Tú y yo

Se trataba de un hombre elegante, un gentleman, como se decía en su época. Un hombre atractivo, de mirada pícara y símbolo de la masculinidad en el cine. Es decir, el hombre perfecto: Cary Grant.

Perfecto en la pantalla, pero simplemente humano en la vida real. Tuvo problemas con el alcohol y con el LSD, se casó cinco veces e incluso se ha hablado mucho sobre su larga amistad con el actor Randolph Scott, con el que convivió durante doce años.

El próximo día 29, se cumplen 25 años de su desaparición, así que es un buen momento para recordar sus películas. Su larga carrera está llena de grandes clásicos, principalmente de la comedia [La fiera de mi niña (1938), Historias de Filadelfia (1940)] y del suspense [Encadenados (1946), Con la muerte en los talones (1959)] pero yo hoy me he quedado con la parte más romántica de Cary Grant.

Título original

An Affair to Remember

1957

Director

Leo McCarey

Guión 

Leo McCarey, Delmer Daves

Música 

Hugo Friedhofer

Fotografía

Milton R. Krasner

Productora

Twentieth Century Fox Film Corporation

Duración 

119 minutos

Reparto
Cary Grant, Deborah Kerr, Richard Denning, Neva Patterson, Cathleen Nesbitt, Robert Q. Lewis, Charles Watts, Fortunio Bonanova

Sinopsis

Un elegante playboy y una bella cantante de un club nocturno se conocen a bordo de un lujoso transatlántico y surge entre ellos un apasionado romance. Aunque ambos están comprometidos (ella es la amante de un magnate y él se va a casar con una rica heredera), establecen un pacto antes de abandonar el barco: encontrarse en el Empire State Building en un plazo de seis meses si siguen sintiendo lo mismo el uno por el otro.

El director y guionista estadounidense Leo McCarey, había realizado la primera versión Love Affair en 1939, protagonizada por Charles Boyer e Irene Dunne, a la que la mayoría alaba como la mejor versión de las tres realizadas sobre el mismo guión. Recibió seis nominaciones a los Premios Oscar, sin poder lograr ninguno debido a una gran competidora: Lo que el viento se llevó (1939), que no tuvo rival. La tercera y última versión fue Un asunto de amor (1994) de Glenn Gordon Caron con la pareja de moda entonces Warren Beatty y Annette Benning pero que fue un absoluto fracaso. Por lo único por lo que esta película merece visionarse es porque se ha convertido en el último trabajo cinematográfico de la gran e inigualable Katharine Hepburn.

El director Leo McCarey destacó especialmente en los años 30 y 40 dentro de la comedia. Incluso impulsó el éxito de Stan Laurel y Oliver Hardy como pareja cómica y cuya primera película él escribió. Posteriormente dirigiría a otros grandes cómicos, Los Hermanos Marx en Sopa de ganso (1933), pero el reconocimiento le llegó con dos películas con estilo diferente: Las campanas de Santa María (1945) y, sobre todo, Siguiendo mi camino (1944) que se llevó 7 Premios Oscar incluyendo película, director y actor (Bing Crosby).

El papel principal de Tú y yo se adapta perfectamente a Cary Grant: un hombre que tiene a todas las mujeres a sus pies y que vive de ellas sin el menor escrúpulo. Es por ello, que es una persona popular a la que la gente reconoce fácilmente al verlo constantemente reflejado en las, entonces llamadas, notas de sociedad. 

En un viaje transatlántico, Nickie (Cary Grant), se cruza de forma casual con Terry, una hermosa mujer a la que interpreta una Deborah Kerr [De aquí a la eternidad (1953), Quo Vadis (1951)] en su mejor momento. Es atractiva, inteligente, elegante y tiene chispa. Ambos comienzan una relación de amistad de la que en poco tiempo todos empiezan a murmurar. Terry, comprometida en matrimonio, decide que no quiere ser el centro de las murmuraciones y decide que cada uno vaya por su lado. Esto da lugar a una serie de encuentros casuales y conversaciones de complicidad en voz baja, que son la base de éxito de la película, que aunque se trate de una historia de amor -o desamor-, tiene unos diálogos ágiles que ya forman parte de la historia del cine.

