viernes, 5 de julio de 2024

Cuatro estaciones en La Habana

Estoy atravesando una etapa intensamente Padura en mi vida. No debe de extrañaros, porque acabo de volver de un taller en Menorca con Leonardo Padura y, si antes era fan, ahora tengo auténtica devoción por el autor. Para preparar la asistencia y empezar a ambientarme para el taller (por cierto, los organiza Talleres islados, una gente excepcional), me leí un par de libros que me faltaban y vi Cuatro estaciones en La Habana. Esta serie está basada en las cuatro primeras novelas de Mario Conde, el detective creado por el autor. Está dirigida por Félix Viscarret y protagonizada por Jorge Perugorria. Nos presenta al personaje, un policía con deseos de ser escritor, que encaja con mucha dificultad en la estructura policial. Sin embargo, pese a que sus métodos son poco ortodoxos, es un excelente investigador y entre su capacidad de trabajo y sus intuiciones (que él nota como un pinchazo bajo la tetilla izquierda) siempre consigue resolver los casos. Su vida personal es un desastre, se emborracha casi cada noche, fuma y no se cuida. Se enamora con frecuencia, siempre de mujeres imposibles o inconvenientes y tiene un grupo de amigos que son lo más importante en su vida. Suelen pasar las veladas en casa de Carlos, un amigo que está parapléjico como consecuencia de una herida en la guerra de Angola. Allí se juntan con el Conejo, Andrés y a veces Candito el Rojo y comen los magníficos platos que les prepara la madre de Carlos, Josefina, sin que nadie sepa de dónde consigue los ingredientes. Los episodios son: Vientos de La Habana, Pasado perfecto, Máscaras y Paisaje de otoño. En Vientos de La Habana aparece asesinada una joven profesora de instituto. Conde se va a enamorar de Karina, una mujer aficionada al jazz que toca el saxo y de la que nadie parece saber nada. Bajo una apariencia de normalidad, existen drogas, mafias, arribistas y gente cruel. En Pasado perfecto, el comisario Antonio Rengel encarga a Conde resolver la desaparición de un personaje importante en la ciudad: Rafael Morín, jefe de la Empresa de Importaciones y Exportaciones del Ministerio de Industria. Conde intenta zafarse del caso porque conoce al desaparecido. Fue con él al instituto y Morín se casó con Tamara, la mujer de la que Conde estaba enamorado. Por supuesto, no le queda más remedio que hacerse cargo del asunto y descubrir que también las grandes figuras esconden mucha basura detrás. En Máscaras aparece asesinado un travesti en el Bosque de La Habana. Es hijo de un respetado diplomático y había roto relaciones con su familia que no aprobaba su modo de vida y su orientación sexual. Conde investigará comenzando en casa del Marqués, un autor teatral abiertamente homosexual. La historia sirve a Padura para criticar la actitud del gobierno y la sociedad cubana hacia los homosexuales. El personaje del Marqués recuerda a Virgilio Piñera, a quien se le hace un homenaje en la historia. Paisaje de otoño es la última de la tetralogía, en la que Conde acabará por abandonar la policía. La trama principal es la aparición del cuerpo asesinado con extrema crueldad de Miguel Forcade, que se ocupó durante años de requisar los bienes artísticos a la burguesía después de la revolución. Después de ocupar un puesto tan importante, de pronto huyó a Miami. Recientemente había regresado a la isla porque su padre estaba muy enfermo. Por otra parte, una trama de corrupción policial, que se ha desarrollado a lo largo de las novelas, termina aquí y es parte del motivo por el que Conde no quiere seguir. La serie tiene un tono melancólico, como las novelas, aunque también tiene toques de humor y dibuja una Habana bella, pobre, fascinante y destrozada. La banda sonora va muy bien a las historias, desde la sintonía Vivir al borde, de Yanis Meyc, a los temas de jazz o canciones de Silvio Rodríguez. Sin olvidar la música de Credeence Clearwater revival que escuchan Conde y sus amigos en las noches de borrachera. Me parece un acierto la elección de Jorge Perugorría como Mario Conde, y no suele ser fácil que aceptes a un actor cuando has leído muchas novelas de un personaje, cada cual tiene su Mario Conde, pero Perugorría ha sabido conquistarme. También me gustan los secundarios, especialmente la banda de perdularios amigos del protagonista. Otra cosa que me ha aportado la serie es la incorporación de la palabra “comemierda” a mi vocabulario. Se te llena la boca al decirla. Además, pienso pronunciarla a lo cubano, sin que se note la erre: eres un "comemiedda”. Te quedas muy a gusto.

viernes, 21 de junio de 2024

No Way Out


 Os traigo hoy una peli de 1987 que, casi dos décadas después, encaja con bastante exactitud en el canon del thriller político setentero, un subgénero del que ya os he hablado muchas veces y que, como ya habréis deducido, me complace bastante. Por zanjar de una vez el asunto del género, os cuento que la Wikipedia en inglés dice que este film es un neo-noir y la Wikipedia en español, que es un film de suspense; no me voy a poner yo a discutir con la Wikipedia. Dicho está.

Sea lo que sea, No Way Out (en adelante NWO) reune felizmente ingredientes como la intriga política, escenas de acción, erostismo, incluso homoerotismo, espionaje, corrupción... Se me ocurre, incluso, que NWO adelanta el estilo de producciones más contemporáneas, pues tiene características que me hacen pensar (por señalaros solo unas pocas coincidencias), por ejemplo, en El ala oeste de la Casa Blanca o, más todavía, en House of Cards. Así, el secretario personal (Will Patton) del todopoderosísimo Secretario de Defensa de los Estados Unidos me recuerda mucho al personaje de Doug Stamper, la mano derecha de Frank Underwood. Me impresionan esas devociones totales a sus jefes y se repiten tanto en los guiones que he dado en pensar que tienen que ver mucho con la realidad, con lo que verdaderamente sucede en esos coquetos despachos de la Casa blanca y el Capitolio, con su mobiliario tranquilo, sus mullidos sofás, sus colores neutros, su iluminación indirecta y su mueble-bar, tan acogedor todo que te dan ganas de quedarte a vivir allí, no tener que pasar por casa para nada y no ver jamás el pelo a la mujer y a los niños.

O es todo una pedrada mental mía, yo qué sé. 

Volviendo al thriller político setentero, me enlaza del todo con él que me aparezca de prota Gene Hackman, ese maldito monstruo, en el típico papel de típico jefazo de Washington y el típico talón de Aquiles de ser un abusador de mujeres. Y, de la mano de Gene Hackman, me introduzco en el resto del reparto, que tiene bastante que comentar.

El otro gran prota es Kevin Costner, vilmente explotado aquí como objeto erótico. Al bueno de Costner todo el mundo lo considera una estrella de Hollywood cuando, en realidad, no ha hecho gran cosa en la pantalla, si exceptuamos aquella producción tan sobrevalorada de los indios y los lobos. Ahora parece que resurge de sus cenizas, tras haber sido aclamado en Cannes con un western en el que se ha dejado el alma. Ya veremos. Para mí, hasta ahora, en NWO hace su mejor papel.

Otro objeto erótico explotado es Sean Young, que exhibe más piel y carne que Costner y ha tenido todavía peor suerte profesional. Alcanzó los cielos pocos años antes, en Blade Runner, enseguida le colgaron la etiqueta de "conflictiva" y pasó a formar parte de ese grupo de actrices malogradas, desdichadas e inadaptadas a las que algún día dedicaré una entrada completa. Una pena. En NWO se luce; por pocos minutos de metraje, pero se luce.

Completa el cuadrilátero amoroso el ya mencionado Will Patton y luego vienen secundarios de verdadero lujo, como Iman, Georde Dzundza y David Paymer.

