Causa propia

CAUSA PROPIA “La vida es lo que cada uno hace con lo que puede” Hoy traigo una serie policiaca portuguesa, dirigida por Joáo Nuno Pinto, que encaja en mi subgénero favorito: el judicial. Y si la protagoniza una mujer, mejor todavía. ¿Quién no recuerda la maravillosa Hierro, con Candela Peña? En este caso también trata de una jueza de una pequeña localidad donde se descubre en un parque el cadáver de un muchacho, André, alumno del instituto. El crimen provoca la consiguiente alarma social, repulsa y revuelo mediático, pero además el proceso se complica al ser el hijo de la jueza compañero del chico asesinado. La protagonista, la jueza Ana Martins, interpretada por Margarida Vila-Nova, es fascinante. La serie muestra su faceta como jurista, algo idealista pero práctica y con una conciencia implacable. Además del proceso principal, se intercalan fragmentos de otros juicios que dan una visión más completa de su quehacer cotidiano y permiten reconocerla como una de esas personas en las que el sentido del deber prima sobre cualquier otra consideración, que se esfuerza por llegar a la verdad y por cumplir su función con independencia y objetividad: “Me gusta pensar que soy alguien que siempre intentó hacer lo correcto o lo menos equivocado”. También la vemos en su faceta de madre, tan relevante o más que la anterior. Se trata de una madre divorciada, que además de llevar el peso de la crianza de sus hijos tiene que soportar lecciones y reproches de un ex que ni sabe ser padre ni pierde su valioso tiempo en intentarlo, pero esto no la distrae de su propio camino: ella hace todo lo que puede lo mejor que puede, sin distraerse en medir culpas o responsabilidades, ni en reivindicar si su situación es justa o injusta, aunque lo piense en algunos momentos, –sí, consigue transmitir lo que piensa–. Y, por último, y un poco residual porque le queda poco tiempo, también la vemos en su faceta como mujer a secas. El resto del reparto está a la altura: el exmarido insufrible, Vítor, es Ivo Canelas, un fiscal preocupado en exclusiva por su imagen de cara a una futura carrera política; los hijos David y Clara, interpretados por Alfonso Laginha y Silvia Chiloa, como buenos adolescentes tienen secretos y son exigentes con su madre, aunque también están unidos a ella y le demuestran cariño; el policía investigador Mario es Nuno Lopes, un policía sexi y sensible a la vez, (que, en mi opinión, pierde muchos puntos por desahogar sus penas en el Club Morita); y también resultan muy convincentes las abogadas Elisa y Joana, representadas por María Rueff y Ana Valentim, así como el resto de actores y actrices de dan vida al fiscal, los otros jueces y abogados, los chicos del instituto, etc,... Me han gustado especialmente las interpretaciones de la policía investigadora María, Catarina Wallenstein, capaz de intimidar solo con la mirada, y de la novia de David, Inés, la joven Margarida Caldeira, que borda el papel de tímida, dulce e inteligente. Como adorno, también es un acierto la elección de los títulos de los capítulos, que son aforismos jurídicos clásicos, que con su solemnidad son muy representativos del impacto que el contacto con la justicia provoca en las vidas de los ciudadanos: “Hágase la justicia aunque el mundo perezca”. Almudena Fernández Ostolaza.

MUJERES DE CINE VI

 Dada la cercanía del 8 de Marzo y que esta vez por motivos de trabajo, no pude ir a la manifestación en el día de la Mujer, dedicar una entrada a mujeres de cine se me ocurre una buena manera de desquitarme y homenajear por diferentes razones a tantas "fenómenas " que son referentes por uno u otro motivo para muchas de nosotras.

Visto que esto es casi un ritual, os enlazo listas anteriores dedicadas a mujeres fuertes, a veces frágiles pero resilientes, rompedoras, significativas todas. El último listado es de 2021 y podéis encontrarlo aquí: Mujeres resilientes y de ahí navegar hacia otros listados anteriores.

En el listado de hoy con ocho menciones, mezclaré mujeres de series con películas, productos "menores"  con otros muy premiados, quien busque sólo productos laureados, aquí no es , quien se anime a apuntar más ejemplos de mujeres en el cine, aquí sí es  y compartir es vivir :

1) Olga de "As Bestas"de Rodrigo Sorogoyen ( 2022)

Un drama rural excepcional en el que la presencia femenina es secundaria y sin embargo, qué papelón el de esta Marina Foïs en el personaje de Olga, qué templanza y contención en un thriller repleto de tensión psicológica de principio a fin.

2) Anna Castillo es Nati en la miniserie "Fácil" de Anna R. Costa ( 2022)

Las cuatro protagonistas de esta mini serie que se acerca a la realidad de cuatro mujeres con diversidad funcional que comparten una vivienda tutelada en la Barceloneta, son humanas, imperfectas como todos nosotros y  divertidas. Más allá del rigor en lo terapéutico, dejarse llevar por las vicisitudes de las protagonistas te garantiza un buen rato, sin expectativas intelectuales altas, disfrutar sin más,  que visto lo visto, no es poco.

El personaje de Nati en concreto me encanta porque es política, intensa ,crítica, extrema, sin filtros y Anna Castillo lo borda.

3) Belén Cuesta es Barbara Rey en la mini serie "Cristo y Rey " ( Daniel Écija, 2023)

María , personaje que interpreta Barbara Rey es una superviviente. La serie no sabemos hasta qué punto es ficticia o basada rigurosamente en hechos reales, pero lo que aquí interesa resaltar es cómo una mujer supo salir de varios infiernos con la fuerza de un ave fénix sin dejarse vencer por mal llamados amores que pasaron por su vida.

¿Quién la quiso como realmente merecía? 

4) Laia Costa y Susi Sánchez en "Cinco lobitos" (2022 Alauda Ruiz de Azúa)

Madre e hija en la ficción, "cinco lobitos" nos muestra la cara no idílica de la maternidad y la doble condición de ser madre primeriza sin dejar de ser nunca hija.