Ante el final de la travesía, y como consecuencia de esta atracción pero ante la imposibilidad de que un vividor deje de serlo y comience a ganarse la vida, deciden darse seis meses de tiempo para recapacitar sobre su situación. Si después de seis meses siguen pensando en un futuro juntos, se encontrarán en el piso 102 del Empire State Building de Nueva York. 

Cary Grant y Deborah Kerr habían trabajado juntos en La mujer soñada (1953) y repetirían en Página en blanco (1960). La química entre ellos es perfecta. Está llena de gestos y miradas cómplices, que parecen fluir con una naturalidad asombrosa. Tanto es así, que el director llegó a aceptar las improvisaciones de ambos actores sin el menor problema. Pocas veces se había visto una sintonía igual en pantalla.

Una secuencia, que transcurre en unos pocos segundos, y es una de las que me gusta especialmente, tanto por la ternura como por la complicidad que transmite, es la que intentaré describir a continuación:

Al final del viaje, los dos personajes desembarcan en el puerto de Nueva York donde los esperan sus respectivas parejas. Terry recibe un abrazo de su prometido a uno de los lados de las escalerillas de desembarco. Mientras están abrazados, Nickie pasa junto a ellos. Se detiene un instante mirando a Terry, pero ella le hace señas para que no se pare y continúe su camino. Con un rápido movimiento, Nickie, se lleva los dedos de la mano hasta sus labios para a continuación depositar su beso sobre la mano de ella, que en ese momento rodea la espalda de su prometido. Al sentir este gesto, ella rompe el abrazo y se lleva la mano a los labios recibiendo así el último de sus besos.

Entre los secundarios encontramos a Richard Denning [Mentira latente (1950), El capitán Panamá (1952)], que interpreta al prometido de Terry, Neva Patterson, rica heredera y prometida de Nickie. Pero la que realmente destaca, a pesar de su breve intervención, es Cathleen Nesbitt [Tú a Boston y yo a California (1961)] en su papel de la anciana Janou, la tierna abuela de Nickie, que desde el final de su vida es la primera en ver en Terry a la mujer perfecta para su díscolo nieto.

Espléndidas fotografía, muy saturada de colores vivos, vestuario y una banda sonora compuesta por Hugo Friedhofer -galardonado con el Premio Oscar por Los mejores años de nuestra vida (1947)-. Pero es la canción que da el título original a la película ‘An affair to remember’, con música de Harry Warren y letra de Harold Adamson y del propio McCarey la que se convirtió rápidamente en el éxito de la época en su versión de Nat King Cole [escuchar canción]. En la película Deborah Kerr fue doblada por Marni Nixon (que también doblaría a Audrey Hepburn o a Natalie Wood).

En su estreno, el 2 de julio de 1957, Tú y yo, fue alabada por la crítica y el éxito de público no se hizo esperar. Recibió cuatro nominaciones a los Oscar (fotografía, música, canción, vestuario) pero no logró ninguno al tener grandes competidoras, entre ellas, El puente sobre el río Kwai (1957).

Según el American Film Institute, Tú y yo, ocupa la quinta posición en la lista de las 100 mejores historias de amor y Cary Grant el actor que ha protagonizado más películas, con un total de seis, incluidas en esta misma lista.

 

Como anécdota para aquellos que no sean aficionados al Cine Clásico, diré que en 1993, se realizó un homenaje a esta película en Algo para recordar de Nora Ephron, con Tom Hanks y Meg Ryan, los cuales tenían una cita en el rascacielos estadounidense. Durante la primera semana en cartel, se vendieron dos millones de copias del clásico Tú y yo en Estados Unidos.