NWO posee también un guion muy sólido que transcurre, cómo no, en la capital del thriller político, en Washington, ciudad que, contra todo pronóstico, me maravilló. Reconozco en los fotogramas de NWO su estación de tren, la Union Station, con sus coquetas tiendas y cafés; reconozco sus calles, sus monumentos y sus museos imponentes y la sensación es más que agradable. 

El guion de NWO es una adaptación de El gran reloj, novela de Kenneth Fearing, de 1947, que tuvo otra versión cinematográfica en 1948. Como os decía, es sólido y original e incluye, hacia el final, un plot twist ante el que me quito el sombrero. No soy yo muy fan de los giros bruscos de guion. Me parecen efectistas y arriesgados. Pocas veces considero que se resuelven bien. Este de NWO es muy correcto, es de los que te reconcilian con el plot twist, tras tantos abusos.

Pues esto es todo. Si no habéis visto NWO, echadle un ojo. Y, si la habéis visto, vedla otra vez, pues seguro que encontráis cositas que os sorprenden para bien. Sin más, se despide vuestra amiga


Noemí Pastor


viernes, 14 de junio de 2024

Las largas sombras

Hoy voy a hablar de una serie española recien estrenada (mayo de 2024), basada en la novela homónima de Elia Barceló y dirigida por Clara Roquet y Júlia de Paz Solvas.
El escenario es un pueblo mediterráneo, Elda; las protagonistas, un grupo de mujeres que mantienen y cultivan su amistad desde el instituto. La serie comienza en el momento del reencuentro con la única de la pandilla que no ha permanecido en el pueblo. Rita (Elena Anaya) regresa después de una ausencia de veinte años convertida en una famosa directora de cine. Su vuelta coincide con el hallazgo de los restos mortales de otra compañera desaparecida en el viaje de fin de curso cuando eran todas adolescentes. A partir de ahí se alternan las dos líneas temporales con nitidez y de manera muy fluida. El encaje de los personajes adolescentes y adultos es uno de los logros, tanto en su parecido físico como en el emocional. Algunas escenas que se columpian entre los dos tiempos me han llevado a preguntarme por dónde empezaría a escribir la autora de la novela: ¿Creó los personajes de las jóvenes y luego imaginó cómo evolucionaban, o empezaría por las adultas y quiso reconstruir su adolescencia? La intriga sigue el esquema clásico del “whodunit”. ¿Qué tienen que ver estas amigas con la desaparición? ¿Es alguna de ellas responsable directa de su muerte? Es una serie coral que pone el acento en la relación de amistad entre las mujeres, que como personajes están muy bien perfilados. Poco a poco nos muestra sus ilusiones, deseos y frustraciones. Al remover el pasado inevitablemente salen a la luz secretos. Parece que incluso una amistad así de estrecha y poderosa no logra superar las barreras de la vergüenza y la culpa inducidas. Junto a Elena Anaya, las actrices Belén Cuesta, Irene Escolar, Marta Etura, Itziar Atienza, Ana Rayo, Lorena López y Nansi Nsue encarnan a sus personajes con credibilidad y solidez, con sus luces y sus sombras. Todas ellas nos muestran un trabajo elaborado hasta los más mínimos detalles, hasta los matices más sutiles. También narra una historia de amor de corte nostálgico. El reencuentro de adultas lleva a las dos mujeres a revivir una antigua relación muy intensa. Logra captar y transmitir esas sensaciones tan íntimas y personales en las que se mezclan pasado y presente, con toda la carga irracional que supone sumergirse en emociones adolescentes, entre la melancolía, la euforia y la duda de si aún sería posible. Respecto a la investigación, la policía encargada del caso es hermana de la víctima y eso le resta un poco de verosimilitud, pero el personaje, interpretado por Irene Escolar, una policía atormentada y llena de rabia, es brillante. La trama está bien construida y mantiene el suspense. Poco a poco va desvelando el enredado nudo de relaciones conocidas y desconocidas, como en la antigua peli “No hay salida” de Kevin Costner en la que se iba revelando lentamente una fotografía polaroid que aparecía cada vez más nítida. Espero que la disfrutéis. Almudena Fernández Ostolaza.

sábado, 8 de junio de 2024

Laurence Anyways



Mi turno en Zinéfilaz y coincidiendo con el mes del Orgullo LGTBIQ+ , rescato la reseña de una película para mi de culto y de visión para mí casi imprescindible.


 "Laurence Anyways"
es una película canadiense de Xavier Dolan que con solo 24 años con esta película estrenada en el 2012 ,se confirma como uno de los grandes valores del cine en el panorama actual.

"Laurence Anyways" es una historia sobre la identidad además de un relato de amor intenso y rebosante de romanticismo que ya sabemos va a ser imposible olvidar. 

Laurence Alia (Melvil Poupaud) es un profesor con un trabajo estable y una también estable relación con su novia Fred (Suzanne Clément).A sus 35 años decide sacar a la luz una parte de él que ha estado acallando y reprimiendo,se siente mujer y va a permitirse ser quien es. Naturalmente,esta paulatina revelación causa todo un revuelo a su alrededor no sólo en su familia más próxima,sino también en su trabajo y como no,en su relación de pareja con Fred.

La historia de Laurence es personal, intransferible, es una evolución singular que no pretender ser extrapolable a ningún otro caso parecido o similar.Es ficción, pero ese personaje además, sigue un proceso que es único y que no pretende ser paradigma ni objeto de generalidades que no podrían extraerse en modo alguno , puesto que cada persona ( aquí personaje) es singular, como no hay dos copos de nieve idénticos en su totalidad.

En este punto de partida,ahondaré en el argumento,citaré extractos,hablaré de señales,del perfil de los personajes.

Si alguien no quiere detalles porque no ha visto todavía la película para evitar  SPOILERS ,tal vez sea conveniente postergue la lectura de la reseña aquí.


En la primera etapa de la transformación de Laurence,asistimos a un proceso de cambio paulatino repleto de señales a veces casi imperceptibles .Una escena en la que él está dando clases,tomada por la espalda,nos anuncia con un gesto que la transformación se está gestando: Laurence se seca el sudor de la nuca con la mano izquierda,y en cada dedo lleva un clip a modo de uña. Es un gesto lánguido,femenino,esa nueva identidad que esconde está en modo "espera",latente...


En ese estado de latencia,Laurence revive un recuerdo de la infancia, cuando decidía aguantar más que el resto de los niños conteniendo la respiración debajo del agua.Esperaba y esperaba y cuando estaba a punto de explotar,soltaba el aire........
¿está a punto de revelar cómo realmente siente quien es?

Hay tantas escenas espectaculares,algunas de ellas,imborrables,que aquí dejo un catálogo  de un total de 21 que me parecen maravillosas y que más me han impresionaron en orden de aparición:

1) La escena del baile en la discoteca,Laurence y Fred,en un momento dulce de su amor..la música,el baile,las luces...es una puesta en escena brillante,como pocas.
Suena The cure "Funeral  Party",estamos en los 90.....


2) La escena en el coche de la primera lista que hacen juntos,sobre cosas que minimizan su placer.LLueve fuera,hablan de los colores: el amarillo,el marrón,el rojo......la pasión........fuera una mujer de rojo pasa y queda desdibujada por la lluvia....


3) La escena del recorrido por los pasillos del instituto/universidad el primer día en que Laurence decide vestirse públicamente de mujer.

La música de nuevo irrumpe esta vez a modo de iniciático triunfo ,las miradas que Laurence va dejando a su paso por los pasillos no tienen desperdicio.....ESPECTACULAR momento que nos deja el cine aquí.

"-¿es una revuelta?
-no señor,es una revolución"

Tras la gran REVELACIÓN,las reacciones no se harán esperar.
(...)
Fred:- ¿Todo lo que gusta de ti es lo que odias"
Laurence- ¿ es eso todo lo que te gusta de mí"
(...)

