Madres de Cine III

MADRES DE CINE III

A dos días de distancia, mi turno casi coincide con el día de la Madre. Por ello, tal como hice en otras ocasiones desde el blog de Historias Troyanas,con la entrada de Madres de cine Madres de cine y Madres de cine II me apetecía mucho seguir revisando con vosotr@s otras madres de cine, que no mencioné antes y que desde luego vienen a dejar constancia ,que ser madre no es en modo alguno, una tarea fácil.

1) La Habitación ( Lenny Abrahamson,2016)

Brie Larson conquistó a público y crítica con su interpretación de Ma en la película "La habitación".

Una madre llevada al extremo que lucha por sobrevivir (y que su pequeño Jack sobreviva también) en su secuestro. Su objetivo era que Jack (Jacob Tremblay) viviera feliz los primeros años de su vida mientras estaba encerrado. No se me ocurre mejor ejemplo de resiliencia en estos días de confinamiento que estamos viviendo.

2) Forrest Gump (Robert Zemeckis,1994)

Sally Field fue la poco ortodoxa madre de Forrest, que hizo lo que consideró necesario para conseguirle un futuro digno a su hijo. Algunos de nosotros la recordaremos por la famosa frase de que la vida es como una caja de bombones. Y desde luego, no lo hizo mal, Forrest fue todo un ejemplo de "un hombre hecho a sí mismo", supo sacar partido de sus capacidades y ver cumplidos uno a uno, tarde o temprano, todos sus sueños.

3) Erin  Brockovich ( Steven Soderbergh,2000)

Inspirada en hechos reales, esta dramática película protagonizada por Julia Roberts narra la historia de una madre (Erin Brockovich) de tres hijos que tiene que luchar por su supervivencia y lucha, en paralelo, por esclarecer un extraño caso de envenenamiento por parte de una empresa de energía.

Erin nos deja el ejemplo de una madre coraje que no tira la toalla ante las dificultades y se sobrepone a todas las dificultades en pos de sus propios objetivos tanto personales como profesionales.

4)EL Resplandor (Stanley Kubrick ,1980 )

Encarnada por Shelley Duvall, Wendy, es la madre aterrada de Danny, el niño que grita «Redrum» en la obra maestra de Stanley Kubrick “EL Resplandor”. Su padre, Jack Torrace, esposo de Wendy e interpretado por un magnífico Jack Nicholson, ha perdido completamente la razón dentro de un hotel maldito que se dispuso a cuidar durante el invierno.

Este filme, adaptado de una novela de Stephen King, es uno de los más aclamados de Kubrick. Si bien para algunos Wendy es débil, abnegada y desesperantemente lenta, logra derrotar al psicópata Jack y salvar a su hijo. Moraleja: nunca subestimes a una mujer al borde de un ataque de nervios.

5)Las uvas de la ira (John Ford, 1940)

Jane Darwell (madre fordiana en varias ocasiones) es el faro, el puerto de ‘Las uvas de la ira’, y esa charla que mantiene con su hijo en la ficción (Henry Fonda) uno de los momentos más emotivos de la historia del séptimo arte.

6)La fuerza del cariño (James L. Brooks, 1983)

Una mujer valiente (Shirley MacLaine) mima a su hija (Debra Winger), que por uno de esos giros

inesperados de la vida, va a tener que empezar a atar cabos sueltos, tal cual hizo la protagonista de "Mi vida sin mí". Uno de esos éxitos ochenteros que estuvieron en los oscars y que nos recuerda que el vínculo madre e hija para bien o para mal, es prácticamente indestructible.

7) Carrie (Brian de Palma,1976)

Otra vez Stephen King. Margaret White es la madre de Carrie, una adolescente con poderes de telequinesis, que gracias a las presiones que sufre en la escuela, y a la violencia religiosa de su madre, termina comandando una masacre en la noche de su graduación.La imponente interpretación de Piper Laurie, en la adaptación de 1976 de Brian de Palma, nos obliga a preguntarnos quién causa más terror: Carrie o su madre.

8) " Tres anuncios a las afueras" (Martin McDonagh,2017)

Mildred es la madre de Angela, que murió violada, y a cuyo cuerpo le prendieron fuego, siete meses antes del inicio de la película.

Mildred, furiosa por el poco avance de las investigaciones policíacas, decide alquilar tres espacios de publicidad espectacular a la entrada del pueblo, y escribir en ellos una pregunta fulminante.

Los letreros desatarán una ola de reacciones en todo el pueblo, y con ellas la furia de Mildred, que está dispuesta a todo por encontrar al responsable. Interpretada por Frances McDormand, Mildred pasará a la historia como una madre ejemplar del siglo XXI.

9)Breaking Dead  ( 2008, 5 Temporadas)

Es difícil saber cuándo se le va de las manos la situación a la madre de la serie "Breaking Bad", pero sin duda ella, Skyler ( interpretada por Anna Gunn)contribuye (en menor medida que Walter, eso sí) a poner en peligro a sus mismísimos hijos consintiendo a su marido seguir siendo el mayor narcotraficante de Nuevo Mexico.