5)Marisol en  "El Peor vecino del mundo " (Marc Foster 2022)

Esta película que parece menor y me ha recordado a "Gran Torino" nos deja el reflejo de las dos Américas representadas por Trump y sus adversarios políticos. Tom Hanks es Otto el vecino mayor y cascarrabias que le gustaría que nada hubiera cambiado ni en su vida ni en la sociedad en general ,aferrado a los valores más clásicos y tradicionales se topa con sus vecinos  y en concreto con Marisol ( Mariana Treviño) una mujer mexicana afincada con su marido y sus tres hijos en la misma zona residencial que Otto que pondrá a prueba su rigidez y su intransigencia a base de presencia ,constancia y cariño.

Me ha encantado todo, las interpretaciones, la visión solapada de las dos américas eternamente enfrentadas y aquí finalmente reconciliadas y la maravillosa Mariana Treviño que funde hasta el acero con esa naturalidad y afecto que desprende su personaje, Marisol.

6) Seidi Haarla en "Compartimento nº 6" ( Juho Kuosmanen , 2021)

En esta película finlandesa, nuestra protagonista tendrá que tomar un tren hasta Moscú para visitar un yacimiento arqueológico. La casualidad hace que tenga que compartir vagón con un tosco operario ruso con el que en principio no tiene nada en común.

Almas perdidas que conectan y una mujer aventurera que se atreve a salir de su zona de confort para explorar otros universos, humanos, culturales, paisajísticos....un relato pequeño y asombroso en el que nada es previsible.

7) Harlem ( Tracy Oliver, 2021)

Esta serie de dos temporadas sobre cuatro mujeres afroamericanas en Harlem, Nueva York, puede ser una gozada para ti sobre todo si en su día disfrutaste de "Sexo en Nueva York" o " Girls".

Aquí estas cuatro amigas son mujeres empoderadas en la treintena que se enfrentan a los dilemas propios de su generación en la sociedad actual tan compleja como neurótica.

 Camille es profesora de antropología en la Universidad de Columbia. Es una mujer muy capaz a nivel profesional pero a nivel personal y con las relaciones , a veces se siente desbordada por sus propias emociones ,dudas y temores.

Quinn es diseñadora de moda y está intentando dirigir su propio negocio, a nivel personal, es romántica y monógama pero se atreve a explorar nuevos mundos guiada por sus propios sentimientos.  Su compañera de piso es Angie, una actriz y cantante que se quiere mucho a sí misma y está segura de quién es y lo que quiere de la vida aunque a nivel profesional, tiene muchos altibajos e incertidumbre, ella cree en sus sueños y persevera.

Tye, una empresaria experta en tecnología que creó una app de citas para lesbianas. Tye  tiene miedo al compromiso, e intenta encontrar el equilibrio entre su deseo de encontrar una pareja estable y el temor a comprometerse.

Su amistad y su historia reivindica lo que es ser una mujer resiliente, independiente y capaz.

8) y cierro la lista con las protagonistas de "Las de la última fila" (Javier Sánchez Arévalo, 2022 ) serie que ha gustado tanto como ha disgustado a partes iguales pero a mí personalmente me ha chiflado por ser un compendio de valores en los que a pesar de todo sigo creyendo : sororidad y empoderamiento femenino a partes iguales.

La reseñé aquí no hace tanto y os dejé constancia  en mi opinión de sus virtudes por encima de sus reconocibles debilidades.

Me recordó a "Sólo ellas, los chicos a un lado" ( Herbert Ross, 1995 )otra road movie feminista y   LGTBI de tres mujeres que inician un viaje el cual sin ellas imaginarlo, marcará un antes y un después en sus vidas para siempre.

Y hasta aquí este ramillete de mujeres referentes en la pequeña y la gran pantalla.

He puesto el acento en hacer una lista lo más actual posible pero si os apetece añadir pelis o series a la lista ,sería un placer recibir vuestras aportaciones.

Feliz fin de semana

Troyana

Tropic Thunder: una guerra muy perra

Hoy quiero recuperar y reivindicar una de las últimas comedias gamberras que nos hizo el Hollywood de los últimos años, y que no se ajustaba a ningún "algoritmo", como yo suelo decir. Porque últimamente nos vemos llenos de productos que van de "rompedores" y "desvergonzados", pero que parece que son siempre los mismo chistes de mal gusto, gestionados con una historia que hemos visto cientos de veces....y "Tropic Thunder" (subtitulada en España, "Una Guerra muy Perra"), es difícil de meter en un tipo de comedia determinada, salvo que hablemos de una "brutal" y "desvergonzada" que sucede en la guerra, mientras hace lecturas del propio mundo de Hollywood, con más gracia que otras sátiras de la meca del cine (Babylon, te miro a tí).

Actualmente, este film lleno de "irreverencia" que ya resultaba alborotador en su estreno de 2008, podría ser incluso más "perturbador" para aquellos que siente que la ofensa les puede hacer daño, pero aquí vamos a concentrarnos no en las cuitas de la "corrección", si no en la sátira y descortesía de un film firmado y protagonizado por Ben Stiller.

Derek Zoolander junto a Bowie y su competencia

Sí, ya sé que hay gente a la que al bueno de Ben le puede resultar demasiado "chusco", y esta película no es una excepción, aunque vaya también firmada por el director Etan Cohen o el actor Justin Theroux, e incluso podríamos decir que no sabemos muy bien, quién de los tres es el mayor responsable de este ejercicio travieso. En cualquier caso, el film bélico-satírico es una burla al mundo del cine de manera similar o incluso más exagerada, que la divertida Zoolander era del mundo de la moda.

Tropic Thunder comienza contándonos el desastre que está siendo una adaptación en la selva asiática de una historia "real" de la época del Vietnam, donde su verdadero protagonista (encarnado por Nick Nolte) es asesor. Tras un accidente con los explosivos que destruye el presupuesto, el director (Steeve Coogan), se deja seducir por el "cuentista" de Nolte y un técnico de efectos (Danny McBride), que cree que la culpa de todo es de los actores y necesitan una lección. Será ahí, cuando todos acaben en la selva, y la realidad supere a la ficción, siendo la historia de la película real un reflejo de lo que también habla la película original y ficticia.

¡Esto es la guerra!

