Hamam,el baño turco

En 1997,cuando todavía existía en Valencia el festival de cine "La Mostra de cinema del Mediterrani"("La muestra de cine Mediterráneo"),antes de que se decidiera prescindir a nivel político de este pequeño pero para much@s de nosotr@s,inmenso festival por razones de"prioridades presupuestarias",entre otras muchas películas,fue proyectada "Hamam,el baño turco",que se llevó el premio del público.


El director de origen turco,afincado en Italia Ferzan Oztepek, debutaba como director con " Il bagno turco Haman" en 1997 de la cual,también escribió el guión.

La película, que cuenta con una maravillosa banda sonora a cargo de Pivio,Aldo de Scalzi está interpretada entre otros por Alessandro Gassman(hijo de hijo de Vittorio Gassman),Francesca d´Aloja,Carlo Cecchi, Halil Ergun, Serif Sezer,Mehmet Gunsur y Basak koklukaya y está rodada en su primera parte,en Roma,y el resto del metraje,en Estambul.

Haman,el baño turco,nos cuenta la historia de Francesco(Alessandro Gassman) ,un joven italiano que está casado con Marta y ambos junto a otro socio,Paolo, llevan un estudio de decoración de interiores en Roma. Marta se siente ignorada por Francesco y mantiene en secreto un romance con Paolo.Da la sensación de que el matrimonio hace tiempo atraviesa una crisis,no se sabe si reparable.
Francesco,por su parte recibe una carta de la Embajada de Estambul en la que se le informa de que ha heredado de su tía materna Anita, una propiedad, así que con pocas ganas se traslada a la ciudad para vender cuanto antes la herencia.

Lo que en principio parecía un trámite engorroso se termina convirtiendo en un antes y un después en su vida,pues Francesco descubre con sorpresa otro modo de vida que poco a poco,irremisiblemente irá conquistándolo de una forma que jamás pudo prever.

Francesco sabrá que la propiedad que ha heredado es una casa de baños,que su tía ha regentado durante 30 años. Allí conoce al guarda del recinto, Osman y su familia: Perran,su esposa(una mujer de carácter pero afable y hospitalaria )y sus dos hijos: la chica Fusun y Mehmet,el chico,ambos rondarán los veinte años de edad.

Francesco poco a poco va estableciendo lazos de afecto con la familia,especialmente con Mehmet,con quien crea una complicidad creciente que va más allá de la amistad y que será un motivo más por el que gradualmente vaya prolongando su estancia en Turquía.
 Con una maestría inusitada el director nos acompaña en el proceso de transformación interior, un viaje iniciático sensual y a la vez profundo que removerá los cimientos de su vida para siempre y que podría haber sucedido en cualquier otra ciudad,pero sucede en Estambul.

No estamos solo ante una poderosa pasión que nace en el seno de una progresiva amistad,asistimos a un enamoramiento de la cultura,de otra forma de vivir,comer,amar,muy alejada de su Roma natal.

Esa "pasión turca"( como el libro de Antonio Gala) comienza a fraguarse ya en el hallazgo de las cartas que su tía Anita(en Estambul conocida como Madame) dirigía a su madre Giuliana desde que se vino de Italia a vivir a Turquía.

 La banda sonora en combinación con con la voz en off de Madame con el relato de sus cartas,consiguen que el espectador empatice primero con Madame, y por extensión con quienes van leyendo sus cartas con posterioridad: Francesco y Marta.


Algunas de las escenas que se quedan grabadas en mi retina son:

- la primera carta de Madame que Francesco lee desde un barco navegando por el Bósforo.




  "(...) Estambul es lo que estaba buscando.Llevo aquí una semana y ya me quita el aliento y el sueño....cuanto tiempo he estado perdiendo hasta llegar hasta aquí. Siento que me estaba esperando silencioso, mientras corría detrás de una vida pesada e inútil.Aquí el tiempo transcurre más despacio,con suavidad. Esta brisa  libera los pensamientos y hace vibrar el cuerpo.Ahora,por fin,siento que puedo volver a empezar..." 

- Su primera visita "casual" a un Hamam,ayudando a un anciano en la calle que le lleva hasta allí y le invita a pasar. Se juega con la idea de destino/casualidad cuando el protagonista se mueve o es movido por un hilo invisible que tira de él para esté justo allí en ese momento y no en cualquier otro lugar.


- El descubrimiento de la propiedad heredada: un baño turco,su paso por cada estancia.

- La primera visita a un Hamam con Mehmet.
Se entremezcla la sensualidad del momento con los recuerdos que Mehmet relata sobre su amistad con Madame y ese primer momento cómplice espiando juntos a las mujeres desde el techo de un hamman femenino.