A veces el silencio cómplice es también una actitud a debate en el interesante análisis en torno a los dilemas morales. A mí este personaje me ha recordado a "Blue Jasmine" de Woody Allen en 2014.

10) Historia de un matrimonio (Noah Baumbach,2019)

Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo. Además de aprender a convivir para lograr una estabilidad en la vida de su pequeño hijo.

Si hay algo que merece la pena destacar en mi opinión,además de las potentísimas actuaciones de los protagonistas,( Adam Driver y Scarlett Johansson )es una de las intervenciones de la abogada defensora de la madre (Scarlett Johansson) en la cual salen a la luz los juicios morales que pesan sobre las progenitoras cuando son evaluadas ante los ojos de los demás. 

Lo rescato aquí porque de verdad creo que merece la pena leerlo:

"Te voy a parar ahí. La gente no tolera a las madres que beben y le dicen a su hijo ‘cabroncete’. Lo entiendo, yo soy igual. Un padre imperfecto es aceptable. El concepto de buen padre solo se inventó hace unos 30 años. Antes era normal que los padres fuesen callados, ausentes, poco fiables y egoístas. Claro que queremos que no sean así, pero en el fondo los aceptamos. Nos gustan por sus imperfecciones, pero la gente no tolera eso mismo en las madres. Es inaceptable a nivel estructural y espiritual. Porque la base de nuestra patraña judeocristiana es María, la madre de Jesús, que es perfecta. Es una virgen que da a luz, apoya incondicionalmente a su hijo y sostiene su cadáver al morir. El padre no aparece. Ni para echar un polvo. Dios está en el cielo. Dios es el padre y Dios no se presentó. Tú tienes que ser perfecta, pero Charlie puede ser un puto desastre. A ti siempre te pondrán el listón más alto. Es una jodienda pero es lo que hay”.

11) Kramer contra Kramer ( Robert Benton,1980)

 Una estupenda Meryl Streep en el papel de  Joanna nos deja el retrato de una madre  superada que en plena crisis decide dejar a su marido (estupendo también Dustin Hoffman) que se queda al cargo del hijo de ambos de 6 años. Transcurrido un tiempo, Joanna reaparece para recuperar la custodia de su hijo ¿ soy yo la única que encuentra demasiados paralelismos en la reciente "Historias de un matrimonio"?

12)  La madre de Jocker (Todd Phillips,2019)

Penny Fleck –protagonizada por Frances Conroy– es una dócil y enfermiza mujer que se apoya en su hijo, Arthur (Joaquin Phoenix) para que cuide de ella.

Lo que sabemos de su pasado es que trabajaba para Thomas Wayne, también conocido como el padre del billonario Bruce Wayne, hace ya unos treinta años. Ella le ha escrito cartas preguntándole si puede ayudar a una exempleada que actualmente vive en la inmundicia con su hijo.A través de una serie de averiguaciones, Jocker ( ATENCIÓN SPOILER)

comprende que su madre no era solo una empleada enamoradiza que se volvió loca por un hombre—era peligrosa, hiper delirante y narcisista que se quedaba callada cuando su compañero de ese momento abusaba de Arthur durante su niñez, situación que juega un papel importante en sus problemas mentales.

Hubiera estado bien ahondar en este personaje en la película quizá ella y sólo ella tenía la clave para revertir el que al parecer era el  inexorable destino del Jocker.

13) Larna Morello ( Yael Stone) en la serie "Orange is the new black" (2013, 6 Temporadas)

Más allá de ser recluida por un tema de estafa monetaria, a lo largo de las sucesivas temporadas vamos vislumbrando que Larna sufre algún tipo  de alteraciones de la personalidad en la que experimenta una pérdida del contacto con la realidad.

(Spoiler)))

Es aproximadamente en la última temporada cuando pierde a su bebe y es incapaz de asumirlo.

Su estado mental paradójicamente le protege de otras tantas adversidades en prisión, pero no deja de ser el retrato triste de una maternidad mal-lograda.

14) Malas madres ( Jon Lucas, Scott Moore,2016)

Mila Kunis, Kristen Bell y Kathhryn Hanhn son las actrices que encarnan a las tres protagonistas ,todas madres, hartas de que las horas del día no les alcancen para atender sus múltiples responsabilidades, deciden rebelarse para retomar las viejas diversiones, iniciando una lucha por la libertad y la autocomplacencia. Accidentalmente, su camino se cruza con la líder de la asociación de padres del colegio (Christina Applegate), una devota del ideal de "madre perfecta", lo que provocará que haya un conflicto entre las 'madres perfectas' y las 'malas madres'.

Evidentemente , la película es una comedia gamberra, pero no deja de ser un reflejo de lo duro que es ser madre y de que todas en un momento dado, necesitan también retomar el contacto con la niña que en su día fueron.

Hasta aquí un ramillete de madres de cine. No son todas las que están , ni están todas las que son , así que os invito a que añadáis más madres de cine, sean ejemplos de bondad, maldad , delirio, coraje, cobardía, locura, claridad o confusión ……..