Y los actores son desde luego, culpables de la situación del rodaje, y un ejemplo de lo que se mueve en Hollyowood. Tenemos cinco "actores" que son personajes bien definidos e interpretados con gracia y talento por sus "actores reales":

- Ben Stiller es Tugg Speedman, una antigua estrella de acción en un delicado momento personal y profesional, pues se siente solo y sus películas ya no recaudan como antaño, e incluso intenta reconducir su carrera con este papel bélico o el protagonismo de "Simple Jack", donde da vida a alguien con inteligencia "menor" como tantos otros actores que quieren hacerse respetar y ganar premios.

- Jack Black es Jeff Portnoy, un cómico drogadicto a la deriva con un sentido del humor basto y escatológico (similar al Profesor Chiflado de Eddie Murphy).

- Robert Downey Jr. es Kirk Lazarus, un intenso actor australino del "método", que llega a decirnos que cuando se mete en un papel, no sale hasta "los comentarios del DVD". Empieza con controversia pues interpreta a un personaje afroamericano, por lo cual se somte a una "alteración de la pigmentación".

- Jay Baruchel es Kevin Sandusky, un actor novato y aun no "ensuciado" por Hollywood, que incluso se ha leído el libro y el guión e interpreta la inocencia en el film.

- Brandon T. Jackson es Alpa Chino, un rapero "muy macho", que está intentando entrar en el mundo de la actuación, mientras promociona anuncios.

Una patrulla de combate

Meter a este grupo en una selva, pensando que están rodando una película, y en realidad, se van a ver envueltos en una guerra real, es realmente divertido y más se si se comparan con los "personajes" del film que interpretan y cómo evolucionan sus personajes, porque todos ellos van a ir creciendo a lo largo de la película de una manera u otra, a través de una trama rocambolesca que nos contará además las miserias de las producciones cinematógraficas.

Y hablando de estas producciones de cine, también hay que hablar de los personajes de Matthew McConaugh (que reemplazó a Owen Wilson debido a los problemas personales de éste) y de Tom Cruise, en uno de sus pocos papeles cómicos. McConaugh es el representante de Stiller, que hace lo que sea por su cliente y es de las pocas personas que parece apreciales. En cambio, Tom Cruise como Les Grossman no tiene cariño por nadie, e irreconocible en este papel, nos regala una visión del Hollywood más caníbal, rastrero y terrible que puedas ver, donde sólo cuenta el dinero, la taquilla y poco más.

El peor "lado" de Hollywood

El film está lleno de guiños, de mala "idea", de todo lo bajo en lo que pueda caer la gente, pero a la vez, no puedes evitar apoyar a ese "atajo de perdedores egoístas" para que sobrevivan, en una situación delirante, mientras se supone que están haciendo una película. Tiene dos partes muy diferenciadas, que son las del mundo de Hollywood, totalmente enloquecido y sin mojigatería, muy de principios de la década del 2000, donde las estrellas brillaban o se apagaban por su popularidad (sin redes sociales) o su "arte", mientras eran perseguidos por paparazzis, y sus vidas se veían en los programas de entretenimiento, con sus clichés y una visión "malvada" del sueño americano. Luego está la parte de la "selva" y la "guerra", donde el glamour es reemplazad por la brutalidad y violencia, pero a la vez no puedes parar de reir.

Stiller no sólo protagoniza y firma el guión, si no que también dirige y lo hace de una forma vertiginosa y dinámica, con guiños a clásicos bélicos, con gracia delante y detrás de las cámaras. Y la película comienza con una serie de falsos trailers y anuncios, que nos contarán como son los protagonistas y el tono de lo que nos vamos a encontrar a partir de ese momento.

De nuevo, sólo quiero volver a reivindicar, mientras no nos la censuren, esta divertídisima obra que va contra sus propios protagonistas, una mayoría egoísta o inútil, pero a los que debes acabar apoyando porque están llenos de humanidad, pese a todos sus "pecados". Realmente divertida y para echar unas risas hasta que se te salten las lágrimas, que es lo que a veces necesitamos.

Carmen R

Los Fabelman

Soy bastante fan de Spielberg. No he visto todas sus películas, pero la mayoría. Me encantan sus pelis de aventuras: la saga de Indiana Jones, la primera de Parque

Jurásico, E.T o de intriga como El Diablo sobre ruedas, pero también me gustan las “serias”, como La lista de Schindler, El puente de los espías o Los archivos del Péntagono. ¡Si hasta le salen bien los musicales! Yo disfruté mucho con West Side Story. Si a esto añadimos las buenas críticas que ha recibido Los Fabelman, comprenderéis que no podía dejarla pasar. Antes de empezar la película, aparece el director contando que es su obra más personal y que agradece al público que vaya a verla. Efectivamente, aunque en todas sus películas hay una huella personal, esta es la más autobiográfica y nos muestra la infancia y adolescencia de un alter ego de Spielberg y sus inicios en el cine. Partimos de la primera experiencia del protagonista, cuando sus padres le llevan a ver El mayor espectáculo del mundo, que le impresiona mucho y le lleva a querer plasmar algo parecido con sus juguetes. Más tarde vemos sus primeras experiencias con una cámara de superocho. La película termina con sus comienzos profesionales y la ocasión en que conoce a John Ford (magníficamente interpretado por David Lynch). La historia se desarrolla a finales de los 50 y durante los 60. Los Fabelman son una familia judía compuesta por el padre, un ingeniero que comienza a trabajar en informática; la madre, concertista de piano que dejó su carrera para cuidar de su familia; Sammy, el joven que representa a Spielberg, y sus tres hermanas. Por trabajo del padre se mudan a Arizona, donde el chico sufre bullying en el instituto. Os aseguro que, cuando veo historias de high school americano, doy gracias a Dios de no haber asistido a ninguno. Qué estrés lo del prom y que alguien tenga que regalarte una pulsera de floripondios. Los padres del protagonista aparecen como figuras opuestas: la madre con una vena artística muy acentuada y muy poco equilibrio emocional y el padre racional, inteligente y que no toma en serio la creciente afición de su hijo por el cine. Sammy va explorando todo el proceso de rodar y montar películas, implicando a su familia y amigos en historias cada vez más complicadas. También filma escenas familiares, que le conducirán a un doloroso descubrimiento.

