el año pasado, Hallmark nos coló una versión estridente que hay que evitar, pero en general, desde 1995, todos sabemos que el top cinematográfico original de Austen, fue esta historia, cuando la guionizó Emma Thompson y la dirigió Ang Lee. La gran adaptación de los 90 para el cine de Austen, que marcó un antes y después no sólo a la hora de adaptar a la autora, si no, que influyó en el modo de hacer cine de época, que puede encontrar su propio lenguaje cinematográfico mientras homenajea al original, y se disfruta con un espectacular reparto.

Partiendo de que hacer una nueva película de Sense and Sensibility sería una tarea bastante ardua, al tener la joya del 95, en esta ocasión se parte de una visión intimista, fiel a lo que la emoción va a crear en el espectador, una persona a la que considero tras ver el film, no debe conocer mucho de Austen o la obra original o sus adaptaciones.

Lo importante en esta versión es la exaltación sentimental de la emoción, cual una Marianne en pleno tormento, pero pasada a través de las redes sociales actuales, y por eso lo importante es «presentar» ese deseo romántico evidente, sin profundizar y tamizado por un filtro de color marrón, tipo «Aesthetic Brown» de Instagram, que nos recuerde la comodidad y la calma aparente, en un film que no aprovecha la naturaleza que quiere mostrar, como tampoco toma partido por el texto original, y decide poner la imposición de que las hermanas se parecen mucho más y no son polos opuestos, o que la rebeldía es innata y preferible para la mujer, sin importar la bondad o la hermandad.

Y la rebeldía principal no es la que se añade a los personajes, es la que sufrimos con los cambios en la historia. Es verdaderamente escandaloso cómo, una vez más, supongo, para querer traer al público más joven o inexperto, se nos toma el pelo con una serie de cambios que carecen de sentido en el momento de la época, y no me refiero a la raza de tal o cual actor, a la aparición de un intérprete no binario, el molesto peinado que llevan (especialmente Marianne) o las ropas carentes de color, que las hacen ver descuidadas y poco mujeres de la época, por ejemplo. Lo que aquí sufrimos es la transformación de personajes y sus motivaciones.

Los responsables de esta película, que ha contando con una gran campaña de marketing, y querer venderla como la historia de 2026 que más se acerca al ‘Orgullo y Prejuicio’ de 2005, consideran que los personajes de Austen no son lo suficientemente atractivos para mantenerles o al menos mostrarles respeto por su personalidad literaria, y al igual que ocurre en la mayoría de adaptaciones de ‘Mansfield Park’, hay que lobotomizarlos para que el público actual los quiera y acepte sus motivaciones, hay que cambiarles sus historias de origen, hay que dejarlos con una masculinidad suavizada, aumentar el poder femenino de forma poco elegante, o añadir escenas que no tienen sentido por cumplir con la cuota de romanticismo cursi y ñoño, como si de un prompt u orden que se le da a una inteligencia artificial se tratara, o si no, la película no funcionará.

Verdaderamente como fan de Austen, sientes «vergüenza» ajena cuando el romance de Elinor y Edward queda reducido a suspiros, guiños, risitas y dos personajes que no reconoces. Mientras, Marianne triunfa con un mayor protagonismo que el de su hermana, a la vez que sus dos pretendientes son dos imágenes borrosas, pues están minimizados, y para que resalten algo, y sean rescatados, se les crea una escena artificial sacada de un folletín en la que la mediana de las Dashwood puede comprobar la hombría entre ellos y tomar una decisión.

Norland, el leit motiv del comienzo de la obra, apenas es mostrado en esta película, más obsesionada por una estética campestre y «sucia», hasta la llegada a Londres, donde tampoco parece brillar la capital. A todo esto, además de los colores tristes de todo el film, y esa tendencia al desaseo, la música no nos deja un gran recuerdo, y lo único relacionado con la melodía que lamentablemente recordaremos, serán los bailes, que están extrañamente coreografiados, suponemos que por alguna decisión de la realizadora, que ignoramos.