Feliz fin de semana

Troyana

Siempre hay una Emma para tí

El día 17 de abril debería estrenarse en los cines españoles Emma de Autumn de Wilde, debut de la directora de videoclips sobre la novela homónima de Jane Austen. La llegada del Covid-19 ha paralizado nuestro modo de vida, si hemos tenido suerte y no lamentamos pérdidas de familiares y de amistades. Es por ello que los estrenos de este año se vean en la cuerda floja, relegados a fechas posteriores o a una llegada en formato digital.

El film del que hablamos, ha sido recibido en ese formato en algunos países, y por tanto, de alguna manera a todos lados. Esperando su llegada oficial, puedo aseguraros que es una película muy simpática y que puede ayudar a olvidar durante dos horas, el horror en el que nos hayamos, encerrados en casa o trabajando sin descanso ayudando a los demás. En la web El Sitio de Jane, que regento junto a mi hermana Almudena, ya podéis leer la crítica que ella ha hecho.

Creo que Emma es una de las adaptaciones literarias con más suerte que conozco. Jamás se han hecho "horrores" con ella al llevarla a la pantalla (de cualquier tamaño), al contrario que en otros casos, y puedo decir, que ya sólo con las películas y series hechas, por mucho que Emma nos pueda desagradar al comienzo como heroína sumamente imperfecta que es, siempre hay alguna que te acerque a la historia cuando no quieras meterte a leer la novela. Para ello, voy a hacer un breve resumen cronológico de las adaptaciones disponibles, de las que sólo me falta una por ver.

Emma 1967 - TVE

Encuadrada dentro del espacio Novela, es una versión de 5 capítulos para la cadena española. Es muy limitada en cuanto a recursos y es casi ver teatro en la pantalla, pero frente a esta escasez de medios, brilla con su regusto hispánico. Un Mr Knightley paternal pero atento, un Mr Woodhouse que es una comadre encantadora con brillo de abuelita de pueblo, y una Emma "lista" en el sentido más español y picaresco, que en manos de Lola Cardona, brilla con picardía.

Capítulo 1

Emma 1972 - BBC

De nuevo, una adaptación para televisión, pero con más medios, pero quizá no tan bien aprovechados. Aunque sabemos que las adaptaciones de ese momento eran acartonadas, los buenos guiones y los actores solían salvarlas (Norte y Sur 1975, Sentido y Sensiblidad 1971), pero aquí no se da el caso. Dora Godwin muestra una Emma cercana a la psicopatía, con un Mr Knightley que parece ser un "abuelo" y demasiado "encorsetadamente" inglés como para brillar. Curioso que sólo Frank Churchill parezca natural. Ni siquiera aprovecha bien el largo metraje, que pierde momentos fundamentales.

Clueless - 1995

El momento de la Austenmanía por autonomasía llegó en los 90, y esta adaptación al universo juvenil y cine de instituto colaboró fuertemente. Una versión libre de la historia movida a Beverly Hills, a través de Cher, una Emma en estado de gracia de la mano de Alicia Silverstone en todo su esplendor. Un guión perfectamente hilvanado, que pese a los cambios y giros para llevarlo a un nuevo mundo, no olvida la historia de la que proviene. Acompañada de un gran elenco, es una obra de culto en la actualidad.

Emma 1996 - Miramax Pictures

Tras Clueless y la oleada de adaptaciones de Jane Austen que se acercaban, los Weinstein de Miramax, pensaron en un vehículo de lucimiento perfecto para Gwyneth Paltrow, su nueva starlet. La película dirigida por Douglas McGrath (con su propio guión) y lleno de jóvenes promesas del momento (Toni Collette, Ewan McGregor...), es un reloj perfectamente engranado en torno a su protagonista, y cuenta con gracia y encanto su historia. El espectador, cual Jeremy Northam en su interpretación de Mr Knightley, sólo puede contemplar de forma paternalista a Emma, y luego, caer rendido a sus pies...siempre y cuando guste la miel que sale a veces de los bordes de la cinta.

Emma 1996 - A&E e ITV

El mismo año, una película se realizó para televisión, con un elenco británico, y el mismo equipo de producción y guión de Orgullo y Prejuicio 1995. La Emma interpretada con encanto, pero también con cierta mala idea, por Kate Beckinsale, resulta mucho más realista que todas las anteriores, y de igual manera lo es su mundo. Bien secundada por Samantha Morton como Harriet, aquí se equilibran más las partes de la historia entre ésta y la de Jane Fairfax (maravillosa Olivia Williams), y el señor Knightley (gran Mark Strong), abandona su lado más amable por uno más masculino y agresivo, enamorado de una vecina que le da demasiados quebraderos de cabeza. Es quizá mi preferida para ver la historia rápidamente.