Da la sensación de que Spielberg nos quiere contar su forma de ver el mundo, de alguna manera se oculta tras la cámara, la vida le parece más manejable en imágenes, tiene incluso el poder de alterar la realidad, diseñarla a su gusto (como en la película de fin de curso), de provocar emociones u ocultar realidades. También aparece el deseo de justificar que la pasión que siente por la creación artística está por encima de todo, incluso por delante del amor a los demás. Parece algo inevitable, un rasgo presente en su madre y en él, aunque el chico la a ella acuse de egoísta. Es una buena película, con momentos divertidos y otros dramáticos que sabe mostrar lo que es tener una pasión, un sueño y la determinación necesaria para conseguirlo. Creo que es posible que haya que ser un poco egoísta para lograrlo. Los actores están muy bien, especialmente Michelle Williams en el papel de la madre. Es probable que ese personaje haya sido el que más le ha importado dibujar bien al director, imagino que ha sido su relación más complicada. Según dijo el propio Spielberg, hubo momentos muy difíciles para él en el rodaje. Por lo visto le impactó ver a los actores que hacen de padre y madre vestidos con ropas idénticas a las que llevaban sus verdaderos padres. Supongo que las historias autobiográficas remueven muchas cosas. Con todo, tampoco me parece de las mejores películas del director. Es agradable, es interesante, está bien contada, pero no es La lista de Schindler.

Reeducación para jóvenes homosexuales (Un drama y una comedia)

La semana pasada echaron por la tele una película de 2018 titulada "la (des)educación de Cameron Post". Un drama adolescente sobre una chica norteamericana que, ante las primeras sospechas de homosexualidad, ella, criada en una comunidad ultracristiana es enviada a un centro para reeducarse en la heterosexualidad gracias a Dios. La peli me recordó mucho a una vieja parodia descacharrante llamada "but I'm a cheerleader", por eso, porque se parecen mucho, vamos a hablar de ellas.

La (des)educación de Cameron Post (Drama 2018)

La cinta está basada en una novela ambientada en los años 90. Cameron Post es una chica huérfana que vive con su tía. Criada en una comunidad cristiana  donde se le machaca con la culpabilidad de los actos y la rectitud moral, Cam, a pesar de tener noviete, siente una atracción por una amiga y ese es el detonante de su envío a un centro cristiano de reeducación. Dios te salvará de tu homosexualidad. Allá conocerá a otros jóvenes como Jane Fonda, criada en una comuna hippy o Adam, que es un nativo americano al que han enviado a curarse la homosexualidad porque su padre, para medrar en política se ha convertido al cristianismo. He aquí a unos adolescentes a los que todo el mundo les marca el camino y a los que continuamente les dicen que están equivocados. Hasta el reverendo que "les sirve de guía" vio la luz en un bar gay. 

La película cuenta sin grandes dramatismos esta historia de búsqueda de una misma. La peli consiguió en 2018 el premio del jurado del festival de Sundance. La directora, Desirée Akhavan  proviene de una familia que emigró desde Irán a los EEUU. 

"But I'm a cheerleader" Comedia (1999)

Sin duda, esta peli recuerda muchísimo a la parodia desaforada "But I'm a Cheerleader" donde Matasha Lyon es otra rubia adolescente, y animadora, novia de la estrella del equipo de fútbol del insti. Sus padres, su novio y sus amigas sospechan que Megan (Lyonne) es lesbiana, y por eso la envían a un centro de reeducación, no tan religioso como el de la otra peli, pero formador en valores netamente americanos y segregador de sexos.

Esta peli está dirigida por Jamie Babbit y es un guión original, a diferencia de la peli de "la deseducación". Al contrario que la cinta "indie", a esta comedia llena de alegres colores pastel y que tanto recuerda a las cintas de John Waters, le llovieron bastantes críticas, quizá porque nadie la ha sabido entender como lo que es: Una parodia. A pesar de las alabanzas a la primera y los palos a la segunda, y aunque se lleven casi veinte años de diferencia, tienen bastantes similitudes. Ambas presentan a una joven que se enfrenta a u montón de gente que les dice cómo deben ser. La diferencia está en que en la comedia todo es disparatado. En ambas hay una mujer que dirige el internado correctivo con mano de hierro y el terapeuta gay que se ha curado. Cuesta reconocer a Ru Paul con gorra de béisbol y bigote.

Mike el orgulloso hetero (Ru Paul en un registro diferente)

En ambos centros  hay internos que llevan mejor o peor su estancia en pro de la curación. Los compañeros del centro tendrán cierto peso en la evolución de las protagonistas, contando aspectos de sus propias historias. En ambas cintas sus protas acaban tomando una decisión sobre sus vidas enfrentándose a la realidad y a las mentiras que esas "curaciones" les ofrecen.

Juli Gan

Revolutionary Road

Sam Mendes

Revolutionary Road es una peli norteamericana del año 2008 dirigida por Sam Mendes y eso a mí ya me dice mucho. Mucho y bueno. Mendes es un director inglés especialista en entomologizar la sociedad estadounidense; en concreto, el idílico sueño americano de la felicidad en los suburbios, que en sus filmes, como ya sabéis porque los habéis visto o, si no, como os podréis imaginar, no es ni idílico ni feliz ni sueño (más bien pesadilla).  

Así hizo en American Beauty, una de las mejores piezas de los últimos años, y así hace en Revolutionary Road, con un especial añadido de cinismo al escoger como pareja protagonista de una historia de desintegración personal y familiar a Kate Winslet y Leonardo Dicaprio, quienes unos años antes, en Titanic, habían encarnado el prototipo del amor romántico.

Mendes tiene en su currículum otros filmes reseñables, como un par de la serie de James Bond, Skyfall y Spectre, interpretados ambos por Daniel Craig, que no son precisamente los mejores de la saga. Sin duda, de toda su filmografía, me quedo con American Beauty y esta Revolutionary Road.

 

April Wheeler

Cuando se rodó Revolutionary Road, Kate Winslet estaba casada con Mendes y ni ella ni Dicaprio se habían
revelado aún como los monstruos de la interpretación que son; no habían alcanzado aún el grado de consagración del que hoy disfrutan, lo cual demuestra el grandísimo ojo del bueno de Mendes.

Winslet y Dicaprio interpretan a April y Frank Wheeler, una pareja neoyorquina de jóvenes enamorados que, en la década de 1950, se muestran disconformes con la vida que ven venir a imponerse sobre sus voluntades y deseosos de romper con un destino de hermosa casa en las afueras y jardines poblados de criaturas rubias y barbacoas.