Queda sólo hablar de las actuaciones, y aquí podemos rescatar a Daisy Edgar-Jones (Elinor), George MacKay (Edward) y Herbert Nordrum (Brandon), que hacen lo que la dirección les pide de forma muy solvente, especialmente Brandon, aunque no le permitan brillar mucho. Daisy y George están correctos, pero es una pena que las personalidades de sus personajes, especialmente la de él, sean dificilmente reconocibles. La Marianne de Esmé Creed-Miles es excesiva y bastante inaguantable, en nuestra opinión, y la inocencia de la misma no se puede basar solamente en que es una chica «de la naturaleza», un cervatillo presa de la sociedad (hay una escena evidente de esta metáfora), que detesta el sentimiento de la joven. La acompaña el sosísimo Willougby de Frank Dillane, y es curioso que tanto Esmé como Frank, hijos de actores conocidos (la querida Samantha Morton y Stephene Dillane), parecen necesitar clases de actuación, o bien, que los dirijan mejor. Quien desde luego necesita mejorar es Eliot Sumner (progenie del cantante Sting), independientemente del papel que interprete. Sólo nos queda resaltar a Catriona Balfe y Bodhi Rae Breathnach, como mamá Dashwood y Margaret, a las que poco papel les dan, y Fiona Shaw, excesiva y caricaturizada como señora Jennings, buscando la risa pero que resulta ser triste y patética. De los demás actores, no hablo, porque no se les da suficiente tiempo, ni siquiera a la villana Lucy Steele, que como veréis, también queda justificada.

En resumidas cuentas, si pensábamos que ‘Sense and Sensibility’ 2026 nos traería de vuelta a la Jane Austen clásica en la gran pantalla tras la última adaptación perpetrada por Netflix con Persuasión, tendremos que seguir sentadas y esperar, y no parece que la solución nos la vaya a dar la plataforma de streaming con su serie de ‘Orgullo y Prejuicio’, aunque ojalá nos equivoquemos, y si no, siempre nos quedara ‘The Other Bennet Sister’ como lo mejor que trajo 2026, y recordemos que fue una inspiración austeniana, porque vivimos tiempos oscuros, donde la creación y el genio quedan supeditados a la falta de ideas, como el film de Georgia Oakley nos enseña.

Carmen Romero

Publicado originalmente en El Rellano: https://blog.janeausten.org.es/critica-de-sense-and-sensibility-2026-sin-spoilers/