Quizás Tú y yo sea un clásico antiguo, pasado de moda, ñoño y poco real, pero aquello que nos muestra sigue estando totalmente de actualidad. ¿O no?

Grandes debuts para grandes actrices

Esta vez quería hablar de actrices.

Cuando me puse a pensar me dije, ¿por qué no hacer una entrada con los debuts más espectaculares?? Seguramente me dejaré a muchas, y por eso me gustaría que me ayudarais....

La lista que presento hace referencia a la película con qué debutó la actriz, quizás la segunda pero en todo caso, cada una de ellas han seguido caminos muy distintos, algunas su debut fue un augurio de su brillante carrera y de otras ,la primera fue la mejor.... y allí se quedó!

JULIE ANDREWS

Mary Poppins

Simplemente maravillosa, esa mujer bajando en paraguas y encima cantando... es una de las imágenes que más tengo grabada en mi retina cinematográfica.....y ese encantador deshollinador llamado Dick Van Dyke...

Julie Andrews ha tenido una buena filmografía, con unos títulos más que destacados (The sound of music, la maravillosa Victor/Victoria) y durante su matrimonio con Blake Edwards. Siempre ha maravillado su voz. Durante un tiempo la perdió y no se sabría si podría volver a cantar. Hizo My Fair Lady en teatro pero no repitió en pantalla con Rex Harrison.

DREW BARRYMORE
E.T.

Pues si, en su segunda película y con seis añitos, empezó con Steven Spielberg (su padrino) y con el marcianito más conocido del mundo del cine... pero en mi opinión se quedó allí. Y es una lástima porque con ese apellido y con la familia que tenia, nieta del gran John Barrymore y su tía abuela era Ethel.... podían haberle pasado unos mejores genes... y con sus problemas con las drogas tampoco la ayudaron mucho. Sirve más como productora.

AVA GARDNER

Forajidos

Aunque sus primeras películas fueron sin acreditar, vaya comienzo, de mujer fatal! Ava nunca se consideró un sex symbol pero delante de una mujer así, que podemos decir. Su carrera no fue brillante pero tiene títulos importantes: Pandora y el holandés errante, Magnolia, La condesa descalza con el gran Makiewicz, La noche de la iguana....

KATHERINE HEPBURN

Doble sacrificio

Empezó con George Cukor y con John Barrymore (el abuelo de Drew) y de allí a la gloria, aunque ya tenia toda la experiencia de haber pisado muchos escenarios. Es igual lo que hiciera, todo lo hacia bien... su carrera está llena de títulos memorables, sobretodo los que hizo con Spencer Tracy. Siguió en activo hasta poco antes de su muerte y siempre la caracterizó su genio... pero es una de las mejores de todos los tiempos.

SHIRLEY MacLAINE

Pero... ¿Quién mató a Harry?

Eso si que es empezar con buen pie, con el Maestro, el gran Alfred Hitchcock. Shirley es una de aquellas actrices a las que les tengo un cariño especial... su filmografía es más que correcta; Sweet Charity, El apartamento, La calumnia, Bienvenido, Mr Chance... todavía en activo es de aquellas actrices que aumenta la calidad de una película cuando sale.

JULIANNE MOORE

La mano que mece la cuna

 Aunque empezó en el medio televisivo, su debut en la pantalla fue con la cinta de Curtis Hanson, La mano que mece la cuna . Yo la descubrí en Vanya en la calle 42, una película que me encantó y luego seguiría, Vidas cruzadas, Boogie Nigths o El gran Lebowsky... quizás se ha equivocado en la elección de algún título pero se le puede perdonar, Moore tiene una gran carrera y ella sola puede salvar una película.

MARILYN MONROE

Amor en conserva

Marilyn...que ojos tan tristes tenia... empezó con los Hermanos Marx en Amor en conserva y le siguió La jungla del asfalto... para llegar a la gran Eva al desnudo.... buena carta de presentación. Su carrera estuvo más marcada por su vida privada que por los trabajos que hizo. Y yo sigo pensando que era muy buena actriz , que sabia hacer reír y eso es muy difícil.