Emma 2009 - BBC

Pasaron muchos años, y a principios de la primera década del siglo XXI, hubo otro revival austeniano, y finalmente, la BBC decidió hacer una serie para contar en detalle las aventuras de Miss Woodhouse. Romola Garai es una elección perfecta para una Emma más rústica y aniñada, que juega con todo Highbury. Jonny Lee Miller la acompaña, poniendo caras como para una competición de GIFs, pero mostrándose encantador a la par que corrector de esta criatura que, pese a sus cualidades, no aprende. Acompañados por Jodhi May, Michael Gambon y el resto del elenco, cuentan la historia con más tiempo y detalle que en otras versiones, lo que la hace ciertamente muy atractiva.

Emma Approved - 2013 - Webserie

Esta serie web de 2013, siguió la estela de The Lizzy Bennet Diaries (tienen los mismos responsables), en actualizar y contar por un medio no tradicional, una historia de Jane Austen. No he podido verla, aún, aunque puede que alguna vez me ponga, y cuenta la trama como si Emma fuera una youtuber. Según  me han comentado, es una adaptación muy fresca.

Emma 2020 - Focus Features

La última Emma en llegar es sencillamente impresionante en lo que se refiere a vestuario o ambientación. No he visto jamás una adaptación de esta autora con esta riqueza. Afortunadamente, la historia, pese a cortes y concesiones al público más joven, también hace justicia a la novela en la que se basa. Anya Taylor-Joy, como Beckinsale, muestra una Emma "mandona", que sabe que está en la cima de Highbury, pero también llena de corazón, y tambíen como en la versión de TV de 1996, el Mr Knightley de Johnny Flynn, es varonil y no se queda callado ante las locuras de su vecina. Bien acompañados por los demás actores (salvo Callum Turner, que está mal elegido, como su historia como Churchill no muy bien llevada), esta versión, en general, es como un teatro de marionetas rico y lujoso, que puede hacer las delicias del público durante dos horas.

En fin, elige tu Emma, y quédate con la que más te guste, pero no olvides a las demás.

Carmen Romero

Nota: más información sobre estas adaptaciones aquí.

GILDA

Con esto de la cuarentena tengo la cabeza como un bombo. Leo, veo series, oigo audiolibros y recibo un constante bombardeo de mensajes, videos y artículos. Unos serios, profesionales; otros graciosos, y otros aborrecibles y apocalípticos. Pero no he visto muchas pelis. Ayer, de pronto me acordé de Gilda. No la había vuelto a ver desde la infancia, pero hace unos días(cuando éramos libres y felices sin saberlo), en el encuentro de novela negra de Villanoir, un grupo de músicos nos ofreció un concierto con músicas de película y me entraron muchas ganas de volver a ver todas esas pelis en blanco y negro con las que crecimos. Al oír Amado mío, me acordé de Gilda y ahora, aprovechando el parón de la actividad, la he vuelto a ver.

Brillando con luz propia

Tengo que decir que la película dirigida por Charles Vidor me ha decepcionado un poco. La trama policíaca del tungsteno, los nazis y demás me ha parecido bastante floja. Y vayamos con la historia de la pasión arrolladora de los protagonistas, ese amor maldito que parece condenarlos al sufrimiento. ¡Madre del amor hermoso! ¡Con qué historias nos han educado! No pretendo en absoluto juzgar las películas de los años cuarenta con los ojos de ahora. Gilda refleja un tipo de relación de pareja, de historia de amor romántico, que estuvo presente en nuestras vidas y que, afortunadamente, hoy nos escandaliza. De todas formas, hay machismos y machismos. La idea del amor de los boleros y rancheras es un horror: los celos, la desesperación, el amor como centro del universo. Qué pereza… Será la edad que me hace verlo así. Pero a lo que iba, del mismo año que Gilda es El sueño eterno y el personaje de Lauren Bacall tiene otra fuerza, otro poder.

El amor, ¡ay, el amor!

Las únicas armas de la pobre Gilda son la belleza y la sensualidad, bueno, y al final la decencia porque para poder acabar con el chico tenía que ser buena. Ella hace algunos gestos de rebeldía, coquetear con hombres y decir cosas como: “Si yo fuera un rancho, me llamaría Tierra de nadie”. Pero siempre es un objeto en poder de un hombre: Glen Ford o su marido. Es la quintaesencia de la mujer fatal, de la que todos se prendan, pero a la que no respetan. Bellísima, fumadora, siempre vestida con brillos y transparencias hasta la apoteosis final: la interpretación de Put the blame on Mame en la famosa escena del guante que, en la España franquista, se suponía el inicio de un estriptis que la censura nos había robado.

Hay que decir que me parece que Rita Hayworth era preciosa y cantaba y bailaba de forma muy seductora. De hecho, Glen Ford no me parece un partenaire adecuado para Gilda. Tiene cara de ensaimada y no da para el tipo duro que pretende representar. Sinceramente, la famosa bofetada a mí me hizo pensar que si ella se la devolvía, le saltaba un diente.

La famosa bofetada

La pobre Rita debió tener una vida tan complicada como el personaje de la película. Su verdadero nombre era Margarita Carmen Cansino y era hija de un bailarín español que le hizo trabajar como su pareja de baile, fingiendo que era su mujer. También la sometió a abusos sexuales, lo que ya son muy malas cartas para comenzar a andar por la vida.