4) En la cama,Fred escribe directamente en la espalda de Laurence unos versos que dicen algo así:


                                           "  En la salud que fue recuperada 
                                             en los peligros de los viejos días
                                              en la esperanza ya sin un pasado 
                                              escribo tu nombre".


                               y en la Gioconda que encabeza su cama:
                                                        "Liberté"


5) Fred y Laurence están cenando ,Laurence  vestido como mujer, Fred le dice:


" La primera vez que te vi,supe que me metería en algo extraordinario
¿quieres ir más lejos?
yo seré tu hombre"

6) La fiesta en la residencia de las nuevas amigas extravagantes de Laurence

La irrupción de  Fred,sus poses,los rostros de los invitados,el look de Fred, su vestido,su peinado,su escote de infarto por la espalda....es el momento en que Fred conoce a Albert.
Pareciera por momentos que estamos en un anuncio publicitario de Dolce Gabana o un video clip de Madonna,la estética está cuidada hasta el más mínimo detalle.
Por un momento,la escena me lleva a otra fiesta en "Eyes Wide Shut" de Kubrick.

7) El momento en que Laurence le pregunta a Fred por Albert.......ella le dice que está enamorada de Albert (¿lo está?)  y una mariposa sale de la boca de Laurence....

8) La escena en la que Laurence acude a casa de su madre y ella le recibe y estampa la televisión contra el suelo,ante los ojos atónitos de su marido...y ambos,madre e hijo salen de la casa y comparten paraguas bajo la nieve..

La madre es ambivalente,sus hechos contradicen sus palabras,oralmente le manifiesta desapego,pero a la hora de la verdad,su puerta siempre queda abierta ante Laurence.

9) En un momento casi mágico,en medio de una de esas incomprensibles y dolorosas separaciones entre Fred y Laurence,Laurence echa de menos a Fred y piensa:

"¿Dónde estás?
¿qué llevas puesto?
¿qué estás haciendo?
Esas fueron preguntas que me hice a mí mismo cuando me desperté pensando en ella
y me gustaría irme a la cama con las mismas preguntas 
en cierto modo,necesito las respuestas"


10) Me parece casi sublime ese instante en que se cruzan en el supermercado Charlene (la nueva novia-amiga de Laurence) y Fred.No se conocen,pero al cruzarse en uno de los pasillos del super,sus brazos se rozan,es un pequeño gesto anticipatorio de que sus vidas también están  a punto de tocarse y cruzarse,con consecuencias incalculables....



11) Navidad....Laurence espía a Fred fuera de su casa,la noche del 24 de diciembre.Ella tiene invitados a la cena,él come un sandwich desde el coche sin apartar la vista de su casa.

12) el abrazo-baile,baile-abrazo de Laurence con uno de sus nuevos amigos travestidos en la cena de Navidad.Ese abrazo para Laurence simula un surtidor de  ternura,paz,confianza,seguridad.....una cueva santa donde olvidar por un momento todas las ausencias....

13) Tras mucho tiempo separados,Fred recibe el libro de Laurence Avia: " D´elles".
La escena del sofá en la que Fred lee los poemas de Laurence  plagados de códigos y mensajes cifrados para ella es de una fuerza visual y emotiva sobrecogedora.



Ese torrente de agua sobre Fred es como un torrente de emoción desbordada.
Algunos extractos de los poemas que lee dicen:

 "El otoño cae de los árboles sobre la espalda
apoyada en un sueño que predicó a calmar la piel.
Ella vive en un lugar donde perdió la esperanza,
pero existe una puerta al pasado en su casa de ladrillos blancos
Pintada de rosa se levantó en un lugar,
condenada a servir al aburrimiento
una rosa sin sangre. "



14) El momento en que se reencuentran Laurence con su madre

La madre le dice:

" Puedo decirte que te veo como a mi hija"

15) El momento en que Laurence recibe la carta de Fred en respuesta al libro de poemas.
Sabemos que la carta contiene una respuesta fulminante porque Charlene tras leerla decide hacer las maletas y marcharse.....
Por fin,Laurence la abre y podemos leer:

"Laurence,
tu as franchi la frontière de ma vie,
de ma ville,de ma rue,
il ne reste plus que ma porte,
dois je te rappeler mon adresse. Fred"


" Laurence, tu has atravesado las fronteras de mi vida,
de mi ciudad, de mi calle,
solo resta que atravieses mi puerta.
Sé que sabes donde encontrarme.Fred."

y su rápida reacción de andar corriendo literalmente a su búsqueda.
Su espera ansiosa ante la puerta,su mirada llena de expectación,nervios,deseo........
un momento de zozobra y por fin, esa puerta que se abre retardada y súbita.


El reencuentro aquí es una explosión de amor:
"¿Piensas seguir esperando?"


16) Su escapada a "La Isla de los Negros"
de la imagen de ellas dos llegando a la Isla,la lluvia de ropa de colores por el cielo sobre un fondo blanco nevado....


17) El encuentro con otra pareja que ya ha pasado por una experiencia en algún punto similar a la que están atravesando Laurence y Fred. 
Alexandre es un hombre trans y tiene una pareja mujer cis.
Laurence quiere que Fred vea esta experiencia para contemplar que el amor no entiende de dogmas ni paradigmas únicos y mucho menos standards.

Se abre aquí una reflexión muy interesante en torno a la identidad, el sexo, el género y el amor.

La pareja de Alexandre dice:
" sigo la lógica de mi corazón,el género es poco importante para mí"


18) La discusión posterior entre Fred y Laurence y el mensaje de Laurence:


"Haz lo que yo hago.Disfruta de la vida,disfruta de nuestra historia,disfruta de nuestro amor.
Nada ni nadie puede interponerse entre nosotros excepto tu."

19) Montreal, alrededor de 1999.
Laurence se encuentra con la hermana de Fred,que siempre se había mostrado reacia a su relación.Esta vez,facilita el encuentro y le escribe el número de teléfono de Fred  en la mano.....
La cara de Laurence es de absoluta felicidad.El número de teléfono coincide con la fecha en la que ellos se conocieron.

20) Encuentro de Laurence y Fred en un bar.
Hacen balance de sus separaciones.Ella le pregunta a Laurence si le compensa el paulatino cambio en su identidad sexual.
Laurence le responde que en parte sí y reivindica de nuevo por encima de todo,la autenticidad de su mutuo amor:

" Otros no tienen esta suerte.Nos envidian."
"Nosotros volamos tan alto....no quiero volver a la tierra."


Ella sale del bar y una estampida de hojas secas y de viento se abre en la calle.....es como un asalto violento y despiadado del otoño.....


21) El final ,abierto a muchas lecturas pero en el fondo,sencillo y no por ello menos honesto o profundo. " Laurence, sea como sea........" 


No desvelaré más,un cierre perfecto a una película singular,intensa,romántica,una de esas historias de amor que nos deja el cine y que bien seguro,se queda a formar parte de nuestro catálogo cinematográfico y emocional.

Buen fin de semana,

Troyana

viernes, 31 de mayo de 2024

Samurai de Ojos Azules


Hoy os traigo una serie de animación emitida por Netflix durante el año 2023. Tras escuchar a una buena amiga hablar de ella, decidí darle una oportunidad, y me alegra mucho haber podido verla.

Creada por el matrimonio formado por Amber Noizumi y Michael Green, se realiza en el estudio de animación Blue Spirit, situado en París.