NATALIE PORTMAN

El profesional

12 añitos!!!!, con 12 años se enfrentó a ese monstruo llamado Jean Reno y ya se le veía lo que podía ser y a donde podía llegar y como le va.... sencillamente de maravilla. Portman es actualmente una de las mejores actrices jóvenes que hay y su carrera, si sigue así, puede ser de infarto. Su último año el mejor, sin duda, ese merecidisimo Oscar por El cisne negro.

THELMA RITTER

De ilusión también se vive

Y sin acreditar, y después llegó Carta a tres esposas y tampoco salió acreditada!!!! Lo mio con Thelma es autentica debilidad! Lo reconozco, con 44 años empieza su carrera y se come a todo el que le pasa por delante. Autentico terremoto de la pantalla creo que es la única actriz que supo pararle los pies a la gran Bette en Eva al desnudo, que diálogos por dios!!! Volvió a coincidir con Marilyn Monroe al final de sus carreras en The Misfits.

MEG RYAN

Ricas y famosas

Esta chica si que ha sido un auténtico bluf. Empezó bien, yo diría que muy bien por que sus maestras en la pantalla fueron nada más y nada menos que Candice Bergen y Jaqueline Bisset. Debutó con la última película del gran George Cukor, una pequeña delicia Ricas y famosas. Aunque su gran éxito fue Cuando Harry encontró a Sally o las comedias románticas con Tom Hanks... con el botox se perdió.

MERYL STREEP
Julia

Lo digo desde hace años, y la gente se me come, pero sino lo digo, reviento. Streep es ya la mejor actriz de todos los tiempos.... Se atreve con todo.... ella si que es un monstruo de la pantalla no hay nada ni nadie comparable a ella.

Su debut tan espectacular como toda su filmografia: Julia, una autentica maravilla protagonizada por Jane Fonda y la gran Vanessa Redgrave, (son amigas desde entonces), la historia de dos amigas una de ellas (Jane) era la gran escritora Lillian Hellman que cuenta la historia de su amiga Julia. Obligatoria
De la carrera de Meryl.... que puedo decir???

BARBRA STREISAND
Funny girl

Es la única mujer que lo ha ganado todo: Emmy, Grammy, Oscar, Tonys..... no sé si me dejo algo. Es la mujer más odiada en Hollywood, porque es mujer? Porque es judia?? porque es buena dirigiendo?? Porque tiene una de las mejores voces?? No lo sé, pero a mi me encanta.... más como directora que como actriz, más como cantante que como directora pero ella empezó su carrera cinematográfica con Funny girl y ganó el Oscar.... compartido con la gran Kate que ese año se lo dieron por Un león en invierno.

KATE WINSLET

Criaturas celestiales

Otra de las grandes actuales! Y se estrenó con Peter Jackson en esta película que no deja indiferente. Hoy se estrena Un dios salvaje con Jodie Foster y dirigidas por el gran Polanski... ha llovido mucho desde entonces pero Kate ha hecho una gran carrera, tiene un Oscar por El lector donde nos dejó con la boca abierta a más de una... yo creo que será una digna sucesora de su compatriota Vanessa Redgrave....

Hasta la próxima.
Bargalloneta.

El cine según Hitchcock

François Truffatt:  El cine según Hitchcok, 
Alianza Editorial
Traducción de Ramón G. Redondo
 Le Cinéma selon Hitchcock, Paris 1966

Os mencioné este libro cuando os hablé de La sirena del Mississipi, peliculón de François Truffaut en el que se deja patente cuánto amaba el cine de don Alfred.