Pese a que siempre digo que me hubiera gustado probar los terribles problemas que acarrea la belleza, creo que en el caso de muchas de estas actrices fascinantes es totalmente cierto. Rita Hayworth comenzó a trabajar muy joven en películas de la serie B. Su primer marido, Edward Jason, le consiguió un contrato con Columbia. A partir de Solo los ángeles tienen alas  despegó su carrera, que incluye varios musicales, cuyo punto culminante es Gilda, que la consolidó como sex-symbol. Trabajó con grandes directores de la época, como Charles Vidor, Rouben Mamoulian u Orson Wells. Tuvo como compañeros de reparto a Fred Astaire, Tyrone Power o Gene Kelly.

No se puede estar más divina

Por supuesto, también tuvo varios matrimonios, entre otros con Orson Wells, con quien rodaría, al año siguiente de Gilda, La dama de Shangai. Se dice que la relación con Wells comenzó a deteriorase durante el rodaje de Gilda y que el director la obligó a cortarse la famosa melena pelirroja y teñirla de rubio. Se atribuye a la actriz la frase “Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo”, lo que da una idea de que su vida amorosa no fue precisamente feliz. Se casó en cinco ocasiones que terminaron en divorcio. Tuvo que dejar el cine bastante pronto, con apenas cincuenta años, por problemas de memoria y de carácter que se achacaron al alcoholismo, aunque luego se descubrió que padecía Alzheimer. Murió con sesenta y ocho años.

La verdad, queridas amigas, es que estar en el centro de las fantasías y del deseo no te augura para nada la felicidad, más bien al contrario. Estoy mucho más resignada a no haber sido un bellezón ni a los veinte.

La Trinchera infinita y el fenómeno de los topos

La alarma sanitaria nos tiene confinadas en nuestras casas, pero podemos salir a la ventana y/o terraza a que nos de el aire para ver el paisaje y que nos vean. En España en los días inmediatos al final de la guerra civil hubo un numeroso grupo de individuos que se vieron obligados a esconderse en sus propias casas por haber perdido la guerra. A estos hombres se les conocería como "los topos", tal y como quedó recogido en un libro donde sus autores, Jesús Torbado y Manu Leguineche, se dedicaron a recoger los testimonios de estos enclaustrados entre sus propias paredes por miedo a ser encerrados en cárceles previa tortura o ser fusilados.

Cartel 

Basándose en el libro y centrándose en la historia de Manuel Cortés,  alcalde de Mijas (Málaga), Manuel H. Martín dirigió en 2011 un documental titulado "30 años de oscuridad". El documental, que ganó el Goya en su categoría, es narrado por el alcalde, al que presta su voz Juan Diego y su esposa, cuyo hilo narrativo es interpretado por Ana Fernández, que lleva la presión de saber a su marido encerrado y aún así tener que enfrentarse a la vida real en medio del franquismo más cruel. La cinta, además, cuenta con las aportaciones de Jesús Torbado, uno de los periodistas que dio a conocer el fenómeno de los encarcelados en sus propias casas, Ronald Fraser, autor de "escondido", la biografía de la reclusión del alcalde de Mijas y María de la Peña, nieta del alcalde, que explica el miedo que se vivía en su casa y el peso de guardar el secreto de tener un abuelo escondido.



Este escalofriante documental sirvió de punto de apoyo para que el trío Garaño, Arregi y Goenaga montaran el film "la trinchera infinita". Este trío ya había realizado en tándem alguna otra obra como "80 egunean"o "Loreak" (Goenaga y Garaño)y la aplaudida "Handia" (Arregi, Garaño), de esta última, nuestra compañera Noemí, hizo un espléndido articulo.

Historia real 

Los vascos vuelven a crear un ambiente casi literario para contarnos la historia de Higinio (Antonio de la Torre) escondido por su esposa Rosa (Belén Cuesta), la cual las pasa canutas para sobrevivir en un ambiente opresivo y amenazante guardando la vida de su marido enclaustrado. Belén Cuesta se llevó el merecidísimo Goya a la mejor interpretación protagonista. No es la primera vez que una actriz encasillada en papeles cómicos sorprende para bien en un duro papel dramático. No nos olvidemos de que María León se llevó el premio a mejor actriz revelación por otro papel de víctima, torturada y sufridora derrotada de la guerra en "la voz dormida".

El documental

Pero la trinchera infinita no es la única peli que ha contado la historia de un topo. En 1986 Fernando Fernán Gómez dirige y protagoniza "Mambrú se fue a la guerra"en la que él es un comandante respublicano escondido bajo la pila de lavar de su casa, un invento ingeniosísimo. A la muerte de Franco su esposa revela a la familia la existencia viva de Emiliano, padre, suegro y abuelo. Toda la alegría de la "resurrección" se truncará por la ambición cochina de unos familiares encabezados por el yerno machista y vocinglero (Agustín González) y la hija de débil carácter (Emma Cohen) que ven que continuar con el enterramiento en vida del viejo republicano les reporta más beneficios ya que la "viuda", que no lo es, María Asquerino, tiene derecho a cobrar viudedad de mando militar con atrasos incluidos, y eso no puede acabar bien.