#reseñas #senseandsensibility #janea

74 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián

La 74 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián ha sido muy buena. Yo creo que Rebordinos quería despedirse dejándonos un buen sabor de boca y, en mi caso, lo ha conseguido. Os voy a comentar mis pelis favoritas de esta edición. Naza Dirección: Yuval Abraham, Rachel Szor Esta es una película muy necesaria, como todas las que nos cuentan algo que no conocemos sobre el terrible genocidio perpetrado por el estado de Israel en Gaza. Estoy agradecida al festival por posicionarse y traer pelis así a nuestro festival. Me gustó especialmente conocer más el detalle detrás de las operaciones militares. Los testimonios ayudan a entender cómo se eligen los objetivos y cómo se decide sobre los ataques. Esto ayuda a desmontar bulos como "Matamos inocentes porque los terroristas usan a la población civil como escudo". Yo sabía que esto no era así, pero ahora tengo más argumentos para explicar por qué. Algunas cosas que cuentan no terminan de aportar esa "explicación" y seguimos sin entender qué hay detrás de ciertas decisiones. Como cuando deciden disparar a las personas que acuden a los repartos de comida. ojalá más israelíes valientes como sus directores y ojalá termine ya este genocidio que sigue ocurriendo mientras escribo esta reseña. Free Palestine Tender, loving care Dirección: Mike Leigh Intérpretes: Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O'Flynn, Alice Bailey Johnson Mientras veía esta peli, se me venía a la cabeza la palabra "Lovely", "What a lovely movie". Es una palabra que da gusto ver, los personajes te caen bien, te hacen sentir bien, te conecta con la humanidad. Esto último me parece fundamental en los tiempos que corren. Parece una película pequeña, en número de personajes, de localizaciones, no ocurren millones de cosas. Aunque parezca pequeña, la película te mantiene conectada. Toca temas difíciles, tristes, pero lo hace con sensibilidad, respeto y sentido del humor. Los cuatro actores principales están fenomenal, transmiten mucha verdad. Me gusta mucho ver una buena peli ensalzando los cuidados, la importancia de la gente que cuida de su entorno, de sus amigas recién separadas, de sus padres, de sus hijas... Y sobre todo, nos enseña una cosa fundamental, lo importante que es tener siempre mucho té y mucho vino en casa, nunca sabes cuándo va a hacer falta. La bola negra Dirección: Javier Calvo, Javier Ambrossi Intérpretes: Guitarrica de la Fuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close Mi hija y yo salimos del Teatro Principal comentando "cómo nos gusta todo lo que hacen los Javis". Hasta ahora no recuerdo una peli o serie suya que no me haya emocionado. Me encantó La llamada en 2017 (así como me encantó el musical en el teatro Lara). También los seguí durante OT 2018 y disfrutaba mucho de sus clases de interpretación. Me los imagino dirigiendo a sus actores y actrices de forma similar a como ayudaban entonces a los participantes a preparar sus canciones. Por eso no me extraña que sean capaces de sacar lo mejor tanto de actrices consagradas como de actores noveles. La bola negra reúne grandes cualidades de su cine. El lenguaje visual y la fotografía son muy bonitos (no hay más que ver el tráiler), la historia te atrapa y las tres tramas entrelazadas están muy bien equilibradas y mantienen el ritmo a lo largo de la película, que no se hace nada pesada a pesar de durar 159 minutos. Sensibilidad, sentido del humor, grandes interpretaciones, un par de números musicales muy bien integrados y un homenaje a Lorca, ¿qué más queremos? Me encantó Carlos González (no había visto nada suyo) y el papel secundario de Judeline. Os recomiendo escuchar las entrevistas de los directores y del equipo después de verla para conocer detalles interesantes sobre cómo se ha construido La bola negra. Por cierto, felicidades al equipo de arte, las bolas negras de la película son preciosas. The housewife Dirección: Ben Shirinian Reparto: Naomi Watts, Tye Sheridan, Luke Evans, Michael Imperioli, Lena Olin, Debi Mazar Las pelis que se proyectan en la gala del Premio Donostia suelen ser buenas y comerciales, que en el contexto festivalero siempre se agradece. The housewife también encaja en este modelo. Me gustó mucho. Naomi Watts está maravillosa en su papel de primorosa ama de casa que esconde un secreto. El argumento es la investigación de un joven periodista del New York Times acerca de un nazi que, según parece, se oculta bajo una identidad falsa en Nueva York. En sus pesquisas trata todo el tiempo con la mujer del nazi que le despierta una gran simpatía. Pero las cosas son aún más complicadas de lo que parece. La historia se desarrolla en 1962, lo que le da una estética que me encanta: los vestidos, las casas, los electrodomésticos. Un detalle, para que nadie se pase media peli sufriendo como yo porque no sabía de qué me sonaba tanto Michael Imperioli: es el más joven de los mafiosos de los Soprano. Ruega por nosotras Dirección: Daniel Monzón Reparto: Zoe Bonafonte, Manuela Calle, Adelfa Calvo, María Cerezuela, Shiara Fernández, Carla Domínguez, María Gandiaga, Malena Gutiérrez, Belén Cruz, Bea Segura, Xavi Sáez Esta es una buena película sobre una historia sobrecogedora: la de las niñas que fueron tuteladas por el Patronato para la Protección de la Mujer. En los últimos tiempos, la actividad en redes de Consuelo García del Cid, una de las víctimas, nos ha permitido conocer detalles de esta historia. Las actrices están muy bien elegidas e interpretan de forma muy convincente a las niñas tuteladas. Está muy logrado el contraste de lo terrible de la historia con la energía y vitalidad de las chicas, que, por terribles que sean sus circunstancias, no pueden evitar comportarse como niñas. Las monas estuvimos en la rueda de prensa. Yo tenía mucho interés porque fui compañera de colegio de Consuelo García del Cid. De hecho, me ha sorprendido mucho que la película esté basada en libros, tesis universitarias y otros documentos y que no hayan aprovechado la ventaja que ofrecía contar con el testimonio real de las víctimas, que hubiera dado una visión más rica y real de la historia. De hecho, Consuelo tiene varios libros publicados, uno con el mismo título que la película, y la historia que se cuenta en la película tiene muchas coincidencias con su propia biografía, pero por algún motivo no quisieron contar con su colaboración. Vi más películas, pero las reservaré para otra entrada porque esta ya es muy larga.

El día de la revelación

 

Disclosure day (2026) está producida y dirigida por Steven Spielberg, con un guion  escrito por  David Koepp a partir de una historia del propio Spielberg. Mientras veía yo la peli en una sala de cine con sofás, me daba todo el rato la sensación de que en el origen del disclosure day había una pieza literaria, una novela o relato de ciencia ficción, pero no.