El propio FT cuenta por qué decidió escribirlo en el prólogo a la edición definitiva:

En los años cincuenta y sesenta, Hitchcock se encontraba en la cima de su creatividad y de su éxito, gracias a películas como Rebeca, Recuerda o El proceso Paradine. Además, se hace mundialmente célebre cuando produce y dirige las series televisivas Sospecha y Hitchcock presenta. Ese éxito y esa popularidad, la crítica americana y europea iba a hacérselos pagar denigrando sus filmes uno tras otro y convirtiéndolo en víctima de entrevistas superficiales y deliberadamente dirigidas hacia la burla. 

Para mí, en cambio, era evidente que AH había reflexionado sobre los medios de su arte más que ninguno de sus coetáneosy que, si por primera vez aceptaba responder a un cuestionario sistemático, de ahí podría resultar un libro capaz de modificar la opinión de los críticos norteamericanos.

Truffaut se da por satisfecho con esta obra. Cree que cumplió con ese objetivo que se había propuesto:

A partir de 1968 los críticos norteamericanos prestaron mayor atención al trabajo de Hitchcock, hasta el punto de que una película como Psicosis es considerada por ellos como un clásico, y los cinéfilos más jóvenes lo adoptaron definitivamente sin atender a prejuicios por su éxito y su celebridad.

Truffaut grabó las entrevistas que fueron la base de este libro en agosto de 1962, en el Universal City, mientras ultimaba el montaje de Los pájaros, su película número cuarenta y ocho.

¿Qué te diría yo del libro? Pues que es una auténtica gozada y que, a poco que te guste el cine, te encantará.

Hitchcock se detiene a explicar cosas básicas sobre su obra, como qué es el suspense, qué es un whodunit, por qué empezó a aparecer en sus pelis, lo poco que le importaba la verosimilitud o que detestaba las escenas corrientes, y formula las leyes esenciales de su obra, como que "Todo lo que se dice, en lugar de mostrarse, se pierde para el público" y teorías chuscas como que Inglaterra y el cine son, o eran, incompatibles.

También cuenta anécdotas muy jugosas sobre los rodajes de sus películas, sobre sus relaciones con actrices, actores, guionistas y demás gente del mundillo y nos regala la mejor explicación que he leído  nunca sobre las adaptaciones literarias al cine. Sí, sí, me estoy refiriendo a la historia de las cabras. ¿No la conocéis? Pues yo no os la voy a contar.


Y, sin más, y esperando haberos animado a hojear al menos este librito, cierro mi entrada con una cita de Jean Cocteau sobre Marcel Proust con la que Truffaut cierra también el prólogo del libro. Dice de Hitchcock:

Su obra continua viviendo como los relojes de pulsera de los soldados muertos.

Y con esta cita terrible se despide vuestra amiga


Noemí Pastor

La Homosexualidad en el Cine Americano.

Tiempos convulsos los que vivimos. Señores con aspiraciones a gobernar que se creen con el derecho de quitar derechos a otros seres humanos. Si, me estoy refiriendo al oscuro futuro que se le augura a la Ley de matrimonio homosexual, derechos y libertades de seres humanos que dependen del partido que gobierne, como si no fuera serio, como si unas personas tuviesen derecho a decidir sobre los derechos de otras. Como si no hubiésemos avanzado nada, con miedo a perder derechos.

Hoy hablamos de la homosexualidad en el cine. Me gustaría hacer un repaso global, un pequeño recorrido histórico, para entender lo que supone, lo que ha costado, que hoy podamos ver en la pantalla a personajes homosexuales como personas normales, y no, no estoy diciendo ningún disparate.

El primer documento visual del que se tiene constancia un atisbo de homosexualidad ante la cámara es ésta grabación conocida como "Edison experimental film" y data de 1895. En él aparecen dos hombres bailando mientras un tercero toca el violín. No es que se pueda considerar que sea la primera imagen homosexual y, seguramente, tan sólo se trata de una prueba de cámara pero...