La peli de Fernan Gómez

Esta peli de Fernán-Gómez se llevó el Goya a mejor interpretación protagonista por este papel en la primera entrega de estos premios donde este director y actor presentaba otra peli, "el viaje a ninguna parte", que le reportó el triunfo en las categorías de mejor peli, mejor dirección y mejor guión, basado en una novela suya.

Miedo por tu vida

Mientras "la trinchera infinita" narra la angustia y el miedo de las décadas de encierro y cómo mina la vida de un matrimonio que vive con un peso insoportable, sobre todo, Rosa, en "Mambrú se fue a la guerra", el drama empieza cuando la esposa revela a la familia la supervivencia del topo. Hay muchas otras diferencias entre ambas películas, claro está. No es lo mismo realizarla once años después del fallecimiento del dictador que al haber pasado ya casi medio siglo. En la historia de Fernán Gómez el topo decide salir, por miedo,  una vez haya muerto Franco (noviembre de 1975), mientras que en la película del trío vasco el topo sale al cumplirse la amnistía de los llamados treinta años de paz (abril de 1969). Al final lo terrible es que fue cierto que hubo un  grupo de individuos escondidos en sus casas por miedo a las represalias que tomaran los vencedores de la guerra hacia ellos. A estos individuos se les llamó "los topos".

Desde el confinamiento, Juli Gan.

María Antonieta

 

Me gusta el cine de Sofia Coppola. Mucho. Y todo, aunque, si me apuráis, quizás seleccione, de todas sus películas, Las vírgenes suicidas y María Antonieta, que, en mi humilde opinión, tienen mucho en común.

 A Las vírgenes suicidas puede que le dedique en el futuro un poético y lánguido artículo, pero tendría que revisitarla antes, que hace mucho que no la veo. Este de hoy va a ser sobre María Antonieta (en adelante, MA), el personalísimo y delicadísimo biopic de Sofía Coppola sobre la última reina consorte de Francia, así que me veo obligada a comenzar hablando de…

Ciertas cuestiones históricas 

Sofía Coppola se documentó exhaustivamente antes de filmar MA. Entre otras fuentes, consultó a la historiadora Évelyne Lever, especialista en María Antonieta (ahora MA, sin cursiva), la cual declaró posteriormente que los hechos relatados en el film distan mucho de la realidad histórica: “Sofía Coppola y yo no tenemos la misma profesión. Yo soy historiadora; ella es creadora y ha plasmado en su película su propia visión de María Antonieta”.

 Me extrañó mucho leer esto, porque sabía (los títulos de crédito del film lo dicen) que la peli de Coppola está basada en la obra que la también historiadora Antonia Fraser escribió sobre la soberana de Francia.

 En fin, que yo, vista la firma de Fraser, había creído que más o menos todo lo que sucede en el film era rigurosamente histórico, pero ahora resulta que puede que no sea del todo exacto. Sea como sea, quería yo destacar un par de cosas de la biografía de MA.

La primera es que fue víctima de las fake news de la época, que, como dice Fito Rodríguez en su libro Fake newsak ez dira atzo goizekoak, no se inventaron ayer. La reina fue en su época motivo recurrente de vilipendio en los falsos rumores que circulaban y se publicaban sobre ella.

Y la segunda cosa que quiero destacar, causa directa de la primera, es que también fue víctima de la misoginia. La criticaban por tener amantes, cuando su abuelo político, el rey Luis XV, se paseaba con la condesa Du Barry por todas partes y con todo descaro. Le criticaban sus excesivos gastos en la corte de Versalles, cuando el grueso de las pérdidas las provovaba la Guerra de Independencia americana.

Su matrimonio con Luis XVI tardó siete (¡siete!) años en consumarse: se casaron siendo unos críos; ella tenía catorce años y él, quince. En consecuencia, no acababan de traer al mundo al ansiado heredero al trono de Francia. Pero la culpa era de ella, nunca de él.

El sublime arte del anacronismo 

Cuando vi MA en una sala de cine, poco después de su estreno, recuerdo que comenzó a proyectarse la peli, sonó su banda sonora de pop-rock y un tipo sentado detrás de mi le dijo en voz bien alta a su acompañante: “¡Nos hemos equivocado de película!”

Y lo mismo habría pensado yo si no hubiera leído antes que la banda original de MA contenía tanto piezas clásicas (sobre todo de Vivaldi y Rameau) como otras de grupos como Bow Wow Wow, Siouxsie and the Banshees, New Order, Adam and the Ants o The Strokes.

Y no es este el único anacronismo del film: durante una escena en la que se suceden los innumerables pares de zapatos de MA (diseñados, por cierto, por Manolo Blahnik), en segundo plano pueden verse un par de Converses.

Pues sí, señoras, porque lo mejor que se puede hacer para evitar los gazapos históricos es cometerlos conscientemente.