La música, excelsa como casi siempre, es del no menos excelso John Williams y en el reparto abundan las y los británicos: Emily Blunt, Colin Firth, Josh O’Connor (me costó reconocerlo, pues la última vez que lo vi estaba totalmente mimetizado como King Charles en The Crown) y Eve Hewson, que es hija de Bono, el de U2. También está en el reparto Colman Domingo, que aporta todo su prestigio en las tablas y es de Filadelfia.

La fijación de Spielberg con los extraterrestres nos ha hecho pasar muy buenos ratos a mí y a la mitad de la población mundial, por lo menos. No voy a hacer aquí una lista de todas las pelis que ha dirigido en las que aparecen, más o menos protagónicamente, los extraterrestres. Solo voy a destacar un par: la primera, La guerra de los mundos, de la que ya os he hablado largamente en este blog.

Y la segunda y mejor de todas, Encuentros en la tercera fase, de la que también os he hablado con más entusiasmo que rigor. De hecho, este día de la revelación podría ser una especie de secuela, unos encuentros en la cuarta fase que llegan casi cincuenta años (¡¡cincuenta años!!) más tarde, sin presentarse como tal, pero quizás queriendo revisitar o actualizar el asunto.

 Lo cierto es que ambas pelis tienen un punto narrativo parecidísimo: hay ciertas gentes elegidas por los alienígenas, sin saber que lo son, porque estos extraterrestres, bien bonachones ellos, quieren ayudar a los humanos; y también hay fuerzas malvadas (el gobierno de los Estados Unidos y una corporación de esas chungas) que se empeñan en no contar la verdad y dilapidan el presupuesto público en ocultarla.

El día de la revelación trata también otros asuntos habituales en el cine de Spielberg como la verdad, el control, el poder y la religión. Quizás aquí está más presente que nunca la religión católica, aunque el tratamiento es más fantástico que otra cosa; resulta difícil distinguir este dios cristiano al que invocan los personajes de cualquier otra criatura con superpoderes, pues todo queda envuelto en ese sentido de lo maravilloso, con un pequeño toque Disney, que tan hábilmente integra el director en un telón de fondo bien construido, que es nuestro mundo al borde de la tercera guerra mundial.

Entran en juego, pues, el poder político y el poder absoluto de las corporaciones contra la religión, los extraterrestres, las y los elegidos por estos y unos pocos malvados que van dándose cuenta de que es imposible encerrar la verdad en bases de datos encriptadas y se unen a las fuerzas del bien.

Los enfrentamientos y escaramuzas se plasman en unas escenas de acción en las que Spielberg se luce, como siempre. Creo que ya os he confesado alguna vez que a mí las escenas de acción (por lo general, peleas y persecuciones) me aburren bastante todas, excepto las de Spielberg, que son geniales y probablemente las mejores que haya dado nunca la historia del cine.

Acabo esta reseña contándoos algo de la escena final de la peli. Os pongo en contexto: los extraterrestres han elegido a Emily Blunt para transmitir al mundo un mensaje muy importante. Se lo susurran al oído y ella, que entiende su lengua,  debe difundirlo en una emisión televisiva en directo. Esto me recordó muchísimo a otra peli que también tiene una escena final en la que alguien susurra a alguien un mensaje al oído: hablo, claro está, de Lost in translation. Con este precedente y con ser un poquito seguidora de Spielberg, ya podíamos suponer todas que este mensaje no nos iba a ser revelado y así es: no se nos revela y eso nos da pie a darle el contenido que nos apetezca.

Así que me toca hacerme las mismas preguntas que me hice con Lost in translation: ¿qué te dijeron, Emily, esas criaturitas del espacio exterior? ¿Que nos vamos a hacer papilla en la próxima guerra global? ¿Que nos va a achicharrar el calentamiento también global? ¿Que las corporaciones y los gobiernos fascistoides conspiran contra nuestras vidas? Podemos especular todo lo que queramos y así prolongamos la diversión.

Y, sin más, hasta la próxima, se despide vuestra amiga

 

Noemí Pastor

 

Gone

 

Es una serie de investigación policial creada por George Kay y dirigida por Richard Laxton, con todos los elementos de las historias clásicas: un escenario británico, Bristol, un colegio privado muy tradicional, una mujer que desaparece y una investigadora con sus propios problemas personales.

La trama gira en torno a dos personajes: el marido de la víctima y la policia investigadora.