En un principio ambos abominan de esa existencia prefabricada a la que se encaminan. Pero resulta que ese american way of life no los trata a ambos por igual, porque está diseñado a la medida de los hombres como Frank. A las mujeres como April les cuesta más encajar, ya que les toca una parte menos dulce y menos resplandeciente. Así que Frank se acomoda, acepta el futuro previsto de ascensos laborales y canas al aire con los amigotes. April no. Y ahí comienza a desencadenarse la tragedia, la tragedia de Frank y, sobre todo, la de April, pero también la de todos los seres humanos que no consiguen escapar de lo que se espera de ellos.

 

Laura Brown

El personaje de April Wheeler nos lleva sin remedio a pensar en Laura Brown, alias “el monstruo”. Me refiero al personaje del filme Las Horas (2002), de Stephen Daldry, interpretado por Julianne Moore.

Tanto Laura como April encarnan el tabú de la madre que no se porta canónicamente con sus criaturas, un asunto de tintes mitológicos que me daría para un artículo (o varios) más, pero, de momento, lo vamos a dejar ahí. Solo añadiré que Las Horas está basada en la novela homónima que Michael Cunningham publicó en 1998 y que contiene otros interesantes personajes femeninos, como a la mismísima Wirginia Woolf.

 

Richard Yates

Revolutionary Road también está basada en una novela con el mismo título, que en 1961 publicó el
norteamericano Richard Yates. Yates fue escritor y escribidor por encargo, ya que durante un tiempo se dedicó a redactar los discursos del mismísimo presidente John Fitzgerald Kennedy. También fue guionista en Hollywood. Como murió en 1992, no llegó a conocer la versión cinematográfica de Revolutionary Road, y no sé por qué, pero creo que le habría gustado. Además, la película lo rescató del olvido y trajo consigo la reedición de sus obras.

Revolutionary Road fue la primera novela de Yates y desde su aparición fue aclamada por la crítica. No la he leído, pero le tengo ganas, porque, según dicen, la peli no alcanza ni de lejos sus niveles de amargura y desgarro.

 

John Givings

Puede decirse que la fuerza de Revolutionary Road descansa preferentemente sobre sus personajes, así que, para terminar este articulito no puedo dejar de mencionar a uno de los más logrados: John Givings, magistralmente interpretado por Michael Shannon.

Givings es uno de esos locos crudamente lúcidos, el único que se atreve a señalar al elefante rosa que duerme plácido sobre el cuidadísimo césped de los casoplones suburbiales y en los primorosos salones donde se reunen las vecinas y vecinos a tomar el té. Givings es el único que nombra lo innombrable y, claro, eso lo convierte en alguien terriblemente incómodo.

Sus palabras son tan hirientes como hermosas y esa es también una buena forma de calificar Revolutionary Road: una película tan cruel como bella.

Noemí Pastor

 

Tuya

“Porque, en definitiva, y por más que a una le pese, a toda mujer, en algún momento, le meten los cuernos. Es como la menopausia, puede tardar más o menos, pero ninguna se salva. Lo que pasa es que hay algunas que nunca se enteran. Y esas la pasan mejor, porque para ellas la vida sigue igual”. Es la filosofía de la protagonista de “Tuya”, interpretada por Andrea Pietra, alma indiscutible de esta película argentina dirigida por Edgardo González Amer en 2015, basada en la novela homónima de la genial Claudia Piñeiro, que vuelve a la actualidad por la reciente publicación de la segunda parte de la novela: “El tiempo de las moscas”. Inés es una mujer tradicional, ama de casa de clase media-alta en permanente conflicto con su hija adolescente, que un buen día descubre que su marido le es infiel y prefiere no preguntarle nada por temor a que le suceda como a su madre: “Porque ella lo veía medio raro a papá y un día fue y le preguntó: “¿Te pasa algo, Roberto?” Y él le dijo: “¡Sí, me pasa que no te soporto más!” Ahí mismo se fue dando un portazo y no lo volvimos a ver”. Inés tiene un peculiar sentido del bien y del mal. Es capaz de cualquier cosa para defender su matrimonio, que para ella es su estatus y su identidad (en el fondo, no parece que el hombre le importe mucho). Y su rasgo más característico, que la hace única y muy divertida, es la conversación permanente que mantiene consigo misma con una lógica tan aplastante como adaptada a sus intereses: “empecé a revisarle los bolsillos, a abrirle la correspondencia, a controlarle la agenda, a escuchar del otro teléfono cuando él hablaba. Todo ese tipo de cosas que haría cualquier mujer en un caso como este”. Además, es una mujer resolutiva. Toma decisiones, segura de sí misma, y las ejecuta sin dudar: elimina pruebas de un crimen con la misma tranquilidad con la que pasa el aspirador por el salón de su casa u hornea un pastel.

El resto de los personajes son Ernesto, el marido (Jorge Marrale); Alicia, la secretaria (Ana Celentano); Charo, la sobrina de la secretaria (Juana Viale), y, con un reconocimiento especial, Lali, la hija, brillantemente interpretada por Malena Sánchez. Aunque la película es una adaptación muy fiel de la novela, creo que el humor es mucho más evidente en el libro. Y es que uno de los motivos que me llevan a recomendarla es, precisamente, mi admiración por la escritora argentina Claudia Piñeiro, novelista, dramaturga y guionista galardonada con prestigiosos premios nacionales e internacionales. Otras de sus obras que también han sido llevadas a la pantalla son “Las viudas de los jueves”, “Betibú” y “Las grietas de Jara”, y es cocreadora junto a Marcelo Piñeyro de la serie de Netflix “El reino Vacío”. Como mencionaba al principio, ahora acaba de publicar “El tiempo de las moscas”, donde nos encontramos a Inés, quince años después, con una vida muy distinta en un mundo diferente que trata de entender y adaptar a su particular manera de ver las cosas. Almudena Fernández Ostolaza.

Smiley

 

Smiley es una serie española creada por Guillem Clua (Creador), David Martín Porras y Marta Pahissa en 2022. Se trata de una adaptación de la obra de teatro homónima de Guillem Clua, quien también escribe todos los guiones de la serie , estrenada en el teatro hace diez años.