Samurai de Ojos Azules, cuenta la historia de un "outsider", una figura solitaria y de pocas palabras, que va por el Japón del periodo Edo, buscando la venganza. Como en un clásico relato de "samurai sin señor", que hemos visto en producciones niponas a lo "Lobo Solitario", o bien en los más famosos westerns (como en el Jinete Pálido). Es alguien que no tiene a nadie, y cuyo pecado es de nacimiento, no puediendo jamás borrarlo. Y pese a que el misterio rodea a nuestro protagonista, al contrario que en otros relatos donde este tipo de personaje goza de una de un aspecto "semidivino" y se sabe poco de él, en este caso, la historia, nos va a relatar, mediante flashbacks, la vida de Mizu, y cómo en su camino de la venganza, hará una serie de descubrimientos, que provocarán que sus creencias vayan cambiando.

Mizu irá cruzándose con diferentes personajes como Ringo (un inocente cocinero discapacitado), Taigen (un futuro samurai arrogante y cabezota), Akemi (la hija rebelde de un Lord), el Maestro de espadas Eiji, o Abijah Fowler, un irlandés que quiere imponer su voluntad, entre otros. En general, todos estos personajes tienen algo que no se ve mucho hoy en día: están desarrollados, tienen sus motivaciones y sus deseos, y sus propias agendas, y se irán entrecruzando hasta llegar a la gran final.

He intendo haceros una sinopsis de la manera más "críptica" posible, pues no quiero desvelaros puntos importantes de la trama, o las sorpresas. Y sólo debo decir que tanto la historia como los protagonistas, podrían caer bajos las alas de la "diversidad" que tanto se exige actualmente, pero esta historia no va de esto, aunque los personajes principales puedan ampararse en "minorías" de diverso tipo, o la venganza se diriga hacia "hombres blancos". Si habéis leído alguna review sobre esto, y viendo que se distribuye por Netflix, y tenéis miedo de que sea la clásica producción "contemporánea" metida en un envoltorio de época, sólo puedo deciros que no temáis nada, pues en general, y pese a que es una serie actual, se suele respetar bastante bien, el ambiente en el que se desarrolla.

A todo esto, debo aclarar que la serie no es "real", si no, animada. Que sean "dibujos animados" no quiere decir que sea para menores de edad. De hecho, está muy cargada de sexo y violencia desde su primer capítulo. Es animación para adultos y cuenta una historia brutal en tiempos un poco "salvajes" pese al empaque del Japón Feudal.

La primera temporada consta de ocho episodios, de los que podemos decir que no hay ninguno de relleno. Y todos homenajean el estilo de las producciones japonesas y en particular hay guiños al cine de Kurosawa. Uno de los que más destacan, es aquel donde la historia hace un flashback y paralelismos al teatro japonés y a sus formas de expresión.

Dicho esto, si os gusta la animación para adultos, y podéis aguntar unas ciertas dosis de violencia y sexo, si os va el Japón feudal y las historias de venganza, tenéis que darle una oportunidad a este "Samurai de Ojos Azules". Aquí ya estamos eseprando su segunda temporada.

Carmen R


sábado, 25 de mayo de 2024

Cine y Derechos Humanos

Este año se ha celebrado la XXI edición del Festival de Cine y DDHH en San Sebastián. Como es tradición, fuimos con unos amigos a la sesión inaugural. A nosotros nos gusta sentirnos de esas personas que están en todas las alfombras rojas, pero como somos pobres solo nos podemos permitir las de este tipo de festivales. Cualquier día nos llaman de Cannes o de Venecia, pero de momento aquí estamos. Este año dieron un premio por su trayectoria a Fernando León de Aranoa, director del que soy muy fan. Dio un buen discurso. No así Benito Zambrano, cuya película El salto interpretada por Moussa Sylla, Edith Martínez-Val, Eric Nantchouang y Nansi Nsue abría el festival. El hombre estuvo poco acertado y con un discurso mucho más largo de lo deseable. La película tampoco me gustó, pese a tocar un tema interesante y doloroso como es la entrada de migrantes saltando la valla de Melilla. Para empezar, tiene un comienzo muy maniqueo, con pobres africanos buenísimos y el resto malísimos. Además, los protagonistas hablan en español, lo que hace los diálogos muy forzados y poco creíbles. Lo único que me gustó es la última parte de la película, desde que los protagonistas llegan al monte Gurugú y el salto de la valla. Ahí si te metes en situación y se te ponen los pelos de punta.
La segunda elegida fue Matronas, dirigida por Léa Fehner e interpretada por Khadija Kouyaté, Héloïse Janjaud, Myriem Akheddiou, Quentin Vernede y Tarik Kariouh. Es una película entretenida, pero no me resultó muy verosímil. Tengo que decir que yo imaginaba una película sobre matronas en algún país africano y está situada en un hospital en Francia. Dibuja un escenario de estrés permanente, una terrible sobrecarga de trabajo y unas condiciones penosas. No conozco los hospitales franceses, pero no imagino un hospital europeo que trabaje en unas condiciones tan terribles y extremas. En cualquier caso, bien está si es para defender la sanidad pública.
La tercera ha sido mi favorita de mi experiencia festivalera: Subject, dirigida por Jennifer Tiexiera y Camilla Hall. Es un documental sobre la ética en los documentales. Muchas veces se tratan temas sensibles, que afectan mucho a la vida de los participantes. Estos dan su consentimiento con la idea de hacer pública su verdad, pero en realidad es el director quien decide qué y cómo se cuenta. Los sujetos entrevistados provienen de cinco documentales: The Staircase, Hoop Dreams, The Wolfpack, Capturing the Friedmans y The Square.
Es probable que os suene la historia de The staircase porque recientemente HBO lo ha convertido en una serie de ficción. Un hombre fue acusado de asesinar a su mujer. Él sostenía que se había caído por la escalera. Como parte de su defensa, aceptó grabar un documental en el que aparecían todos sus hijos. En Subject aparece el hombre y una de las hijas, que era una adolescente en la época en que sucedió todo. Ese documental ha tenido un impacto terrible en su vida. ¿Hasta qué punto una adolescente puede tomar una decisión así? Hoop dreams es un documental de 1994 que muestra la vida de un grupo de chicos negros de un barrio marginal en EEUU que juegan a baloncesto con la esperanza de llegar a la NBA y salir de la miseria. Director y guionista eran blancos de clase media, lo que es cuestionado por algunos profesionales negros que consideran que es una forma colonialista de contar un problema. The Wolfpack, rodado en 2015, cuenta la historia de los hermanos Angulo, siete jóvenes que vivían encerrados en casa por su padre y que veían películas continuamente para no aburrirse y después se hacían disfraces y las recreaban. Una casualidad les hizo toparse con la directora que estuvo cuatro años con ellos. El documental obtuvo el premio del público en Sundance. Uno de los hermanos, que parece el líder del grupo, parecía bastante satisfecho por la experiencia vivida. Capturing the Friedmans es una historia terrible. Un hombre y su hijo son acusados de pederastia y acaban en la cárcel, donde el padre se suicidó. El joven estuvo trece años en prisión. Este hombre es el que aparece en Subject y da la impresión de ser una persona destrozada. No queda claro el efecto que grabar Capturing the Friedmans tuvo en su vida. El protagonista de The Square nos cuenta las consecuencias que tuvo para él el participar en el documental que nos muestra las revueltas de la Primavera Árabe en Egipto. Me quedó la sensación de que debería de haber un comité ético al que se presentaran los guiones de los documentales, como en los ensayos clínicos o en los estudios cualitativos. Resulta sobrecogedor ver algunas de las consecuencias. Por otra parte, también me entraron ganas de ver todos los documentales, que eran historias muy potentes. De esas películas que te dejan pensando días y días. Para terminar, vi Dieu est une femme de André Peyror.
Es una historia maravillosa, aunque, en mi opinión, no muy bien contada. En 1975 el director francés Oscar Pierre-Dominique Gaisseau viajó a Panama donde estuvo un año conviviendo con los indios Kuna que habitan unas islas en la parte caribeña del país. Después el director enfermó, se quedaron sin dinero y el banco se quedó los rollos. Los kuna nunca vieron la película. Cincuenta años después, aparece una copia en París y se organiza un pase al que asistirán los que aparecían como niños o jóvenes. Como veis, es una historia preciosa, pero el director se desparrama en diferentes aspectos: la falta de respeto que supone tratar a los kuna como meros sujetos de interés antropológico, la pérdida de la cultura y la lengua kuna, los recuerdos de los que participaron y el plan de proyección de la película. El conjunto pierde fuerza. Con todo, me resultó interesante y pasé un buen rato. La verdad es que este festival es una buena ocasión para ver películas que no suelen estar en los circuitos comerciales y, aunque a veces son muy duras, estar bien reflexionar un poco sobre tantas injusticias como nos rodean.

viernes, 17 de mayo de 2024

Adiós, muchachos (1987)

 A esta peli le tengo un cariño especial. La primera vez que la vi cursaba yo la secundaria. En aquella adolescencia miraba con especial interés la historia de un escolar y su particular mundo. A pesar del título de la cinta, no tiene nada que ver con el famoso tango de Gardel.