El marido, interpretado por David Morrissey, a quien ya conocimos en la serie Sherwood, queda caracterizado por el hecho de ser director de un carísimo y elitista colegio privado. Nada en su persona se desvía ni un milímetro del patrón esperado: es rígido, convencional, poco expresivo, hay que ser fuertes, los hombres no lloran…¿Puede un personaje caracterizarse solo por ser director del colegio? Sí, y aquí lo consiguen de manera magistral. Me ha recordado a un personaje de El balneario, de Vázquez Montalbán, que se describía solo con el dato de ser «una señora nacida en Segovia, pero criada en Madrid».

La policía, a la que da vida la actriz Eve Myles, tiene, como era de esperar, dificultades en su desempeño. En este caso es su nombramiento como agente de enlace lo que le frena  para investigar como a ella le gustaría. Aprovecho para comentar la interesante figura del agente de enlace, que recuerdo haber visto por primera vez en  Broadchuch, y el juego que puede dar en la ficción. Por si esto no fuera suficiente, la vida privada de la sargento tiene su aquel, abrumada por su exmarido y por un caso antiguo que la atormenta.

 Respecto al escenario y caracterizaciones no tiene nada que envidiar a The Crown o Dawnton Abbey. El colegio, la casa de campo del director… todo es idílico, adornado por una preciosa fotografía que incide en los verdes, el bosque y los paisajes; hasta que se convierte en un poco siniestro.

El ritmo de la narración es uno de los mayores aciertos: justo el adecuado para explicar todo bien, sin prisas. Permite apreciar los matices, el lenguaje corporal de los personajes, sus silencios y omisiones, pero sin resultar pesado o lento en ningún momento. Consigue mantener una tensión sostenida a lo largo de todos los capítulos.

Y en el montaje hay algo muy sutil que me ha parecido una genialidad. Cada capítulo comienza repitiendo el último minuto del capítulo precedente, pero en algunos se han permitido el lujo de repetir ese minuto con un punto de vista diferente. Es un detalle mínimo pero exquisito de esos que marcan la diferencia.

 En definitiva, muy recomendable para los amantes Linley, Wallander o Montalbano.

 

Almudena Férnandez Ostolaza

Tip Toe ( De puntillas )

Regreso de las vacaciones de verano con una mini-serie que me parece de lo mejor que he visto en lo que va de año . Se trata de  "Tip Toe" ( De puntillas) de 2026 dirigida por Rusell T. Davies.

No os dejéis llevar por la primera impresión del cartel. Parece una serie aburrida,anodina y nada más lejos de la realidad.Estamos ante un thriller drama que gira en torno a la relación antagonista de dos vecinos en Manchester.

Uno de ellos es Leo Struthers ( Alan Cumming), el dueño gay de un bar de ambiente en Canal Street y el otro  es Clive Street ( David Morrissey) un electricista con dos hijos  uno de ellos joven y el otro adolescente que está en horas bajas económicamente y en plena crisis matrimonial.

Las actuales narrativas de odio hacia el colectivo LGTBIQ + han ido calando en la clase obrera y en particular en Clive quien paulatinamente se convierte en enemigo de Leo.

La serie es una denuncia firme de la polarización creciente de la sociedad y de cómo los discursos homófobos y racistas han calado en un sector de la población que está descontenta y prefiere culpar a los colectivos más vulnerables y oprimidos  de la causa de todos sus males.

Os voy a dar 5 razones para que veais esta mini-serie británica de 5 episodios. que es sencillamente IMPERDIBLE 

1)  el duelo interpretativo de Alan Cumming y David Morrissey es magistral.

2) La trama es ágil y adictiva, desde el inicio nos muestran el desenlace pero esa anticipación que no se aclara, lejos de producir rechazo acrecienta si cabe aún más, el interés del espectador.

3) La denuncia de la extrema y peligrosa polarización de la sociedad actual. Estamos ante una tragedia queer sin contemplaciones que no da tregua al espectador ni se anda por las ramas ni con chiquitas.Sin embargo, en mi opinión es preciso atender a su inequívoco mensaje de advertencia, un S.O.S. de parte del colectivo LGTBI Q + hacia la sociedad en general que ya no se puede desoír.

Un grito de socorro que clama a la reflexión porque es hora de despertar. El enemigo nunca fué el más vulnerable u oprimido, nunca fue el inmigrante o el homosexual. El enemigo siempre fué un sistema económico y social que genera desigualdades y hace al rico cada vez más rico y al pobre cada vez más pobre.