Esta miniserie de televisión de 8 capítulos  a mi me ha recordado a Love Actually pero versión LGTBI. Puede que porque ambas, la serie y la peli están ambientadas en época navideña o puede porque ambas giran en torno al amor escurridizo a veces y casi siempre azaroso.

Sea como sea esta comedia dramática hace un buen dibujo de los personajes y parte de un equívoco, un enredo, como en las comedias clásicas americanas, en las que un malentendido da lugar a que dos desconocidos entablen relación. Así empieza "Smiley" con un error al dejar un mensaje en el contestador equivocado. Y así es como se conocen  Álex (Carles Cuevas) y Brun (Miki Esparbé)

Álex, respondiendo al estereotipo de musculitos cuyo principal hobbie es ir al gimnasio se cruza en el camino de Bruno, un arquitecto algo más pijo e intelectual que jamás hubiera imaginado que podría sentirse atraído por alguien como Álex. Ambos deciden tener una cita para ver qué pasa y lo que comienza siendo una quedada "random " termina cogiendo poco a poco mayor trascendencia.

Además hay otras historias de amor o desamor paralelas o de trasfondo que también son dignas de remarcar. Por ejemplo hay una relación lésbica entre dos amigas de Álex. Es la pareja  formada por Vero (Meritxell Calvo) y  Patri (Giannina Fruttero). Ambas están a punto de mudarse juntas sin embargo atraviesan una crisis debido  la disparidad de objetivos de cada una  y que no terminan de vivir la relación de cara a los demás de la misma manera.

Hay otra relación de fondo que surge de manera completamente inesperada entre dos hombres de mediana edad, uno de ellos está interpretado por Pepón Nieto , que para mí está espléndido, pero no desvelaré detalles por no hacer spoiler.

¿ por qué ver Smiley?

1) porque es una tragicomedia divertida, de enredo, donde además se da cabida a la diversidad y todo tipo de orientaciones sexuales.

2) porque rompe ESTEREOTIPOS  y no siempre lo igual atrae a lo igual, a veces basta una base común de valores, aunque difiera el envoltorio y la persona se aleje de lo que tu entiendes por tu prototipo.

3) porque admitámoslo, el amor ,por muchas zascas que nos haya dado, lo vemos cada día en First Dates, no tiene edad y aquí hay una historia muy bonita entre dos personas que seguramente se habían resignado a no tener pareja nunca más.

4) porque la serie es corta y en cada capítulo nos deja con ganas de más. ENGANCHA. Es un aviso.

5) porque está bien interpretada y tiene un guion ágil donde se ponen en jaque cuestiones tan interesantes como la monogamia, el destino, los amores imposibles de juventud, las oportunidades inesperadas a edades maduras, la necesidad de ser parecidos para poder estar juntos....etc...etc.....

Si tras todo esto, he conseguido al menos despertar tu curiosidad y decides darle una oportunidad ,me encantaría compartir impresiones en comentarios.

Feliz fin de semana

Troyana

Tom, la última estrella del cine

Hace un par de días salieron las nominaciones a los premios de la Academia, o sea, los "Óscar" de toda la vida. Como ya sabemos, estos premios desde hace unos años no son un reflejo del cine, sino de lo que "toque" en el momento. Así, fueron hace unos años una muestra del poder del ahora caído en desgracia Harvey Weinstein, cuando Miramax dominaba la gala, mientras que en los últimos tiempos, hemos visto como se volvían "políticamente correctos", algo que no sólo les afectó a estos premios, provocando galas tan "afines" a la política correcta, que aparte de la polémica del reparto de premio, hacían que la fiesta se volviera larga y tediosa...la verdad, es que quien supo retratar mejor que nadie esta época que vivimos fue Ricky Gervais en su última presentación de los Globos de Oro (verlo en los premios de la Academia hubiera sido impensable).

Entre las nominaciones, ha habido sorpresas, y una de ellas, ha sido el "supuesto" reconocimiento de los miembros a los "blockbusters", con nominaciones a las secuelas de Ávatar y Top Gun, dando valor a que son los films, independientemente de su valor cinematográfico, que han logrado mover a los espectadores a las salas de cine tras la terrible pandemia.

Me quedo con la secuela de Top Gun, porque de las dos, es la que he visto, y siempre he sentido reticencia por ese James Cameron "Zen" que nos contó Pocahontas con seres azules. Y me quedo con este "Maverick" para hablar de su protagonista: Tom Cruise.

Y es que Top Gun: Maverick, al contrario que la original que fue una hija de su generación (clásico producto videoclipero y ochentero de Tony Scott), se nos ofrece un espectaculo básico pero más atemporal, que cae directamente sobre los hombros de Cruise, al que considero la última "gran estrella" del cine actual, una "rara avis", que se pone encima el peso y control de la producción para ofrecer al público un espectaculo, que aunque sea una secuela, rompe las reglas del Hollywood actual (superhéroes, corrección), mientras que por otro lado, sigue la estela del mismo (continuaciones, nostalgia), con una historia poco "original" que emociona si te dejas llevar por ella, como en todo buen blockbuster.

Tom sigue estando aquí, aún a sus 60 años, como la "estrella" con la que tienes cierta seguridad que si entras a ver una película, disfrutarás. Con una carrera bien asentada, y con roles de lo más diversos y emblemáticos, desde los años 80, mayoritariamente como héroe (La Tapadera, Mission Impossible, Algunos Hombres Buenos), alguna experimentación (Magnolia, Eyes Wide Shut) o con villanos emblemáticos (Entrevista con el Vampiro, Collateral), sabemos que podemos confiar en él, como en esos héroes que nos regala los últimos años, para rescatar el cine.

Aunque eso no quiere decir que su trayectoria no haya tenido batacazos en los últimos años como ese intento de resurrección del "Universo de los Monstruos" con su temible Momia, sus Jack Reachers; al final ganan ahí sus momentos de ciencia ficción como Oblivion, o Al Filo del Mañana, donde además, se reía de su faceta de "all American heroe", protagonizado a un cobarde que sólo quiere sobrevivir, al menos al principio. Y es que quizá, la comedia más pura es lo que vemos menos en la carrera de Cruise, y eso que lo intentó con un cruce con su clásico "héroe" en la divertida y ligera Noche y Día de Mangold (que quizá aquí a algunos les gusta poco por lo que le vuelve a hacer a Sevilla tras Mission Impossible II). Lo que está claro es que sus mejores momentos cómicos han sido el cameo de "Austin Powers: Miembro de Oro" o su secundario Les Grossman en la descacharrante Tropic Thunder (que quizá sea una buena representación de lo que se esconde en el Hollywood más oscuro y babilónico).