- Una carta de Madame hará cambiar a Francesco de opinión en torno a su idea de vender el baño turco,eso y las turbias intenciones de los peligrosos especuladores que tras su adquisición pretenden convertirlo en un centro comercial.

De nuevo,Francesco casi imagina a  Madame cuando lee:

"(...) he encontrado un viejo hamam en el centro de la ciudad. Está un poco descuidado pero tiene clase. No es muy caro y he decidido comprarlo. Me gustaría abrir un baño turco, un hamam, como dicen aquí. Me divierte la idea de regentar un lugar de esparcimiento para hombres solos. Sería la primera Madame occidental en esta ciudad de omnipotentes padres de familia y podría asistir a escondidas a sus placeres privados. Los hammanes son lugares extraños donde el vapor  relaja las costumbres, además de los cuerpos. Tengo muchos amigos que me estarían agradecidos si les brindara un refugio discreto para ciertos caprichos,y yo ,como sabes,no sé resistirme si se trata de hacer feliz a un hombre.
Llevará tiempo y mucho trabajo pero creo que valdrá la pena. Lo consideraré como un tributo a esta ciudad que ha querido ser tan generosa con una aventurera italiana."

- Marta,que se traslada hasta Estambul, en vistas de la reiterada ausencia de su marido,en principio con la intención de pedirle el divorcio,descubre a un Francesco nuevo,entusiasta y mucho más amable,otro hombre muy diferente al hombre con el que convivía en Italia.Y descubre también su relación con Memeht.

Ella, que ha recibido de mano de Francesco las cartas de Madame,será tras un inesperado incidente ,tal vez la última en sucumbir ante el hechizo de la ciudad y de algún modo,explorar otro camino con el que sencillamente no contaba...

"....porque se puede ser feliz en esta vida Giuliana, hay que serlo"

Por último,dos escenas más cuya protagonista absoluta es Marta:

- Su lento paseo por el Hamam ya restaurado....

- ....y Marta fumando con la boquilla de Madame  a la tarde-noche,en la azotea,mientras escuchamos la voz en off de Madame:
" (...) a veces,al atardecer me invade la melancolía, pero luego se levanta un aire fresco que la aleja. Es un aire extraño que no he sentido en ninguna otra parte, una brisa ligera.....que me quiere."

 No os la perdais,merece la pena rescatarla, no solo habla de la soledad,el amor o la amistad sino que refleja de forma lúcida y delicada que a veces basta dar con el lugar adecuado o la(s) persona(s) adecuada(s) para esclarecer nuestra identidad o empezar de nuevo de la nada.
¡Feliz fin de semana zinéfil@s!

Troyana

El Gran Hotel Budapest

Estamos en Semana Santa, y se me ocurre un buen destino “turístico”, si quieres escapar de esas tristes procesiones religiosas. Te invito a que visites un hotel, sí, un tanto decadente (para algunos, con cierto encanto). Si te dejas llevar por tu imaginación podrás retroceder en el tiempo y acercarte a aquellos días de máximo esplendor.

Sentados a una mesa del comedor, y ante una copiosa cena, dos hombres. Un escritor (asegura que no posee inspiración mágica, sino que son los demás quienes le regalan argumentos que trasladar al papel) y su interlocutor, dueño del hotel, que relata su historia y cómo llegó a convertirse en el actual propietario.

Gustave, mucho más que el conserje, alguien que seduce a las mujeres más ricas y vulnerables (maduritas y rubias). Un aprendiz que se convertirá en su protegido y cómplice. Una obra de arte de un incalculable valor, una familia acechando la herencia, un asesinato, un robo, la cárcel, una novia pastelera. Los trenes que se paran de repente en un campo nevado (de cebada).

Wes Anderson cae rendido ante los libros de Stefan Zweig:

«Fue un autor con el que di muy tardíamente con la lectura de 'La piedad peligrosa', su única y verdadera novela... La película, en cualquier caso, no se refiere directamente a ninguna de sus obras de forma determinada, pero creo que todo lo esencial de su trabajo está ahí: el argumento no es otro que el crepúsculo de una Europa y de una determinada cultura europea. La que defendió y representó Zweig».

«La idea es reinventar la realidad pasándola por el tamiz del recuerdo, de lo imaginario”

Desde un universo de ensoñación, con un decorado estridente, envuelto en una imagen poderosa y cautivadora, al ritmo de una banda sonora magistral, y con la participación de un reparto brillante; se produce en los espectadores, algo parecido a un viaje hacia un lugar muy alejado de la rutina. Sales del cine embobada.