En cierta forma, el cine refleja la sociedad. Nos ofrece modelos a seguir y, a veces, nos sentimos identificados con ciertas historias. ¿Qué pasa cuando todo un colectivo de hombres y mujeres no se ve reflejado en esa pantalla? Pues que les están diciendo que no existen. ¿Qué pensaba un chico o una chica homosexual en los años 20, 30, 40, 50... que vivía en un pueblo pequeño, que no podía identificarse con nadie real y tampoco en la pantalla? Pues que está solo y que es un bicho raro.

La percepción de uno mismo no sólo viene del interior, sino también de la cultura. Yel cine es gran parte de la cultura y, lo más importante, tiene mucha influencia en las personas.

Fijaos en ésta frase de una película muda donde aparece un hombre que mira a otro, con ojos de deseo: "Clarence, the clerk... uno de esos ERRORES DE LA NATURALEZA, en una ciudad donde los hombres eran hombres." Poneos en la piel del chico o la chica homosexual que leía ésto y que se sentía incomprendido, que se sentía un "error".

En los primeros años del cine, el personaje homosexual (hombre) se ridiculiza. Se estigmatiza a todos los hombres homosexuales como el "mariquita", hombres afeminados con mucha pluma. La homosexualidad como fuente de humor. Algunas veces sútil, otras ofensivo. Hay un ejemplo en una película llamada "Myrt and Marge" de 1934 en la que se ve a un hombre ordenando y guardando la ropa femenina de un espectáculo. Cuando una bailarina le da uno de sus trajes llenos de plumas y le dice "Clarence, pon ésto en el maletero... Y no te lo pongas". Él mira muy serio el traje y dice "egoísta". Huelga decir que todos los homosexuales que aparecían en la pantalla además de ser muy afeminados, eran decoradores, peluqueros...lo que se suponía que debía ser la profesión de un hombre homosexual.

Los hombres homosexuales, eran mariquitas ridículas y las mujeres homosexuales eran masculinas y casi siempre, estaban en la cárcel mirando con ojos lascivos a jovencitas recién llegadas.

Aquí cada uno tendrá su opinión: algunos pensarán que era un estereotipo ofensivo mientras otros opinarán que es mejor la visibilidad ofensiva, que la no visibilidad. ¿Que pensáis?, ¿que hablen de mí aunque sea mal?

Mientras que un hombre vestido de mujer provocaba risas, una mujer vestida de hombre provocaba sensación. Marlene Dietrich despertó pasiones en "Marruecos".

Y no sólo por ir vestida con ropa masculina, sino que besó en los labios a otra mujer en una de las escenas más famosas del cine y se convirtió en un icono lesbiano por excelencia junto a Greta Garbo, que también protagonizó una película donde interpretaba a un personaje homosexual, "La Reina Cristina de Suecia", película que maquilló bastante la condición sexual de la monarca sueca pero que tampoco la escondió del todo.

Su famosa frase "moriré soltero" es ya una frase para la historia.

La actriz que aparece en la foto de arriba de éstos párrafos, Elizabeth Young se negó a ponerle a Greta Garbo unas medias en la película porque decía textualmente que le daba miedo que le gustase... (sin comentarios)

Marlene Dietrich y Greta Garbo son los dos iconos lesbianos por excelencia. La leyenda de su romance en Berlín ayudó a aumentar el mito.

En cuánto a los hombres, los primero mitos gays fueron Rodolfo Valentino y Ramón Novarro.

Rodolfo Valentino, fue el sex-symbol latino por excelencia. Despertó pasiones entre hombres y mujeres. La fama que alcanzó fue algo sin precedentes que, aún hoy, es digno de estudio. Su muerte prematura (complicaciones de apendicitis) desató una histeria colectiva. En su entierro hubo desmayos y hasta suicidios, como el de un recepcionista de hotel al que encontraron muerto rodeado de fotos del actor. 

Su condición de homosexual hoy no es ningún secreto. Se casó con dos actrices lesbianas, Alla Nazimova y Natacha Rambova y mantuvo un idilio con el otro símbolo gay, Ramón Novarro.