Tom es por tanto, y casi siempre, el valor seguro para ver al héroe y la aventura, y sobretodo cuando lo vemos hacer sus propias secuencias de acción, que nos hacen dudar de su cordura, como nos ha mostrado en los últimos rodajes de Mission Impossible (que personalmente espero con ganas, ya que su colaboración con McQuarrie ha conseguido que esta saga sea lo que James Bond debería ser en el siglo XXI sino viviera con traumas). Su locura por el cine y por el espectador, como el mismo ha explicado muchas veces, es su motivación, por dar lo que quiere el público cuando coge sus palomitas y su refresco al entrar en una sala de cine y pasar un momento emocionante. Esto llego a ser muy claro cuando se hizo público un enfado del último rodaje de esta saga, en la que explicaba las implicaciones de paralizar un rodaje (por no respetar lo acordado en medidas contra el Covid), de cara a la industria y al público.

Tom podrá gustar o no, podremos juzgarlo a nivel personal, o lo que queramos, pero lleva 40 años como la promesa que se hizo el héroe, el actor y la que espero que no sea "la última estrella del cine". Como le recriminan en Top Gun: Maverick: "El fin es inevitable, Maverick. Tu especie se va a la extinción", a lo que él responde: "quizá así sea. Pero no hoy".

Y así lo espero yo.

Carmen R

Benditos atracos

Hay temas que suponen un plus a la hora de elegir una película o una serie. Por ejemplo, si salen nazis para mí ya tienen un punto positivo. Las de juicios o periodistas me atraen siempre, los asesinos en serie/psicópatas varios también son de mi gusto. Y, por supuesto, siempre me han fascinado las de atracos a bancos. Desde las clásicas, tipo Rififí o Atraco perfecto, hasta las más comerciales como Ocean’s eleven. Creo que es un tema de gusto universal y que siempre nos hace ponernos a favor de los ladrones. Supongo que se mezcla el sueño de riquezas con la rabia que nos dan los bancos. Por eso recientemente he visto no una, sino dos series de atracos.

La primera es una serie colombiana creada por Pablo González basada en un caso real: El robo del siglo. Consta de seis episodios y narra el atraco al Banco de la República en Valledupar. Cuando pienso en atracos, siempre imagino a gente guapa y muy inteligente con habilidades casi mágicas para eliminar alarmas, abrir cajas fuertes, disfrazarse de lo que sea, con mucha elegancia y buen rollo entre los miembros de la banda. Me gusta que incluyan una escena donde van vestidos de etiqueta a una fiesta donde beben champán y hacen cualquier cosa relacionada con el golpe. Me temo que tengo a George Clooney grabado en el cerebro. Bueno, pues el robo del siglo es todo lo contrario y, según creo, mucho más parecido a cómo es un atraco de verdad. Es verdad que hay gente que sabe hacer cosas complicadas, pero viendo la preparación y la personalidad de los componentes de la banda, sería milagroso que pudiera salir bien. Cada vez hay más gente implicada, necesitan dinero para organizar el golpe, pagar sobornos a policías corruptos que, además, son idiotas. Hay rencillas entre los miembros de la banda, gente muy cruel y peligrosa con la que deberán enfrentarse, tipos que se emborrachan cuando no toca o que se van de la lengua. Un caos. No voy a hacer spoiler, pero tampoco es tan importante el final como el desarrollo de la trama. Los actores están fenomenal y resulta interesante, aunque si buscáis glamur, esa no es vuestra serie.

La otra que he visto es una serie de Estados Unidos creada por Eric García que se llama Caleidoscopio. Tiene ocho episodios y lo más peculiar es que no están numerados del uno al ocho, sino que tienen nombre de colores: Amarillo, Verde, Naranja, Violeta, Azul, Rojo, Rosa y Blanco. Se pueden ver en cualquier orden, aunque recomiendan ver Blanco en último lugar. Hay capítulos con la acción antes del atraco, durante y después. Aunque pueda parecer complicado lo de verlos en cualquier orden, no lo es. La trama se sigue perfectamente, aunque vaya dando saltos en el tiempo. Por supuesto, esta es mucho más de gente lista, casi con poderes paranormales. Me encanta esto de tener a un falsificador, uno experto en armas, otro que conduce como si fuera piloto de carreras y una experta en explosivos. Además, hay una trama de venganza contra un malo muy malo. Lo del buen rollito en la banda aquí tampoco se da, pero es mucho más glamurosa. Las imágenes tienen toques relacionados con el color del episodio y resulta bonita visualmente. Hay partes de la trama que están un poco cogidas por los pelos y hay que hacer algún acto de fe, pero resulta amena. El reparto funciona bien, especialmente, Giancarlo Espósito y Paz Vega. No os voy a decir que ninguna de las dos sea una maravilla, de esas de no perderse bajo ningún concepto, pero cada a una a su manera resultan interesantes y si sois, como yo, fans de los atracos, os pueden gustar.

El día que murió la música

 El tres de febrero de 1959 es recordado como "el día que murió la música". Fue un hecho trágico. Un accidente en el que perdieron la vida cuatro jóvenes, tres de ellos, músicos de éxito de la corriente del efervescente rock and roll. El mayor de ellos, justo el que no tiene película biográfica, apenas contaba 29 años. El más joven, 17. Ellos fueron leyenda del rock justo cuando empezaba su carrera. Sus cortas vidas dieron para sacar muy celebrados temas de rock  que se han hecho famosos en el mundo entero y a Don McLean le dio para parir un himno en 1971, "american pie". Un himno cuya partitura en subasta se vendió por más de un millón de dólares. Pero volvamos al cine. Hoy dos biografías rockeras que acaban en tragedia: "La historia de Buddy Holly" (1978) y "la bamba" (1987).