Con sello propio, comedia alocada que se desliza a medio camino entre fantasía y realidad. Este director no deja indiferente a casi nadie, o le quieres, o le detestas. Yo empecé con mal pie: Ladrón que roba a un ladrón (personajes tan incautos que lograron desesperarme). Viaje a Darjeeling (un experimento incomprensible, con un tren precioso acompasado de buena música). Moonrise Kingdom (fascinada con ese arranque, parece que voy cediendo a sus encantos). El Gran Hotel Budapest, con la que definitivamente caigo rendida.

Título original The Grand Budapest Hotel. Director Wes Anderson. Guión Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Hugo Guinness). Música Alexandre Desplat. Fotografía Robert D. Yeoman. Reparto Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jeff Goldblum, Willem Dafoe, Jude Law, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel,Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Larry Pine, Bill Murray, Owen Wilson, Léa Seydoux, Giselda Volodi, Bob Balaban, Florian Lukas, Karl Markovics,Volker Michalowski, Fisher Stevens, Wallace Wolodarsky, Waris Ahluwalia. EE UU 2014, 99 min. Premios: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado. Web Oficial.

Textos entrecomillados extraídos de este artículo.

Hasta la próxima!!!!!

LU

Nacidas para sufrir (2009) Miguel Albaladejo

Flora es una mujer que ha dedicado su vida a cuidar de los demás: primero a sus padres, después a sus sobrinas -cuando quedaron huérfanas- y por último, a una tía anciana. A sus más de setenta años, se encuentra con que la única persona de su vida que no le ha dado trabajo, sino que se lo ha quitado, es  Purita, una mujer de unos cuarenta años que trabaja en su casa hace algunos años y a la que quiere dejar todo cuánto tiene en herencia, pero a cambio de que la cuide cuando lo necesite.

Solo hay un problema, Purita es totalmente fiel pero también totalmente inocente, y Flora tiene miedo de que llegado el momento, pueda ser débil y alguien (sus sobrinas, un posible marido) la convenza de que lo mejor es internarla. ¿Cómo evitar que esto ocurra? ¿Cómo hacer que no se cumpla la peor de sus pesadillas y no acabar en una residencia de ancianos?

"Nacidas para sufrir" fue estrenada hace apenas unos cinco años pero sospecho que ha caído por completo en el olvido, a pesar de la popularidad de su director y guionista, Miguel Albaladejo. Merece la pena, sin embargo, rescatarla no porque sea una película redonda, que no lo es ni mucho menos, sino por quiénes son sus protagonistas y cómo es tratada su historia.

Las mujeres que han dedicado su vida a los demás, que han cuidado de cuántos familiares las han necesitado a lo largo de la vida y que nunca han recibido ningún tipo de reconocimiento por ello, son figuras que estoy segura que todos hemos conocido (y conocemos) de primera mano, pero de las que raramente se ha ocupado el cine, por lo menos el cine español. Y mucho menos aún como protagonistas.

Los pocos casos que recuerdo que hayan tratado el tema recientemente, lo han hecho desde el punto de vista más dramático posible, como es el caso de Solas (Benito Zambrano, 1999). Hay que remontarse varias décadas, para encontrarnos con la, me atrevería a decir, mejor película que se ha hecho al respecto, "La tía Tula" (Miguel Picazo, 1964) adaptación de la magnífica novela de Unamuno que, si bien admite muchas lecturas diferentes, refleja bien la realidad de cierto de tipo de mujeres, iba a decir "de esa época" pero que sinceramente siguen existiendo.

El mérito de "Nacidas para sufrir" es tratar este espinoso tema, y además tratarlo desde un punto de vista ligero, alejado del drama (tremebundo) de "Solas". Si la intención del director era presentar una comedia hilarante, para mi gusto fracasa, pero sí acierta a la hora de presentar un producto amable y a la vez crítico, en el que se retrate a estas mujeres que realmente parecen nacidas para sufrir y sacrificarse por los demás.

Muy acertado es también el mencionar el lado oscuro de este sacrificio, hecho sin ninguna voluntad ni vocación, tan solo como una obligación que busca una recompensa que, al no llegar nunca, provoca amargura y rencor en las cuidadoras, como desapego y culpabilidad en los que son cuidados.

Otros temas que me gusta que mencione, es la (aparente) exención de los hombres a la hora de afrontar estos trabajos, o los concursos de méritos que libran este tipo de mujeres entre sí, cantando sus propias alabanzas ya que parece que nadie más lo hace, o el triste legado que dejan a las siguientes generaciones.