4) el sello de calidad del director Rusell T. Davies con títulos como las series "Queer as folk" , "Years and years" o " It´s a sin ", que si no habéis visto, os recomiendo encarecidamente ver.

5) el desenlace que se anuncia desde el primer minuto es un puñetazo en el estómago, un grito desesperado, una imagen radical que clama al cielo para despertar la conciencia de todo espectador.

Es una serie denuncia, brillante, dura , hiperbólica y crítica y lúcida que nadie con un mínimo de conciencia social ha de dejar escapar.

Feliz fin de semana

Troyana

El ser querido

Por motivos de salud llevaba varios meses sin ir al cine. Tenía tal mono que incluso una peli como Loca academia de policía 5 me hubiera hecho ilusión, pero empecé a lo grande: con una de Sorogoyen. He de decir que me habían llegado comentarios de todo tipo, gente que estaba fascinada y otros que decían que era lo peor del director. Yo estoy claramente en el bando de los fans. La verdad, todo lo que he visto de Sorogoyen me ha gustado mucho. Recuerdo el impacto de Antidisturbios en el festival de cine de San Sebastián, lo que me impresionó As bestas o lo que disfruté con Los años nuevos. Y las anteriores, que casi tenía olvidadas, como El reino o Que Dios nos perdone. Me faltan algunas por ver, pero así tengo reserva. Supongo que sabéis cuál es el argumento: un director de cine, que lleva muchos años sin ver a su hija, le ofrece trabajar con él en su próxima película. Es curioso que el argumento sea el mismo que el de Valor sentimental, de Joachim Trier. Tampoco es un tema tan común como “chico encuentra chica”. Aunque hay que aclarar que, aparte del punto de partida, las dos películas no tienen nada que ver. Lo primero que hay que destacar es la interpretación. Tanto Javier Bardem como Victoria Luengo están impresionantes. Oí en una entrevista al director que intentaba rodar las escenas largas de conversación entre ellos en una sola toma y sin repetir, lo que me parece pasmoso. Creo que los dos actores pertenecen a una especie superior dentro de su oficio. Les crees en todo momento. Cuando hablan de un director que sabe dirigir actores, deben referirse a esto, aunque, por si acaso, él ha elegido muy buenos mimbres. Otra cosa que me parece que siempre consigue Sorogoyen es que entiendas todo sin ser explícito. Me recuerda a esa famosa frase que te dicen en todos los cursos de escritura: hay que mostrar, no explicar. Pues Sorogoyen muestra, y con un gesto te ha revelado qué piensa el personaje y de donde viene ese sentimiento. Me parece que rodar una película ha de ser muy difícil: coordinar a todos los equipos, ese montón de oficios que deben trabajar a la vez, las relaciones personales que conllevan, la tensión que se puede llegar a crear. Esta es de esas películas que luego da lugar a mucho coloquio entre los que la han visto. Nosotros fuimos con unos amigos y pasamos mucho rato comentando. Un tema sobre el que había diversas opiniones es si en algunas profesiones la carga de estrés y responsabilidad es tan grande que justifica algunas actitudes violentas. Siempre salen los ejemplos del neurocirujano en una intervención o el militar en una misión. Yo, qué queréis que os diga, pienso que la violencia o los gritos nunca contribuyen a solucionar nada, ponen a los subordinados más nerviosos y acaban empeorando la situación. No quiero hacer ningún spoiler, pero si la veis enseguida sabréis de qué escena hablo. Otra cosa a destacar es la fotografía. Absolutamente maravillosa. Fuerteventura reluce con toda su belleza, pero nunca con imágenes manidas que recuerdan a una postal. Conozco la isla y doy fe. La verdad es que ver las películas en pantalla grande no tiene nada que ver con la tele. Miedo me da pensar que al cine en sala le quedan dos telediarios. En cambio, una cosa que no he apreciado ni entendido es los diferentes formatos o los cambios de color a blanco y negro. A lo mejor es que soy muy cazurra, pero tengo la sensación de que la mayoría del público comparte mi insensibilidad. En resumen, una de las mejores películas del año. Sorogoyen sigue siendo un valor seguro.