Ramón Novarro fue definido en su época como "el nuevo Valentino". Se dijo que él  y Valentino eran rivales pero, en realidad, eran amantes. Cuando Novarro fue asesinado brutalmente se encontró en su casa un consolador de piedra con la firma de Valentino. Éste objeto se lo había regalado el famoso actor 45 años antes y, macabramente, fue el objeto que utilizaron los asesinos para quitarle la vida. 

Novarro era cliente de prostitución masculina. Un día le contó a uno de aquellos hombres que pensaba hacer reformas en su salón por valor de 5.000 dólares. El prostituto creyó que los 5.000 dólares estaban en la casa de Novarro y planeó el robo. Cuando llegaron a casa de Novarro sólo encontraron 45 dólares. Y por ese precio fue asesinado Ramón Novarro.

En los años 20 y 30 unos señores y unas señoras que estaban muy aburridos decidieron quejarse de la industria cinematográfica a través de la Liga de la Decencia (agárrate que vienen curvas). Y otros señores que también estaba muy aburridos, los de la Iglesia Católica, hicieron presión para que las películas fueran "limpias" y "moralmente aceptables". Así que el Código Hays fue creado por la asociación de productores cinematográficos y escogieron al director general de correos, William Hays para encabezar el primer movimiento de censura cinematográfica. Quedaron censurados entre otros, la "perversión sexual." y, muy curioso, los besos con la boca abierta.

Las películas donde había algún personaje homosexual eran manipuladas. Como un ejemplo de tantos, la película "The Lost Weekend" donde un escritor que se da a la bebida por estar "sexualmente confundido" se convierte en un escritor que se da a la bebida por falta de inspiración para escribir. Y tan panchos.

Mientras ésto pasaba en América, Europa se lo tomaba con más naturalidad. No obstante, Alemania vivía sus felices años 20 y ser homosexual se convirtió en una moda. Y mientras los directores europeos no tenían tantos problemas para sacar a personajes homosexuales en sus películas, sus colegas americanos agudizaban el ingenio como podían para burlar el código: frases con doble sentido, miradas con doble intención.

¿Hace falta decir algo más?

El código Hays miraba con lupa todas las películas, excepto un género: el de terror... Y de repente empiezan a aparecer vampiras lesbianas por todos lados. Tampoco tenía mucha importancia pues eran monstruos y, los monstruos, son perversos. 

El código Hays, pues, no eliminó a los homosexuales de la pantalla sino que hizo que fuese más fácil encontrarlos. Tampoco es que los censores fuesen muy avispados, todo hay que decirlo.

Pero un personaje homosexual en la pantalla sólo tenían tres opciones:

1) Ser un personaje perverso:

2) Ser una víctima atormentada y suicidarse.

3) Morir salvajemente asesinado:

¿Por qué se permitían personajes homosexuales en éstas películas? Para advertir a la sociedad: "si eres así, terminarás así".

Cuando una escena implicaba, explícita o implícitamente, un tema homosexual, las escenas eran cortadas y censuradas hasta dejar la película totalmente desmembrada. Las que más sufrieron éstas consecuencias fueron las adaptaciones al cine de las obras de Tenneesse Williams. ¿Que me decís sobre "La Gata sobre el Tejado de Zinc"?. ¿Nunca habéis pensado que Brick estaba enamorado de su "amigo"? o ¿de "De Repente el Último Verano"? Sobre ésta última un periódico escribió una crítica que decía: "Si le gusta el incesto, la violación, la sodomía, el canibalismo, la degeneración...ésta es la película para usted, ésta repugnante película". Y todo el país fue a verla. Aquella crítica salvó la película.

Y mientras América seguía en su linea de mojigaterío, en Europa, Inglaterra ponía todas las cartas sobre la mesa con la primera película con un héroe gay, "Victim" (1961). Melville Farr es abogado y está casado. También es homosexual en la época en la que ser homosexual está penado con la cárcel. Tras enterarse del suicidio de un antiguo amante decide investigar y descubre que muchos homosexuales están siendo chantajeados. Fue una película muy valiente. Por primera vez el personaje homosexual es un hombre masculino y con una profesión nada estereotipada: abogado. Dirk Bogarde interpretó la película.