"The Buddy Holly Story" (1978) 

Esta peli fue rodada para televisión y está protagonizada por el rubio Gary Busey. Busey hace de Charlie Hardin Holley, que fue un joven y talentoso músico texano conocido familiarmente como Buddy. Buddy Holly nació en una familia texana muy melómana. Desde muy niño dominaba varios instrumentos y solía tocar con sus hermanos piezas estilo country. 

Gary Busey es Buddy Holly, detrás el antiguo doble de Troy Donahue.

Buddy y un par de amigos, Don Stroud, que, por cierto, comenzó en el cine haciendo de doble de Troy Donahue, y Charles Martin Smith (El contable bajito de "los intocables de Elliot Ness"), fundan "The crickets" (Los grillos) Un conjunto con aires de música para jóvenes, es decir, menos country y más rock. 

Camino hacia el éxito

El trío va haciéndose conocido, no sin dificultades, ya que a la gente mayor el rock le parece una abominación y acaban grabando y teniendo éxito. Ello les lleva a Nueva York donde les ficha un productor para que toquen en el teatro Apollo. El santuario de la música afroamericana. Ahí está la gracia porque, por la radio, creyeron contratar cantantes negros y corrieron un riesgo para tocar en un lugar donde nunca antes había tocado un blanco. Momento de éxito. En la actuación aparecen otros artistas. Uno de ellos, del que hablaré después, ya que, curiosamente aparece en las dos pelis, y el grandioso cantante Sam Cooke. Del que se hacen colegas y con el que se van de gira.

Sam Cooke a la derecha con los Crickets detrás.

Estabilidad y consolidación:

Tras desavenencias en el trío, Holly decide quedarse en Nueva York y el resto de los crickets se vuelve a Texas. Holly ha conocido a una empleada de la casa de discos con la que se casa. Graba, compone y sale de gira por todo lo largo y ancho de los EEUU, porque el rock es un éxito y se hinchan a dar conciertos.

Buddy y María

Tragedia:

Invierno en el frío del medio Oeste. El rock por la noche hace que suba la temperatura. La música suena genial pero el traslado se hace en un autobús cuya calefacción está estropeada. Fletan una avioneta para que tres de sus músicos puedan viajar rápido y dormir en una cama en un hotel en el destino siguiente. En principio, Big Bopper (El músico del que no conozco biopic) no iba a viajar, pero, como iba afectado por una gripe, Waylon Jennings, de la banda de Holly, le cedió su plaza. La última escena de la peli es Holly  dándolo todo en su último concierto la noche anterior a su muerte. Todo un éxito. Sobre su imagen sonriente y satisfecha un letrero que nos cuenta el fatal accidente aéreo que acabó con su vida.

Último concierto.

"La Bamba" (1987)

Recuerdo que se hizo promoción de esta peli y de su banda sonora interpretada por Los Lobos. esta peli sí llegó a estrenarse en los cines de manera internacional. Cuenta la historia del adolescente Ricardo Valenzuela, conocido universalmente como Ritchie Valens. En la peli el nombre del actor aparece al final del reparto como " Y presentando a Lou Diamond Pillips como Ritchie Valens". En esta peli quienes tiene peso específico son la madre del prota (Rosanna de Soto) y Bob, el hermano mayor, con sus conflictos (Esai Morales). Ritchie era un chaval californiano de orígenes mexicanos. Un loco de la guitarra que aún va a la escuela. La peli comienza con una escena un poco desasosegante. Unos chavales jugando en el patio de un insti al baloncesto y dos avionetas que se estrellan en el aire. es una pesadilla de Ritchie de la que luego nos cuentan más, pero ahí está la fatalidad del destino.

Un adolescente californiano

Camino al éxito:

Un día prueba con un grupo,"The shilouettes, y es admitido como guitarrista. El líder tiene una reacción recelosa porque percibe que es bueno. Valens acaba cantando y componiendo. Un cazatalentos le pone a grabar. Valens se empieza a hacer una celebridad, menos para el padre de su novia del insti, aunque lo pintan más como celoso de la seguridad de su hija negándose a que salga con un músico que como racista. Tampoco es que les diera mucho tiempo a sus dieciéis o diecisiete años.

Concierto en la tele

Estabilidad y consolidación:

Valens es un joven que crece en una familia coya madre es muy importante. Tiene un hermano buscavidas que es como el personaje antagónico con el que mantiene una relación de altibajos. Valens tiene miedo al avión pero debe cogerlo para ir al este a cantar en la tele y dar conciertos en Nueva York. Por ahí sale un amuleto que le da un chamán para que lo proteja (La superstición como elemento infalible). Su progresión es exitosa y se suceden los conciertos. Si en la peli de Holly salía Sam Cooke, en la de Valens sale Jackie Wilson.

Big Bopper y Valens a punto de subirse a la avioneta

Tragedia:

La gira del rock de invierno por el medio oeste es dura. Hace frío y media caravana está incubando la gripe. En esta peli Valens es aceptado a pie de avioneta como pasajero jugándosela a cara o cruz. Es Buddy Holly el que tira la moneda. Por otro lado, en una bronca navideña, peleando con su hermano Bob, este arrancó el amuleto protector de Ritchie sin querer. Ya sabemos que eso, en el cine, es científicamente catastrófico. Llanto inconsolable en el pequeño universo de Ritchie enterados del accidente por la radio. Llora su cuñada, sus compañeros del insti, su manager, su novia Donna y, sobre todo su madre abrazada a su hermano. La escena final es la de un Bob abatido gritando el nombre de su hermano dándole un puntito dramático, al ¿verdadero prota? de la peli.

Ritchie y su hermano Bob de resaca en Tijuana

Curiosidades:

En la peli de Buddy Holly, al final sale un tipo morenito con unas maracas, quizá es Valens. Big Bopper sale un poquitín más y tiene frase. En la bamba, Holly sale tocando un segundo y tiene frase en la escena del avión. Big Bopper sale también en esta segunda. El personaje, leyenda del rock, que sale en ambas con sendas piezas de rock cantadas es Eddie Cochran. Fatales casualidades de la cochina vida Cochran murió un año después en un accidente de tráfico en el Reino Unido, cuando estaba de gira europea.

Esta ha sido la historia de dos leyendas del rock que fallecieron prematuramente cuyas vidas dieron para sendas pelis....Y el resto es rock and roll.

Juli Gan. (En los enlaces azules hay pelis y, sobre todo, música)