Cartel de la peli

Como anunciaba en el párrafo anterior, la peli cuenta la historia de Julien Quentin (Quentin es el apellido), un adolescente de familia burguesa que vuelve con  fastidio al colegio religioso después de las vacaciones. Es la época de la Francia ocupada por los nazis, en los años 40. Los Quentin envían  a sus dos hijos al internado católico para alejarlos de la guerra. Julien es el pequeño y tiene una relación muy cercana a su madre, tanto que le pide a esta una y otra vez quedarse con ella en la ciudad.

El Frío que dan todas las pelis que reflejan los años de las guerras.

Allá entre curas y compañeros de pupitre Quentin es el chaval listo que lee novelas mientras los maestros dan la lección. Un buen día el padre Jean, el rector de la institución, llega con unos nuevos alumnos, entre ellos, Jean Bonnet, un chico inteligente y serio que se convierte en algo así como "rival intelectual" de Julien. 

Recoge, Bonnet, que te vas con los del casco.


Julien, verdaderamente curioso, empieza a fijarse en su nuevo compañero de pupitre, que, además, duerme a su lado en el dormitorio comunal. Bonnet parece que esconda algo y Julien está en esa disyuntiva de querer ser su amigo, pero sin dejar de ser rival. No deja de ser un crío. Bonnet guarda algún secreto, como las velas (de sabbat), o su apellido real, que no es Bonnet sino Kippelstein. Así Julien y Bonnet se hacen amigos. Tocan el piano mientras todo el mundo está en el refugio por bombardeo. Julien hace que su madre invite a Bonnet a comer el día de las familias, pero también tiene goples de verdadero niñato como cuando pretende compartir foie gras de cerdo con él. Al final, por un chivatazo de un colaboracionista, personaje muy interesante de la peli, los niños judíos escondidos en el colegio y el rector, padre Jean son detenidos. De hecho, "adiós, muchachos" son las últimas palabras que el padre Jean les dedica a sus alumnos. "au revoir, les enfants" .

Despidiendo a su amigo que se va preso de los nazis


Louis Malle quiso rodar una historia basada en sus propias vivencias juveniles. La historia del joven sensible apegado a su madre en colegio religioso durante la guerra tiene tintes autobiográficos, como los tiene también "el soplo al corazón", la historia de un chaval redicho, amante del jazz y la literatura, muy cercano a su madre. 

Tentando a tu amigo para que te confiese su religión


También tiene cierta relación con esta peli, otra cinta anterior de Malle, "Lacombe Lucien", la historia de un joven pobre que se convierte en colaboracionista de los nazis hasta que conoce a una chica judía de la que se enamora. En "adiós muchachos", como antes he referido, hay un personaje llamado Joseph que es un pobre tullido que se dedica a servir mesas, ayudante de cocina o limpieza en el colegio, que es dardo de todas las burlas y humillaciones por parte de los escolares, aunque también se dedique a trapichear con las conservas que los desaprensivos de los escolares le venden. Esto hace que lo expulsen del colegio y que acabe haciendo de chivato para los nazis, siendo el desencadenante del fin de la historia. Quizá esta sea la subtrama más interesante de la cinta.

Quentin trapicheando con Joseph, el personaje más complejo de la peli.


Es larga tradición francesa de pelis de escolares, empezando por "cero en conducta", de Jean Vigo, del año 1933, "los 400 golpes" de Truffaut, "la guerra de los botones", las pelis de Louis Malle aquí mencionadas, "el soplo al corazón" o Adiós, muchachos", "hoy empieza todo", o "los chicos del coro", casi podría decirse que los franceses le tienen pillado el truco al cine escolar.


Juli Gan

viernes, 10 de mayo de 2024

Varios apuntes más sobre "La Mesías"

 


Ya os he contado en episodios anteriores ("en episodios anteriores", una expresión muy de serie) que siempre llego tarde a las producciones episódicas televisivas (toma perífrasis para no repetir la palabra "serie"). Nunca descubro ninguna. Nunca soy la primera que ve nada. Siempre voy a remolque de recomendaciones y crítica y tardo meses o años en echarme a los ojos cosas que para entonces ya todo el mundo da por viejas y requetevistas.

Así las cosas, solo hace un mes que me acerqué por fin a "La Mesías", la aclamada serie de los Javis, sobre la que ya en diciembre del año pasado nos ofreció un genial artículo nuestra compañera Mona Jacinta aka Laura Balagué. Por eso titulo este articulito mío "Varios apuntes más...", porque es nada más un apéndice a lo que ya han dicho, y muy bien dicho, otras y otros.

Lo primero que escribo es que la serie me gustó mucho, que la vi con muchas ganas y que me da a mí que marca la entrada de los Javis en la mayoría de edad; entendedme: quiero decir en su madurez como directores. No es que antes fueran inmaduros, pero ahora los veo asentados, habiendo alcanzado ya un punto de estabilidad y de carácter como creadores.

Nada más empezar os digo ya cuál es, en mi humilde opinión, el peor defecto de "La Mesías": que la hayan alargado forzadamente. Sinceramente creo que, con dos episodios menos, habría quedado estilísticamente más redonda. "La Mesías" comienza intensa, muy bien, y sigue genial, pero en los tres últimos capítulos adquiere otro tono, más reposado, alarga las escenas un poco artificialmente, las conversaciones incluyen demasiados silencios, pierden fuelle y todo el producto se debilita. 

Y después de esta minicrítica, voy con los apuntes varios, sueltos y desconectados, que os prometía en el título.

💬 "La Mesías" tiene muy mala baba. Y me encanta. Mis escenas favoritas son las que rezuman sarcasmo y humor destructivo. Poner a Albert Pla en el papel de fanático católico integrista supone un triple salto mortal difícil de superar.

💬 Los Javis saben que no están solos en su universo y, por tal rzón, dirigen muchos guiños cómplices y referencias sueltas a nuestra cultura popular a quienes nos hemos criado y educado con un pie en la parroquia y otro en las salas de cine. En mi caso, con los dos pies en el mismo local, pues (no sé si os lo he contado alguna vez) en mi barrio durante un tiempo, entre que derribaron una iglesia y construyeron otra, las misas se hacían en el antiguo cine; como alegoría no está mal, ¿verdad? Bueno, ya os daré más detalles otro día en otro artículo. 

Esa vivencia entre dos mundos en principio diferentes y distantes hizo que no pudiéramos evitar recrearnos en el lado dramatical y enterteinment de los oficios religiosos, con sus números musicales y todo.Con toda la perversidad que ello conlleva. Quien no haya interpretado alguna vez una misa como mero espectáculo que tire la primera piedra.

💬 Por extraño que parezca, "La Mesías" defiende la tesis de que las sectas son necesarias. Los seres humanos necesitamos engancharnos a espacios seguros que dicen protegernos, necesitamos pertenecer a algo más grande que nosotros, algo que nos prometa un pedacito de gloria; puede ser la religión, el fútbol o un partido político.