Otro acierto es situar la historia en el entorno rural. No sé si a estas alturas resulta muy conocida la novela de Miguel Delibes "El disputado voto del Sr. Cayo", pero en el momento de su publicación -en plena transición- fue un libro sumamente popular. Resumiendo su argumento, trata del enfrentamiento entre unos militantes de un partido político que han ido a pedir el voto a un pueblo casi deshabitado, y el único elector de esa zona, el Sr. Cayo del título, un campesino al que el mundo de la política le resulta totalmente ajeno.

En el pueblo, además de otro vecino con el que el Sr. Cayo no se habla (y que es de suponer que no va a reunirse con él para este tema ni para otros) vive su mujer. Sin embargo durante el texto se insiste, una y otra vez, en que el único voto que quieren conseguir es el del Sr. Cayo, el único. Pero ¿y su mujer? ¿qué ocurre con su voto? ¿por qué no les interesa? ¿por qué no está presente durante esas largas conversaciones? ¿por qué no da su punto de vista y hace sus preguntas? ¿por qué no se dirigen a ella los representantes políticos?

Leí este libro a mediados de los 80 y ahora, creo que por fin tengo la solución a este enigma, ¿mujer y de campo? Ya sé lo que estaba haciendo mientras su marido era el protagonista ¡trabajando!

Se ve que pasa mucho, las mujeres en el entorno rural, entre hacer todas y cada una de las tareas de la  casa y "ayudar" (qué bonito eufemismo) en el campo, están tan ocupadas que nunca están disponibles ni para que les hagan una encuesta política, ni una película sobre ellas.

Hace algunos meses escuché en un programa de radio que se anunciaba un festival de cine, en el que se habían seleccionado películas en las que se recogiera la figura de la mujer en el medio rural en la zona de Castilla (creo recordar) en los últimos años, y cuánto les había costado encontrar títulos que cumplieran estos requisitos.

Qué sorpresa ¿verdad? Yo, por mucho que me esfuerzo en recordar una película española en el que una mujer de campo sea la protagonista (no basta con que el protagonista masculino vea una chica guapa en medio de un trigal) solo consigo recordar "Flores de otro mundo" (Icíar Bollaín, 1999).

Volviendo a "Nacidas para sufrir" y centrándonos en sus actrices, se nos ofrece una extraña mezcla entre una siempre eficaz Adriana Ozores y a unas felizmente recuperadas, María Elena Flores y Marta Fernández-Muro, y una desafortunada María Alfonsa Rosso, casi tan exagerada como su caracterización, sospechosamente parecida a la de la madre de Norman Bates.

¿Soy la única que ve el parecido?

Aunque si algo he visto que me aleja del cine de Albaladejo, además de algunas caídas en el humor más facilón, es su dirección de actores. Y es que, o mucho me equivoco, o su idea de la "naturalidad" es alguien hablando con el tono de voz más inexpresivo y monocorde posible.

Única explicación posible a que le ofreciera el protagonista de una de sus películas a quien demuestra, por sí solo, por qué un autómata no puede ser actor: Sergi López.

Algo que parece haber influido en demasiado momentos a Petra Martínez, la protagonista de la película, que fluctúa entre la emoción sincera y la "naturalidad".

Y ahora un llamamiento a todos los directores españoles que me estén leyendo (que serán cientos de miles, seguro) ¿de verdad es imprescindible que creéis tramas y personajes solo para que aparezca en pantalla algún amigo o familiar? ¿sabéis que "chiste privado" significa exactamente eso, que no le hace gracia a nadie más?

No es necesario que le ofrezcáis un papel a la ayudante de dirección, a vuestra amiga Mariola Fuentes o a vuestra hermana, por muy majas que sean, y por muy graciosas que os resulten cuando os toméis unas copas juntos.

De verdad, acabemos ya con el "Efecto Agustín Almodóvar" que ha hecho más daño al cine español que las chicas que siempre se están duchando o cambiando de ropa, o lo que sea que permita verla sin sujetador y las películas sobre la Guerra Civil.

Ocho apellidos vascos

Este film de Emilio Martínez Lázaro se está volviendo uno de los éxitos de la temporada. Una comedia romántica a base de clichés del paisanaje. Es una peli simpática y cómoda de ver. Está en su momento de gloria y todo el mundo habla de ella, la mayoría, para bien, los extremos para mal por distintos objetivos. La derecha rancia, porque aparte de no tener sentido del humor, necesita negar el pan y la sal a la sociedad vasca. Lo lleva haciendo desde hace años, por eso ya no existen los clichés del vasco que no estén mezclados con la política en el resto del estado. Ya no hay forzudo que confunda el género del artículo al hablar, como Josechu el vasco, hace 60 años. Algunas críticas de algún medio cercano a la izquierda abertzale también se ha lamentado, fundamentalmente de que no utilice actrices naturales del lugar y que esté orientada a mostrar a un público foráneo ciertas cosas del todo irreales, como el uso único del castellano como idioma.