Y la gloriosa adolescencia 

Sofia Coppola quiso cometer tales anacronismos deliberados porque quiso hacer una película sobre la adolescencia; mejor dicho, una segunda película sobre la adolescencia, porque ya habia hecho una antes: Las vírgenes suicidas. Opino humildemente que estos dos filmes tienen mucho en común (además de la protagonista, la sublime Kirsten Dunst) y que ese espíritu adolescente es la clave para entender MA.

Coppola en ambas películas capta bellamente la liviandad terrible de esos años tontos, su fervor trágico. El crítico francés David Honnorat lo expresa así: “Coppola posa su mirada sobre esa primera juventud que acaba tan temprano como acaban las fiestas en Versalles y deja el doloroso sentimiento de haber perdido lo más preciado. Tras su primera noche de amor (¿por qué dicen “amor” cuando quieren decir “sexo”? Esto lo digo yo, no David Honnorat) aparece un plano de Kirsten Dunst que se tiende sonriente sobre la fresca hierba y nos hace recordar la escena de Las vírgenes suicidas en la que amanece sola sobre el césped de un terreno deportivo, tras otra noche de amor”.

Reparto no menos glorioso 

Acabo destacando en el poblado reparto de este film a, por supuesto, Kirsten Dunst en el papel protagonista; a Jason Schwartzman, perteneciente a la familia Coppola (todo queda en casa); a la genial Judy Davis como la condesa de Noailles; a Rose Byrne en el papel de la duquesa de Polignac; Asia Argento, Madame du Barry; Marianne Faithfull, emperatriz Maria Teresa de Austria, madre de MA; y a Jamie Dornan, el de las 50 sombras de Grey, ya apuntando maneras, como el conde Fersen, amante de MA.

Os saluda con una reverencia versallesca vuestra amiga

Noemí Pastor

A propósito del Coronavirus : "A ciegas"

A raíz del impacto social que está causando la pandemia de Coronavirus en nuestro país, estos días me acordé de la película "A Ciegas" del brasileño Fernando Meirelles.



Un año después de su estreno(2008), le dediqué una entrada en historias troyanas ( A Ciegas ) y hoy ante la situación que estamos viviendo no sólo aquí en España ,como todos sabéis, me parece vuelve a estar en vigor muchos de los frentes que aborda.

La película adapta la novela de premio novel  José Saramago "Ensayo sobre la ceguera" y el argumento gira en torno a una inexplicable epidemia de ceguera que se propaga por todo el país.
A raíz de este suceso, las primeras personas afectadas son recluidas en un hospital sin recibir explicaciones, manteniéndoles aislados en una vigilada cuarentena.

En esta atmósfera, hay una mujer (Julianne Moore)que se infiltra entre las victimas aún pudiendo ver, para estar al lado de su marido, un oftalmólogo que se ha quedado ciego ( Mark Ruffalo)

Dentro del hospital, la película (cuyo guion al parecer es bastante fiel al texto de Saramago),se impone la ley del más fuerte, tal cual la teoría de Darwin.

En ese pequeño micro-cosmos que es el hospital, se darán todo tipo de atrocidades y abusos y el lado más oscuro de la humanidad saldrá a flote, pero al mismo tiempo, también saldrán a la luz otro tipo de fortalezas que hasta ese momento estaban latentes o escondidas: la sororidad, el valor de la unión de los oprimidos, la resiliencia, la capacidad ilimitada del ser humano de resistir y sobreponerse por encima de las adversidades.
Mientras tanto, en las calles de la ciudad, reina el caos y el terror.

Me interesaba ahora rescatar este título ya que estamos ante una pandemia que nos empuja a tomar medidas como permanecer en las casas,sin salir, cuidando nuestra salud,la de nuestros familiares,la de las personas que nos importan,salir de la piel de individualismo y de la prisa,del correr todo el día,del stress y la ansiedad que devoran la vida.

Y sí, en tiempos de crisis, no lo dudéis siempre habrá quien opte por sacar partido cual buitres carroñeros de las dificultades ajenas, pero también habrá personas que se superen a sí mismas y encuentren en la imparable fuerza de la solidaridad, incluso en el marco de una distopía indeseable ,energías renovadas para sobrevivir enfrentándose a sus peores miedos.

No es mi intención hacer una paralelismo ni científico ni matemático, sólo hay palabras estos días que me han llevado a establecer ciertas analogías: cuarentena, aislamiento, miedo, autoridad, ciudadanía.....De nosotros, dependerá al final, superar esta crisis que de algún modo nos lleva a la introspección, al cuidado, a la atención plena en las relaciones con los más próximos, al encuentro, a la resiliencia y la paciencia, a la calma.

En el 2009, terminé la entrada dedicada "A Ciegas" de este modo:

"Estamos ante una obra que disecciona al ser humano en circunstancias límites, al borde del abismo, donde la ceguera quizá sea símbolo de " redentora maldición" y donde la capacidad de ver nos conduce a otro aislamiento menos físico pero más espiritual, donde el ser humano se refugia en el egoísmo, el individualismo y en las distancias que le separan del otro. De este modo, la ceguera que físicamente les limita, les condiciona y les incomoda, espiritualmente les salva, les acerca, les hace sentirse grupo, genera al margen de los lazos sanguíneos, cohesión, confianza, acercamiento. Una vez más, aun cuando surjan individuos que intentan sacar beneficio propio dentro del caos social y abusar del poder y someter a los mans@s, a los seres humanos a pesar de las diferencias, siempre hay algo, incluso  más profundo e indeleble que la sangre, que irremediablemente les une."