💬 Una de las principales bazas que juega "La Mesías" es el grupo musical Stella Maris, que, al parecer, va a tener vida después de la serie y ha anunciado actuaciones en festivales veraniegos. El grupo y, por supuesto,  sus vídeos lisérgicos. La inspiración para crear este conjunto musical tan arrebatador como aberrante les vino a los Javis del increíblemente existente Flos Mariae; y las historias de niños retenidos en sus hogares por padres integristas religiosos, de las páginas de sucesos. Así, a bote pronto, me viene a la cabeza un caso bastante reciente en Madrid y decenas de ellos en los USA.

💬 Lo dice Mona Jacinta y lo suscribo: los Javis han bebido directamente de las creaciones de Pedro Almodóvar; se las han aprendido muy bien, han integrado, digerido, reciclado y producido en consecuencia un tipo de cine que a mí se me antoja fundacional, que va a poner las piedras en la base del nuevo cine que se hace y se va a hacer en España. Aunque solo sea por esa predominancia de las actrices, ya excelsas de por sí, que en sus manos brillan deslumbrantes. Hablo, por supuesto y sobre todo, de Carmen Machi y Lola Dueñas en papeles estelares y de Gracia Olayo, aquí en uno más secundario.

En fin, que si hay segunda temporada, me alegraré mucho. Os saluda cariñosamente vuestra amiga 

Noemí Pastor

viernes, 3 de mayo de 2024

Anatomía de una caída

Soy fan de la ficción en torno a los tribunales de justicia, tanto en el cine como en la literatura. Me han apasionado a lo largo de los años novelas, pelis y series, desde las clásicas Matar un ruiseñor o Anatomía de un asesinato hasta las más recientes, el El caso Collini, Hierro o The good fight, pasando por el boom del thriller judicial estadounidense de los 90, John Grisham, Scott Turow, etc... La extraordinaria película de Justine Triet —ganadora de un Oscar, la Palma de Oro y no sé cuantos merecidos premios más— es una ficción judicial completamente distinta. No tiene ni una sola concesión al tono entre épico y divulgativo que como un envoltorio de regalo suele acompañar a estas obras. Tampoco se sirve del suspense. Es una exposición realista de cómo el proceso judicial puede invadir, devorar y arrasar la vida de quien tenga la mala suerte de verse envuelto en él. Como una bomba que te explota en la cara. Con esto no quiero criticar el proceso o sus formas, al revés, defiendo el desempeño cotidiano de los jueces —inmenso, anónimo e invisible—, lo que digo es que la película tiene el acierto de mostrar la realidad en toda su crudeza y sin adornos. El impacto, el desasosiego, el malestar, incluso la preocupación que provoca se construyen con elementos dispares. La música. Concebida para crear malestar. Prescinde de un acompañamiento musical de fondo para embellecer el conjunto, ya que, salvo alguna pequeña excepción, solo hay música diegética (la que los personajes también escuchan porque forma parte de su realidad). Pero, además es desagradable, ya sea por el volumen —en una de las primeras escenas— o por la repetición cuando Daniel toca el piano. Expresión de su rabia y desconsuelo, de la imposibilidad de asumir lo que le sucede. El niño. El actor Milo Machado realiza una interpretación maravillosa de Daniel. Es un personaje situado en el centro de la pesadilla del torbellino judicial y su afán es comprender. ¿Cómo va a comprender lo que los adultos no son capaces ni siquiera de expresar, no digo ya explicar? Inspira muchísima ternura y a la vez su presencia en el juicio es profundamente dolorosa y perturbadora para la protagonista. La protagonista. La actriz Sandra Hüller encarna a Sandra, que es una mujer que puede parecer ambigua porque tiene la virtud de no sentirse en posesión de la verdad. Duda, como todos, pero ella lo reconoce. Tiene planteamientos audaces, generosos e inteligentes y es consecuente con ellos, pero... sin ternura. Es fría y eso no se perdona en una madre y esposa. En algunos momentos me ha venido a la cabeza una película protagonizada por Meryll Streep, Un grito en la oscuridad, sobre una caso real en Australia donde una mujer fue condenada solo porque no daba el tipo de madre desesperada por la pérdida de su hijo. El tribunal: la pérdida de la vida privada. Muestra cómo se estudia hasta el más mínimo detalle de cada palabra, casi hasta los pensamientos: el montaje de la escena de la discusión de la pareja es impactante. Me parece que cae un poco en la parodia cuando pretende analizar los personajes de los libros de los dos escritores; pero lo que sí refleja es que cualquier acto de nuestra vida cotidiana, comentario o lo que sea, fuera de contexto puede ser demoledor. Antes decía que defiendo la labor de jueces y tribunales, y añado que defiendo más aún las garantías procesales: tenemos que evitar que un sistema bien diseñado se lleve por delante inocentes por un mal funcionamiento. Por lo demás, trata de tantos temas que seguro que me dejo alguno: la pareja, la evolución de la pareja, la complicidad, el reproche, el cuidado de los hijos, nuestra ineptitud en el cuidado de los hijos, la culpa, el estar perdido en un momento determinado, el derecho a estarlo, el que los demás no tienen la culpa de que tú estes perdido, la comunicación en la pareja y en la familia... El broche de oro es la pregunta que plantea al espectador. Pero no tiene sentido hablar de ella sin haber visto antes la película. Almudena Fernández Ostolaza.

viernes, 26 de abril de 2024

Juego de Tronos y algunos perfiles psicológicos de plena actualidad

 


"Juego de Tronos" es una serie de ficción ambientada en la pugna constante de varios reinos a fin de acceder al  trono de hierro en el medievo.

Este es el punto de partida de esta serie estadounidense del 2011 ambientada en la edad media y sin embargo perfectamente aplicable en muchos aspectos a nuestros días.

Motivos para ver Juego de Tronos en 2024:

1) la grandiosa puesta en escena, los escenarios naturales, algunos reconocibles en España ,las espectaculares batallas, el vestuario, la banda sonora, las caracterizaciones, el sonido,la fotografía....

2)las luchas de poder, las intrigas palaciegas, son análogas a las que  a día de hoy no sólo mantiene la clase política sino también las empresas o los ambientes de según qué trabajos, donde hay en juego, porciones de influencia,prestigio,ascenso , reconocimiento o poder.

3) Los perfiles psicológicos de algunos personajes principales coinciden con muchos personajes reales que podemos encontrar en estos microcosmos anteriormente mencionados.Sus virtudes y sus defectos, sus ángeles y sus demonios, conviven con nosotros cuando hablamos por ejemplo de ámbitos "tóxicos" de trabajo, cuanto ni más en una sociedad que todavía se recupera de las secuelas de un pandemia mundial, también en lo que se refiere a su salud mental.

En este punto, ahondaremos un poco y tal vez podáis reconocer a algunos perfiles en vuestro entorno más próximo:



1)Cersei Lannister.Estamos ante la hija Tywin Lannister.Reina de la dinastía Lannister porque se casó con el rey Robert Baratheon , aunque por ser mujer esté relegada a permanecer siempre a la sombra de su esposo, de su padre y de sus hijos varones a la hora de ejercer el poder. Es cruel, ambiciosa, despiadada.No quiere a nadie, salvo a su hermano, con quien mantiene una relación incestuosa y sus hijos.

Cercei, sería en vuestro lugar de trabajo, esa mujer ambiciosa, narcisista y manipuladora que llega lejos debido a su ausencia de escrúpulos, capaz de administrar sufrimiento sin atisbo de arrepentimiento.

Si tienes la mala fortuna de que sea tu jefa, tarde o temprano, es posible cojas una baja o directamente, consideres pedir una excedencia voluntaria.