Motivos aparte, y sin entrar en paranoias, se trata de una comedia romántica, con cierta gracia, amable, que se deja ver sin reparos. Se ríe de los tópicos, humaniza a los personajes, alegra a los espectadores, que van al cine porque les falta la alegría, hace rebosar las taquillas, a pesar del IVA de lujo y muestra que nadie es tan diferente en la realidad.

SINOPSIS:

Una despedida de soltera en Sevilla. La novia y sus amigas han bajado al sur para hacer la despedida que no es una despedida, pues no hay boda. La novia, de bajón, no aguanta los rebujitos ni al sevillano que va contando chistes. Primera bronca entre ellos. Él la sigue al norte, y aquí empieza la verdadera historia.

CRÍTICA:

Esta peli es simpática pero a mí me recuerda a la coca-cola familiar que se guarda en la nevera; al principio tiene mucha chispa, pero al final queda desbravada y sin gas. El guión tiene varios flecos como por ejemplo la desaparición de las amigas de la novia después de la primera escena o la historia anterior del personaje de Carmen Machi, o el desentendimiento anterior entre padre e hija.

Los acentos extraños que se ponen en España a los vascos son un horror. Sólo Karra Elejalde, que lo recupera para esta peli, más a gusto que un arbusto, lo hacía medianamente bien en Acción Mutante, de Álex de la Iglesia. Éste, y no otro, es el verdadero acento que nadie sabe imitar:


Tampoco han aprovechado la comicidad que podían dar los personajes de Alberto López y Alfonso Sánchez (Protagonistas de "El mundo es nuestro") Han perdido un filón con ellos centrando la historia en el enredo amoroso.

El mundo es suyo, hasta en el norte

El final, no voy a descrubrir nada, acaba siendo demasiado convencional y algo decepcionante, la verdad. Es una lástima, como siempre, que tampoco en este film una pueda superar el test Bedchel. Los guionistas y directores, varones, han vuelto a hacer una peli para el lucimiento del actor principal y el secundario, la actriz principal y la secundaria son, otra vez, meras comparsas, observadoras de los aprietos que sufren los varones en las secuencias, dan la réplica muy modositas y ya está.

Dani Rovira, que es un monologuista que tiene el don de caer bien, tiene la suerte de tener un papel-bombón, de esos que agradan. Exagera, como es su deber, un acento de vasco fingido, acento que, en el caso de la madrileña Clara Lago, está mucho más contenido, tal y como es en realidad, a pesar de que a ella, para que el espectador lo sienta como auténtico, se lo hayan saturado de "hostias" por doquier, cosa que en sí es bastante exagerada.

TÓPICOS A LA CARTA:


Omaíta y Er Maeztro del TMEO (Furillo) se han venido al norte a tomarse unos rebujitos con gaseosa "la cruz del Gorbea", que anunciara el primo de Txomin del Regato, junto a Josechu, el vasco, del TBO. Curiosamente, nadie explota uno de los tópicos más famosos de ambas regiones geográficas: Su querencia al bar, quizá porque el bebercio socializador de vascos y andaluces los acerque demasiado. Primera escena en un bar sevillano y en el País Vasco, también se da en varias ocasiones.

Querencia cultural al bar

En los medios de comunicación se pregunta si esta humorada molesta en el País Vasco. No entiendo por qué lo creen. En cambio sí recuerdo una protesta andaluza por un anuncio de la tele pública vasca, de hace 9 años, protagonizada por nuestro "sueco" César Saratxu, sobre un andaluz soso. Juzguen ustedes:



Esta película vive sus días de gloria, quizá porque sus guionistas hace tiempo que tienen éxito gracias a "vaya semanita" (Cobeaga y San Juan) y que si director es un especialista en comedia romántica ("el otro lado de la cama"). No es ninguna obra maestra, pero te ríes un rato (Aunque, ciertamente, esperaba más hilaridad).


FICHA TÉCNICA:

Ocho apellidos vascos

Año 2014

Duración 98 min.

País España

Director Emilio Martínez Lázaro

Guión Borja Cobeaga, Diego San José

Reparto: Dani Rovira; Clara Lago; Karra Elejalde; Carmen Machi; Aitor Mazo; Alfonso Sánchez; Alberto López.

Género: Comedia romántica

Juli Gan

Cómo ser John Malkovich

Original, imaginativa, arriesgada, extraña, surrealista, innovadora… y es que ¿cómo podríamos calificar una historia en la que una persona se mete, literalmente, dentro de otra?