Se tiene que morir mucha gente

 

Cualquiera que mantenga amistades desde Educación Infantil sabrá reconocerse en parte en el trío de amigas (Bárbara, Elena y Maca) que protagoniza “Se tiene que morir mucha gente” (en adelante STQMMG). Sabrá reconocerse y se reconocerá porque en tantos años transcurridos, tantas tardes de patio de colegio, de aburrimiento preadolescente y de posteriores torbellinos hormonales, laborales, matrimoniales y de todo tipo, ha pasado de todo; de todo lo bueno y un poquito de lo malo también.

STQMMG es una serie televisiva española producida por Movistar Plus y estrenada en mayo de 2026 con una buenísima acogida, a juzgar porlas cifras de audiencia, que la convierten, según algunas fuentes, en el mayor éxito de la temporada en su plataforma . De momento, solo tiene una temporada con seis episodios de treinta minutos cada uno.

Se trata de una comedia ácida creada y escrita por la todoterreno Victoria Martín a partir de su propia novela, de título idéntico, publicada en 2022. Victoria Martín, conocida principalmente por su pódcast “Estirando el chicle”, aparece en el primer episodio de STQMMG, en un papelito breve e inolvidable.

Mientras la camaradería masculina ha sido tradicionalmente asunto de centenares de producciones más o menos épicas, la femenina, en cambio, le queda bastante lejos en cuanto a presencia narrativa y representatividad. Por eso es todavía fresco el planteamiento de tres amigas recién entradas en la treintena que revisan su pasado en un colegio de monjas y su presente destartalado y se agobian enormemente y también sarcásticamente por su futuro.

Bárbara, Elena y Maca se adoran y se detestan a partes iguales (bueno, no: se detestan un poco más rato, que el hate es mucho más productivo en la ficción), se hablan sin contención ni miramientos y pasan del insulto al abrazo varias veces un un mismo episodio. Ninguna de las tres es un ser de luz; se mienten y se comportan como auténticas miserables las unas con las otras.

Así y todo, quedan todavía mucho peor retratados otros dos grupos humanos. Uno lo compone la fauna pija de la urbanización en la que vive Elena, especialmente señoras que se creen moralmente superiores por haber parido más hijas e hijos que la media u otras que optaron por explotar vientres de mujeres pobres. Sororidad, la justa.

El otro grupo humano rociado con veneno es el del entorno laboral de Bárbara, que trabaja como guionista para un late show televisivo liderado por una vieja estrella en decadencia. La puesta en escena de este jefe presuntuoso, lerdo y mezquino nos hace pensar inmediatamente en Buenafuente, aunque espero y deseo que no se refiera a él, porque Andreu siempre me ha parecido un gran tipo.

En la narración de las peripecias y relaciones de estas tres muchachas lleva la voz cantante Bárbara, que está atravesando un delicado episodio de salud mental, aunque a la postre no resulta ser, ni mucho menos, la más desequilibrada de las tres. Con todo, las escenas más líricas y delirantes son las alucinaciones que le provoca a Bárbara la automedicación desmedida.

Lo mejor de STQMMG es su guion, sus diálogos, su humor vitriólico, las actrices y el atrevimiento. Con cero ñoñeces entre las amigas, el lenguaje es descarnado y desternillante y las escenas, crudas y literalmente sangrantes, destrozan un montón de tabúés sobre, por ejemplo, el embarazo. La factura perfecta del texto favorece el lucimiento de las actrices:  Anna Castillo (Bárbara), Macarena García (Elena) y Laura Weissmahr (Maca).  No se quedan atrás los secundarios, entre los que me apetece destacar al gran Yunez Chaib.

No puedo terminar este articulito sin citar a la cuarta mosquetera del trío, que no es otra que la Bárbara colegiala, con su uniforme de jersey en pico y faldita escocesa tableada. Esta Bárbara niña no solo se nos aparece en flashbacks, sino que también se le aparece, en su extravío mental, a la Bárbara treintañera, con la misión de hacerle sentir que su vida es un poco peor de lo que ya es. La Bárbara niña se atreve a decir lo que la otra no se atreve ni a pensar. Insulta, agrede y malmete con una calidad lingüística ejemplar.

La interpreta la baracaldesa Sofía Otero, que en 2023, con trece añitos, se llevó el Oso de Plata del Festival de Berlín a la mejor interpretación, por su papel en “20.000 especies de abejas”.

Recién entradas en la edad adulta, a Bárbara, Elena y Maca les queda mucha vida por delante. Ojalá que alguien nos la cuente en varias temporadas más.