Todo desafío al final dependerá del enfoque que le queremos dar.
Hoy dejo aquí estos apuntes a modo de reflexión....el cine, es ese mágico lenguaje que también nos invita a hacernos preguntas, a establecer metáforas, a imaginar otros desenlaces....

Me gustaría saber vuestra opinión de la película si la habéis visto y si no la habéis visto, os la recomiendo para estos días que se avecinan en los que seguramente pasaremos bastante tiempo en casa.

Feliz y sereno fin de semana

Troyana

El Sistema contra Richard Jewel

Ya hace años que se dice en mi casa que el día que se vaya Clint Eastwood nos habremos quedado sin un tesoro planetario, sin el último de los grandes directores del Hollywood clásico, sin la estela de un cine diferente. Sí, ya sé que aún tenemos a Scorcesse dando vueltas, y alguno más, pero el nivel de multitarea del director-actor-compositor-productor-guionista y no sé que más, es un hecho incomparable y muy pocas veces logrado por otros artistas.

De un actor de televisión secundario, a un viaje por la polvorienta Almería italianizada, una figura de autoridad con su propia ley, pasamos a un mayor control de su propia persona que nos dibujó una América Redneck, y algún bolo patriótico, a una figura que da igual donde se encuadra es la lucha del individuo frente a los elementos. Y es que el cine más personal de Clint, nos ofrece eso, la grandiosidad del individuo que se resiste a ser engullido por el sistema, el "outsider" que revoluciona el entorno establecido, el ser humano frente a los demás. Una suerte de mezcla entre el elemento de Joseph Conrad y el de Graham Greene, en lo personal.

Siempre influído por sus dos padrinos cinematográficos (Leone y Siegel), Clint tiene su estilo personal y recoge ese Hollywood clásico de John Ford y Frank Capra, como ocurre, una vez más con El Caso Richard Jewel.

De nuevo, Clint se pone a dirigir un nuevo caso del ciudadano contra el sistema. Un hecho real en esta ocasión, que no guioniza (lo hace Billy Ray, basándose en el libro de Marie Brenner), y con una producción en la que también destacan Johan Hill y Leonardo DiCaprio (alejado de sus políticas más verdes). El relato sirve una vez más para que el director cuente una historia que se repite a lo largo de sus películas: ¿tiene libertad el ciudadano cuando el sistema lo elige como víctima?

Los héroes anónimos, simples, sencillos, que no tienen poderes, que son negados por un público que espera las versiones oficiales (El Intercambio), los momentos de humanidad que se deciden en un momento (como en las inferiores Sully o 15:17: el tren a París) sin importar si va la vida en ello (la maravillosa Gran Torino), por el hecho de hacer lo correcto.

Richard Jewel es una pesadilla angustiosa, es la historia real de un guardia de seguridad algo sencillo, que vive en la treintena con su madre, y no es el prototipo de héroe, pero acaba siéndolo. ¿Y qué pasa en estos casos? Que la sospecha crece, que es más fácil dejarse llevar por los prejuicios a verificar lo más sencillo. Una cuenta atrás se lanza, y no importan los medios porque se ha elegido a un culpable. Y lo peor es cuando la misma víctima ni siquiera se plantea que los poderes pueden estar equivocados.

Aunque el sistema, representado por la prensa el y el FBI queda esbozado con algo de brocha gorda aquí (no por las interpretaciones de John Hamm y Olivia Wilde, que son más que correctas), quizá porque ésa es la intención para mostrar claridad, el peso de la película lo llevan principalmente Sam Rockwell en estado de gracia como abogado desecantado y cascarrabias, Kathy Bates como la madre de Jewel, y sobretodo Paul Walter Hauser, como el protagonista, que sencillamente lo borda.

La salida del film se vió salpicada por la polémica, dado que el personaje interpretado por Wilde, Kathy Scruggs, queda dibujado de manera negativa, y aunque Scruggs y Jewell habían fallecido cuando la película fue estrenada, el medio en el que trabajaba criticó el retrato de la periodista en la misma. Sobre esto, sólo puedo decir, como he señalado antes, que se retrata a la misma de una manera negativa, como a todos los poderes que se muestran. El carácter que se da al personaje no da favor a verla desde una perspectiva positiva, pero suponemos que es algo intencional debido a los hechos que se cuenta. Igual que la superficialidad dada por los agentes del FBI y especialmente el de Hamm, que quedan retratados de forma nada favorable.

El caso Richard Jewell es una película sencilla y grande a la vez. Un film para ver y que debería ser más que conocido, por su historia y por su realización. Una gran película.

Tito Clint, quédate más años.

Carmen