2) Tyrion Lannister

Hermano de Cersei.Su personaje presenta enanismo y en la Edad Media esta condición física, por muy noble que fueras, podría condenarte a la muerte debido a que constantemente se recurría a la fuerza física para poder sobrevivir en el campo de batalla y fuera de él. Tal vez por esta razón, Tyrion es un personaje resiliente que ha sabido valerse de otras fortalezas para subsistir en un mundo plagado de peligros y amenazas.Es por eso, que Tyrion ha cultivado su inteligencia y su cultura y cuenta con el  don de la palabra y la persuasión. Mujeriego y bebedor, ha sabido sacar partido de sus lecturas para seguir vivo en un mundo donde la sabiduría en un momento dado, también puede sacarte de más de un aprieto.

3) Sansa Stark


El linaje de los Stark es de un total de seis hijos y Sansa es de las hijas, la primogénita .

Su vida, aún siendo noble, se convierte en una pesadilla desde el momento en que su padre muere.Su personaje es humillado, explotado, expuesto a mil adversidades, traicionada por "Meñique"....etc...Su aparente fragilidad esconde fortaleza y estamos esperando que resurja de las cenizas cual Ave Fénix para que por fin se convierta en una mujer libre y empoderada.

Sansa tal vez podría ser esa compañera de trabajo que habiendo sufrido algún tipo de opresión, poco a poco, va rompiendo con todas esas cadenas hasta liberarse puede que en el mismo puesto o simplemente poniéndose a salvo promocionando o cambiando de contexto.

4) Meñique


Posiblemente uno de los personajes que más engañan con sus formas y apariencias.Sibilino y educado, resulta ser un manipulador que trata bien a sus aliados siempre y cuando les sirvan para lograr sus propios intereses.Inteligente, cruel, perverso y despiadado.Lo que vendría a ser un sociópata en toda regla.

Si en tu lugar de trabajo, encuentras un Meñique y encima tienes la desgracia de que sea un jefe, huye mientras puedas,a no ser que hayas logrado hacerte un expert@ en el arte del elogio y adulación.

5)Daenerys Targeryen


Uno de los personajes femeninos con más carisma y empoderamiento.Huérfana y entregada a un matrimonio que no desea, atraviesa todo tipo de dificultades y evoluciona convirtiendo cada adversidad en una oportunidad de crecimiento.Poderosa reina de dragones, valiente y resiliente con un gran sentido de la justicia, liberando a numerosos pueblos de la esclavitud hasta crear un gran ejército.Ella que era tímida e insegura ,crece y se convierte en una mujer líder a la que el pueblo sigue con profunda convicción.

Si tienes a una mujer así en tu trabajo , es posible ascienda por mérito propio, combatirá las injusticias y si tienes la suerte de que sea coordinadora, defenderá a su equipo aunque más de una vez ella misma ejerza de parapeto o rompeolas para que sus trabajadores no se lleven la peor parte,Son mujeres carismáticas y luchadoras.Merece la pena tenerlas cerca , si es que las dejan mantenerse en el cargo.

6)Arya Stark


Una niña que arrastra pérdidas familiares traumáticas.Arya es una chica que se hace pasar por chico para sobrevivir, es independiente, resiliente, actúa a la fuerza como si una adulta se tratara y resiste lo imposible con la fortaleza que le proporciona el deseo de venganza.

Arya será una adulta resentida, fuerte pero con heridas abiertas.

7) Joffrey Baratheon

Joffrey es rey.Su crueldad y sadismo es posiblemente es más impactante de la serie.Parece que le complace el sufrimiento ajeno, narcisista y egocéntrico, carece de escrúpulos y de empatía.

Si en tu lugar de trabajo topas con algún personaje similar, corre , más rápido aún, si tiene poder.

8) Jon Nieve



Es un líder triste pero carismático.Consagrado al linaje de los Stark, es noble, leal y tiene sentido de la justicia.Un jefe así es una fantasía hecha realidad.




Espero que con esta aproximación a algunos personajes de la serie, mínimo os haya entrado curiosidad.

La serie es absolutamente recomendable, da igual si os gusta o no la ciencia ficción, la fantasía o el toque mágico que en algún momento pueda tener.Es una serie con unos personajes fascinantes, con incesante acción y con un duelo constante entre el bien y el mal.Sobran los motivos para darle una oportunidad.

Si alguien quiere comentar sobre algún personaje no mencionado, seré toda oídos.

Féliz fin de semana.

Troyana


viernes, 19 de abril de 2024

Shogun: lealtad japonesa

Esta semana viajamos en el espacio y el tiempo hasta llegar al Japón de la época pre-Edo, a través de la serie Shogun, producto de FX que llega a la mayoría de las televisiones a través de Disney +.  Se basa en la novela de James Clavell publicada en 1975 y best seller del momento, que ya fue objeto de adaptación televisiva en los años 80, con el protagonismo de Richard Chamberlain y el gran Toshirō Mifune.

En este caso, y a falta del capítulo final, pues la serie regresa al concepto de "miniserie" sin continuaciones, podemos decir que, sin haber leído el libro ni visto la adaptación final, estamos muy agradecidas de que el Shogun de 2024 sea la serie que muchos llevábamos mucho tiempo esperando: aparentemente fiel al mundo del siglo XVII que representa, sin miedo a mostrar el choque culturarl de entonces y todo obviando los mecanismos actuales que se meten en series históricas (música anacrónica, puestas en escena modernas o personajes inclusivos y poco realistas con el momento).

Shogun cuenta la historia de John Blackthorne, un piloto inglés que naufraga en Japón, y que había sido enviado junto a sus compañeros en un navío holandés, para romper el monopolio portugués existente en el 1600, propagar el enfrentamiento católico-protestante en oriente, y empezar el imperio inglés. Su llegada al país nipón coincidirá con un periodo de casi guerra civil y lucha de clanes, que complicará más su supervivencia, en un entorno donde se le considera un "bárbaro".

La serie resalta porque en vez de centrarse en el protagonista inglés, se fija más en los miembros japoneses de los diferentes clanes y sus luchas. Tanto es así, que el idioma principal es el japonés, y salvo los momentos en los que hablan en "portugués" por cuestiones de la trama, hay que seguirla con subtítulos (salvo si se habla el idioma). Esto, que parece sorprendente en una serie producida por Estados Unidos, no lo resulta tanto, cuando se ve que en la producción también ha colaborado un equipo japonés. De hecho, uno de los actores principales, el conocido Hiroyuki Sanada, que actúa como Toranaga, es uno de los productores y para él la fidelidad histórica era uno de los pilares principales de esta producción (1)

Resulta una gozada, ver una serie que quiere ser rigurosa, que se siente más como una producción japonesa, de calidad cinematográfica, que como otro producto más comercial y hecho para las masas, porque además, nos muestra que hay otra manera de hacer las cosas, sin que resulten "pasivas" o "lentas", o poco apasionates. Aunque es verdad que al principio, para "venderla" dijeron que era la nueva "Juego de Tronos" (2), algo que incluso irritó a su director, Jonathan van Tulleken.

Sobre la historia y la producción, poco más voy a añadir. Ahora toca hablar de los actores y destaca Sanada y su corte,  porque todos son excelentes, resaltando Anna Sawai como Mariko, una mujer que os maravillará, que tiene su propio arco y no es una mera comparsa. Sobre Cosmo Jarvis, que hace de Blackthorne, afortunadamente podemos olvidar su participación en la terrible Persuasión de Netflix, y su interpretación nos puede recordar a Tom Hardy, como un tosco inglés de la época; en particular, me gustaría verlo en otros roles para confirmar si su "confusión" se debe a que quiere compartir la de John, o es su manera de actuar. De los demás, todos son muy profesionales, destacando por su carisma Takehiro Hira (Ishido), Tadanobu Asano (Yabushige), Tommy Bastow (Padre Martin Alvito) o los 10 minutos que aparece Nestor Carbonell como el español Vasco Rodrígues.