 

 

Título: Cómo ser John Malkovich

Título original: Being John Malkovich

Año: 1999

Duración: 112 minutos

País: Estados Unidos

Director: Spike Jonze

Guión: Charlie Kaufman

Música: Carter Burwell

Fotografía: Lance Acord

Reparto: John Cusack,  Cameron Díaz,  Catherine Keener,  John Malkovich,  Orson Bean,  Mary Kay Place,  Charlie Sheen,  Octavia Spencer

Productora Universal Pictures

 

Sinopsis: La vida de Craig Schwartz está llegando al final de un ciclo. Craig es un marionetista callejero con un gran talento, pero él tiene la impresión de que su vida carece de sentido. Nueva York ha cambiado mucho y la gente no le presta mucha atención. Lleva diez años casado con Lotte, que trabaja en una tienda de animales y está obsesionada con su trabajo. Él consigue encontrar trabajo en la planta 7'5 del edificio Mertin-Flemmer de Manhattan, donde encuentra una pequeña puerta que le permite el acceso a un pasillo secreto que le aspira y que le permite acceder al cerebro de John Malkovich.

 

 

 

Arriesgada propuesta del director Spike Jonze en su primera película, con la que además obtuvo una nominación a mejor director en los Premios Oscar de 1999. A día de hoy, Cómo ser  John Malkovich, está considerada una película de culto. Es una extraña y original historia que podemos englobar tanto en el género del surrealismo, como del fantástico además de en la comedia.

 

La carrera de Spike Jonze no es muy extensa sin embargo sus películas, todas ellas nada convencionales están bien consideradas por crítica y público y siempre sorprenden. En la pasada edición de los Oscar, Spike Jonze recibió el premio al mejor guión original por la maravillosa Her (2013), que aprovecho para recomendaros ya que la considero una de las mejores películas de este último año.

 

El guión de Cómo ser John Malkovich corre a cargo de Charlie Kaufman, que también escribiría el guión de otra gran película de Spike Jonze: Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002). Como ya he dicho, guión extraño en cuya extrañeza reside su originalidad porque en el fondo ¿quién no quisiera estar a veces en el lugar de otro? ¿Y por qué no dentro del gran John Malkovich?

 

Lo cierto es que no quiero desvelar nada más que lo que en la propia sinopsis se puede leer porque siempre digo que las cosas hay que ir descubriéndolas cuando deben ser descubiertas y no antes.

 

Aquel que descubre la ‘puerta’ para ser John Malkovich es un hombre fracasado. Craig Schwartz es un marionetista maravilloso pero sus historias no gustan. Quiero destacar que los momentos en los que vemos las marionetas son increíblemente expresivos y estupendos. Con ellas es con las que comienza la película, animadas por nuestro protagonista al que da vida John Cusack que empieza a trabajar de archivero en una empresa muy peculiar que se encuentra en el piso 7,5 de un edificio. Cusack es un actor solvente que se mete en todo tipo de personajes variopintos y siempre convence. Aquí, casi irreconocible tras un aspecto totalmente desaliñado hace un gran personaje.

 

El mismo cambio físico tiene Cameron Díaz con un personaje, Lotte, totalmente descuidado en su aspecto que convive con Craig en una casa desordenada y llena de animales a los que continuamente hace carantoñas. Cameron se aleja de los papeles de guapa tonta para crear un personaje inocente y extravagante.

 

Totalmente encantadora pero con un punto borde está Maxim, el personaje que interpreta una estupenda Catherine Keener, compañera de trabajo de Schwartz. Un personaje alrededor del cual se van moviendo el resto de los personajes. Se transforma así que la causa de todos lo hechos posteriores.

 

¿Y que hay del propio John Malkovich haciendo de sí mismo? Bueno, por lo menos un John Malkovich que interpreta a John Malkovich. Un John Malkovich que se deja manejar, que se parodia a sí mismo, que se ríe de sí mismo… ¡Qué grande! No todos los actores serían capaces de hacerlo. Y no siempre vemos a este actor en un papel cómico.

 

En un pequeño papel podemos reconocer a la ahora oscarizada Octavia Spencer (Criadas y señoras, 2011) pero también hay varios cameos del propio Spike Jonze, Charlie Sheen, Sean Penn, David Fincher y Brad Pitt o Winona Ryder.

 

La banda sonora de Carter Burwell, está formada por 21 canciones en las que participa la cantante y compositora Björk.

 

Ganadora del BAFTA al mejor guión original. Mejor guión de ópera prima para Charlie Kaufman y mejor ópera prima para Spike Jonze en los Independent Spirit Awards así como varias nominaciones a los Globos de Oro y a los Oscar.

 

Cómo ser John Malkovich es propuesta diferente y original y por lo tanto no del gusto de todos. A mi me ha sorprendido para bien, al igual que Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002) o Her (2013). Un director y guionista, Spike Jonze, al que hay que seguir de cerca.

 

 

 

Alabama Monroe y La gran belleza

Normalmente , leo criticas o veo reportajes de las películas que voy a ver, sobretodo de mis compañero/as, que es de las que más me fío.

Últimamente he visto estas dos obras maestras que sin tener nada que ver la una con la otra tiene algún que otro punto en común: las dos estaban nominadas como mejor película extranjera para los Oscar, las dos son historias desgarradoras, las dos hablan de la soledad, en resumen las dos hablan de la parte más triste de la vida.

Me impresionaron las dos de tal manera que ya hace dos semanas que las he visto y todavía las tengo en mi cabeza.

Reconozco que son historias no aptas para todos  los públicos y que , si queréis un consejo, si todavía no las habéis visto , es mejor que no leáis este humilde comentario porque habrá spoilers que pueden desvelar el impacto en los finales de ambas obras.

Si las habéis visto me encantaría saber vuestra opinión.

ALABAMA MONROE

Pensaba que iba a ver la historia de un grupo de bluegrass al más puro estilo country americano, pero con la peculiaridad de que este grupo es de Bélgica. El trailer ya indicaba una banda sonora excepcional y el grupo amante de este tipo de música empieza tocando en tugurios de su ciudad y acaba en grandes escenarios. La única parte en que la evolución de la historia es positiva.

La realidad es mucho más desgarradora, increíblemente desgarradora. La historia de Elise i Didier, una pareja que se conocen y se enamoran a primera vista, ella es  propietaria de un local donde hacen tatuajes y en la que el cuerpo de Elise está repleto de tatuajes que son como un mapa de su vida. Didier es el alma matter del grupo de música, vive en una granja en contacto directo con la naturaleza.

El encuentro de la pareja es explosivo, solo viven el uno para el otro, un amor verdadero que aumenta cuando ella entra en el grupo y se convierte en la solista con una voz que va rompiéndose a medida que su historia personal la va absorbiendo. Viven en su mundo feliz que aumenta cuando nace Maybelle, aunque inicialmente hay un rechazo de Didier, sus vidas son plena felicidad viviendo los tres en la granja , y aumentando su éxito en el mundo de la canción.

Pero dicen que la felicidad no existe, su mundo se derrumba cuando la niña empieza ha encontrarse mal y debe ser hospitalizada, y empieza el declive personal y de pareja de los dos protagonistas.

Es cuando entras directamente en sus sentimientos, en sus sueños, en su dolor, en sus diferentes creencias, en una soledad tremenda... la interpretación de los dos actores es tan estremecedora que sufres con ellos. Hacia mucho tiempo que no lo pasaba tan mal en la butaca de un cine.

No explicaré el final, es un final triste, pero real... La escena final es brutalmente preciosa.

Ya lo he dicho, no es una película para todos los públicos y confieso que no la volveré a ver (ya me pasó con Ladybird, Ladybird, Mi vida sin mi o La pianista), historias que penetran tanto en tus venas que llegan al corazón y te lo destrozan.

Pero evidentemente es de imprescindible visión.

No he podido evitar colgar una de las canciones más bonitas y que más reflejan los sentimientos de los personajes.

Hubiera ganado el Oscar, se lo hubiera llevado sin ninguna diferencia sino hubiera competido con...

LA GRAN BELLEZA

Ya con la primera aparición de Jep Gambardella (Toni Servilio) dije: Dios es Marcello Mastroiani!!.

La gran belleza es de esas películas que te devuelven al cine clásico italiano, al mejor  Fellini, porque a mi parecer Paolo Sorrentino a hecho un gran homenaje a Federico.

Jep es un aristócrata romano que vive la decadencia de la ciudad, vive su Dolce Vita particular: fiestas , charlas en su ático de lujo con vistas al Coliseum con amigos tan vacíos como él, amante de vez en cuando, una vida de lujo pero totalmente sin sentido. Él, con sus 65 años ya está de vuelta de todo y solamente lo que busca es la gran belleza en una ciudad que aparentemente se la da pero que si escarbas un poco es inevitablemente imperfecta en todos sus sentidos.

Ya en la primera escena sabes lo que te espera, lo que busca el personaje principal; impregnarte de preciosas imágenes que van y vienen  de una ciudad que lo tiene todo, belleza, historia, turistas pero que en medio de toda esta maravilla reina la superficialidad y la hipocresía de los que viven en ella.