Poco más quiero decir de la serie, salvo que la veáis y os aseguro que la vais a disfrutar tanto que ni se os va a ocurrir haceros el hara-kiri, perdón, el seppuku.

Carmen

Fuentes:

  1. https://eu.usatoday.com/story/entertainment/tv/2024/02/28/shogun-producer-hiroyuki-sanada-interview/72702443007/
  2. https://as.com/meristation/noticias/shogun-no-es-como-juego-de-tronos-su-director-prefiere-compararla-con-estos-exitos-n/

viernes, 12 de abril de 2024

Griselda

Después de ver Griselda, he decidido que no me voy a hacer narcotraficante. ¿Que ganas dinero? Sí, pero llevas una vida muy perdulable, como decía una paciente mía. Además, os advierto que es un mundo completamente dominado por el heteropatriarcado. Pero os lo voy a contar despacio. La serie está basada en la vida de Griselda Blanco, una mujer colombiana que controló el tráfico de drogas en Miami entre los años 70 y 80. Por supuesto, la serie se permite bastantes licencias respecto a la vida real de esta mujer, pero los datos fundamentales son ciertos. Una cosa queda clara en la serie: para ser narco tienes que estás dispuesto a matar y a morir. Puedo entender que gente que vive en una situación de pobreza y rodeados de violencia lo acepte como medio de vida. En realidad, tienen poco que perder. La vida, pensaréis, pero no parece tener mucho valor para esta gente, es como si estuviera asumido que vas a morir joven, por lo tanto, hay que exprimir la vida a tope el tiempo que tengas. Me resulta más difícil de entender que no cojan más apego a la vida cuando ya se han hecho capos del tema, tienen un montón de dinero y una familia. A la protagonista le aconsejan varias veces que se retire, pero no sé si es por ambición, avaricia, amor al riesgo o venganza, siempre decide seguir. Yo hubiera esperado un comportamiento más conservador de los que están arriba, de establecer unas normas del juego que les proporcionen algo más de seguridad, pero se ve que esto no funciona así. En la serie vemos llegar a la protagonista a Miami con sus tres hijos después de matar a su marido. En la maleta lleva un kilo de coca para vender. ¿Os imagináis llegar a una ciudad que no conoces y donde no sabes cómo funciona el negocio e intentar vender la coca? El personaje queda retratada como una psicópata, pero no hay duda de que tenía valor. O desesperación. O las dos cosas. Sofía Vergara borda el papel. Está irreconocible. Construye un personaje que es una fuerza de la naturaleza, capaz de levantarse tantas veces como la derriban, inteligente, ambiciosa y sin ningún escrúpulo. Además de ser un mundo cruel y despiadado, es también un mundo completamente machista y que una mujer pretenda tener algún control resulta inadmisible para los narcos. Ella construye su imperio con el apoyo de un grupo de prostitutas que trabajan como sus mulas y un ejercito que constituye con marielitos que le son muy fieles. Otra que sufre el machismo en sus carnes es la policía que quiere resolver el caso. En la comisaría consideran que una mujer está en comisaría para hacer café y fotocopias, y se tendrá que dejar la piel para poder seguir adelante con el caso. Otra cosa que me fascina de la serie es la ambientación y, sobre todo, el vestuario y maquillaje. Es una vuelta al pasado muy lograda, imaginad un mundo de lujo ligado al tráfico de drogas en el Miami del 75 al 85. Ríete tú de Corrupción en Miami. Un despliegue de rasos, oros, casas con piscina y melenas a lo Farrah Fawcett. El director de la serie es Andrés Baiz, del que no he visto ninguna película, aunque Satanás ganó en el Festival de Montecarlo en 2007. Los actores están todos muy bien y hay alguna cara conocida entre nosotros, como Ernesto Alterio y Victor Ammann. Son solo seis capítulos y, aunque no es un tema novedoso, el hecho de que la protagonista sea una mujer en esos años, le aporta más interés. En la verdadera historia de Griselda Blanco, tres de sus cuatro hijos murieron asesinados y ella también a los 69 años, lo que se considera ser longeva para una traficante en activo. Como os he dicho, no me haré narco que me quedarían dos telediarios.

sábado, 23 de marzo de 2024

Se les fue la mano, aunque sea de hierro

No quiero repetirme, pero lo debo hacer una vez más. En mis últimas contribuciones he venido hablando de las series para plataformas de televisión y su gran momento. Hay una especie de edad de oro de las series, pero eso también significa que, entre tanta producción, suela haber bastante ejemplar mediocre. Yo deseaba poder hablar aquí de una seria epatante, pero acabo de ¿consumir? algún que otro gato que me habían vendido como liebre.

Destaca el gris...En todo.


Cierta plataforma televisiva  ha estrenado, y publicitado, una serie de acción española, trufada de grandes nombres en su reparto. El tráiler es trepidante, pero la serie pierde gas desde el primer capítulo. La sinopsis es la siguiente: Joaquín Manchado, also known as "el manco" (Eduard Fernández) es un hombre hecho a sí mismo, como nos demuestran los recurrentes flashbacks, que es el que maneja a su antojo el puerto de Barcelona, tanto en negocios legales como ilegales. No pasa nada en su puerto que él no sepa. Su familia convive y trabaja con y para él, desde su hermano Román (Sergi López), sus hijos (Enric Auquer y Natalia de Molina) y su yerno (Jaime Lorente).

La serie lleva el nombre de su personaje, pero no el peso.


La trama es tan clásica que sabes lo que va a pasar y eso le quita interés. Cada personaje, masculino, por supuesto, ya que las tres o cuatro mujeres que tienen letra en la serie hay poca cosa que reseñar, y es que en este campo de nabos las mujeres no dejan de ser una mera comparsa y se limitan a ser: la hija del jefe (Natalia de Molina), la hija y hermana de un gángster mexicano (Giannina Fruttero),  la puta de lujo a la que babosea el hermano  gregario del jefazo (María Belmonte), una secundaria misteriosa que tiene alguna escena al final de la serie inacabada (Melina Matthews), o el papel que se queda a medias de personaje importante que hace su aparición con cuentagotas (Ana Torrent)

Sergi López hecho un cristo.


Así que entre explosiones, tiros, sangre, palizas, puñaladas literales y de las figuradas, también, flashbacks fallidos que intentan explicar el por qué de la violenta situación actual, ambas tan falsas como una sonrisa de vendedor profesional, la serie va perdiendo fuelle. 

Las subtramas no están demasiado logradas. Chino Darín en plan ONG.


Hablando de flashbacks, sitúan los inicios del imperio del joven advenedizo que será "mano de hierro" en un puerto de Barcelona irreal que convierte a los estibadores en mafiosos que viven en una especie de gueto chabolista (Que quieren hacer pasar por lo que fue can Túnis, actual zona donde se aposenta "Mercabarna"). Entiendo que quieran mostrar un pasado oscuro y peligroso de un puerto corrompido, pero es que no da el pego.

Sicarios mexicanos, bueno, Raúl Briones, sí, su hermana, Giannona Fruttero es de bastabte más al sur.


En resumidas cuentas. Hay un conflicto con un cargamento que entra a puerto en el que se ven envueltos el mafioso local que tiene untado al picoleto que comanda el cuartel (Se agradece ver a Salva Reina en un registro que no es el habitual), a los mafiosos italianos, a los sicarios mexicanos (Aunque la peligrosa mexicana sea chilena) y a los arribistas que quieren dar el golpe de su vida. Nada demasiado original, que, además cumple con la estafa, no ya de dejar algún cabo suelto para una segunda parte, sino de no resolver absolutamente nada dejando muy descaradamente todo inacabado, lo cual es indignante.