Jep Gambardella, nos explica su historia con la ciudad y con sus personajes, pero es evidentemente su punto de vista y la cámara lo acompaña constantemente con unos movimientos envolventes encadenando travellings preciosos que te hacen sentir como si tu mismo estuvieras en la ciudad.

La gran belleza es eso, un retrato por los sitios más bellos de Roma  tan exteriores como interiores, pura belleza pero también vemos la ciudad más mezquina.

A destacar la sublime interpretación de Toni Sorvilio, ese gran Gep Gambardella con el que te enamoras en el primer instante en que aparece en pantalla: aristócrata, caballero, amable, intelectual pero a la vez insensible e impertinente.

Impresionante la crítica ácida, dura y a veces muy cruel que hace Sorrentino de la Iglesia... y no digo más.

También de imprescindible visión, y no solo una vez,  sobre todo en la gran pantalla!

Hasta la próxima!

Bargalloneta

La noche americana

 (annyas.com)

Cuando ves La noche americana y, al final, con los títulos de crédito, se te pone una sonrisa boba, de felicidad, en la cara, sabes que el cine te tiene y tendrá atrapada para siempre.

François Truffaut era un tipo frágil y encantador. En La noche americana dirigió y se interpretó a sí mismo interpretanto y dirigiendo.

Interpretando, porque el actor, Jean-Pierre Léaud, era también él, el hombre que amaba a las mujeres.

 (gonemovies.com)

"¿Usted cree que las mujeres son mágicas?"

Dirigiendo, porque se dirigió a sí mismo y a otros directores a los que admiraba, como Buñuel, por quien se hizo el sordo.

(allocine.fr)

"Un director de cine es alguien a quien están haciendo preguntas constantemente.

A veces tiene las respuestas y a veces no."

 El cine no es solo una necesidad intelectual, sino también biológica.

"Siempre he pensado que después de comer necesitamos ver alguna imagen en movimiento."

 (gonemovies.com)

 "¿Pero, ¿qué es esto del cine? ¿Qué profesión es esta en la que todo el mundo se acuesta con todo el mundo, todo el mundo se tutea y todo el mundo miente? ¿Qué es esto? ¿A ti esto te parece normal?"

La noche americana nos ofrece una visión del cine desde dentro, enamorada, pero desnuda de idealización, que dice cosas que no dicen las revistas de papel couché.

(imcdb.org)

"Una actriz es una mujer que, cuando está rodando, se levanta a las seis de la mañana y se va a casa a las nueve."

 "Yo por una película dejaría a un hombre, pero por un hombre nunca dejaría una película."

Y, por si fuera poco, todo esto sucede en Niza, una de las ciudades más hermosas que conozco.

La playa, el Paseo de los Ingleses y el casco antiguo de Niza,

vistos desde una de las colinas de la ciudad. La foto es mía.

Ya vamos acabando este homenaje. Ahora viene la ficha técnica y luego otra cosita más.

Título: La noche americana

Título original: La nuit américaine

Dirección: François Truffaut

País: Francia, Italia

Año: 1973

Duración: 115 min.

Reparto: Jacqueline Bisset, Valentina Cortese, Dani, Alexandra Stewart, Jean-Pierre Aumont, Jean Champion, Jean-Pierre Léaud, François Truffaut, Nike Arrighi, Nathalie Baye, Maurice Seveno, David Markham, Bernard Menez, Gaston Joly, Zénaïde Rossi, Xavier Saint-Macary, Walter Bal, Jean-François Stévenin, Pierre Zucca, Marc Boyle

Productora: Les Films du Carrosse, PECF, Produzione Intercontinentale Cinematografica (PIC)

Dirección: François Truffaut

Dirección artística: Damien Lanfranchi

Diseño de producción: Damien Lanfranchi

Fotografía: Pierre-William Glenn

Guión: François Truffaut, Jean-Louis Richard, Suzanne Schiffman

Maquillaje: Fernande Hugi, Malou Rossignol, Thi-Loan Nguyen

Montaje: Martine Barraqué, Yann Dedet

Música: Georges Delerue

Producción: Marcel Berbert

Sonido: Antoine Bonfanti, Harrik Maury, René Levert

Vestuario: Monique Dury 

(cine.estamosrodando.com)

Y quiero acabar este post con la misma dedicatoria que hace en La noche americana François Truffaut a Lilian y Dorothy Gish, las dos huerfanitas.

  (gonemovies.com)

Eso es todo, amigas. Espero que os haya gustado este cariñoso homenaje que he querido brindar a una de mis pelis más queridas de siempre.
Se despide hasta la próxima

Noemí Pastor