Los actores no querían interpretar a personas homosexuales porque perdían a su público. Es curioso, porque si interpretaban a un ladrón o a un asesino, nadie pensaba que eran ladrones o asesinos.

Ver a dos mujeres en pantalla siempre ha sido menos violento, al menos para los hombres. No se sienten amenazados por una mujer, entre otras cosas porque el pensamiento general era. o es, que es una etapa, una fase de la juventud y que ya cambiará. Pero ver a dos hombres juntos en la pantalla les amenaza. No quieren ver a personajes hombres homosexuales en la pantalla porque piensan en ellos mismos haciéndo lo mismo y eso les asusta.

Durante las épocas de los años 50 y 60 todos los personajes homosexuales que se proyectaban en la gran pantalla eran desgraciados y estaban desesperados. Querían "curarse". Como todos sabéis, había métodos que se aplicaron para "curar" a los homosexuales, como el electroshock...

Y de repente en los 70 aparece una película en la que los personajes son gays y... ¡sobreviven! y bromean y cantan y bailan. "Boys in the Band"

Estamos en 1970. ¿qué ha cambiado?


Zona de ambiente de Manhattan. La policía saca todas las noches a golpe de porra a los clientes de los bares de ambiente homosexual. La excusa: no tener licencia para servir bebidas alcohólicas. El problema: si se olían que el bar era de ambiente, no se les otorgaba la licencia. El pez que se muerde la cola.

Estas personas eran humilladas, detenidas y, además, sus nombres eran publicados en el periódico local, con todo lo que eso suponía en aquella época. 

Pero una noche, la del 27 al 28 de junio de 1969, (hola, futuro Día del Orgullo) la policía entra rutinariamente en uno de los bares de ambiente de Manhattan, el bar Stonewall Inn. Homosexuales, bisexuales y transexuales se quedan en la puerta sin moverse y cuando sacan del bar por la fuerza a la última clienta que se resistía, una lesbiana, la gente explota y empieza una batalla campal a botellazos y adoquinazos.

Al día siguiente volvió a ocurrir lo mismo y alguien pintó en la puerta del local, ya tapiado "Viva el poder gay".

Un mes después de las revueltas de Stonewall se crea el Frente de Liberación Gay.

Esta revolución se enmarca dentro de un periodo de reacción social e intelectual en Estados Unidos, periodo conocido como "mayo del 68". Los homosexuales no eran los únicos que se manifestaban Grupos de feministas, pacifistas, los panteras negras... también exigían sus derechos.

"Boys in the Band" consiguió algo que no había conseguido ninguna película antes: dio a muchos homosexuales el sentimiento de pertenencia a un grupo.

Dos años más tarde llegaría una película que celebraba la homosexualidad y la bisexualidad, "Cabaret". Las cosas estaban cambiando rápidamente.

Me encanta la respuesta de un transexual a un trabajador homófobo en una película llamada "Car Wash" de 1976. Le dice muy dignamente: "Cariño, soy más hombre de lo que tú jamás serás y más mujer de lo que tú jamás conseguirás". ¿No es genial?.

Sin embargo, no todo el monte es orgasmo. Si antes no se usaba la palabra "homosexual" ahora se empezaba a usar la palabra "maricón" como ofensa y como insulto. Es curioso, no se escucha tanto, por ejemplo, la palabra "negro" a no ser que la usen dos negros hablando entre sí...

Finalmente, cuando Estados Unidos reconoció el mundo homosexual, se estrenó un thriller espeluznante, "Cruising", en el que un policía se inflirta en los bajos fondos de Nueva York para descubrir a un asesino de homosexuales. Et voilá, los homosexuales pasan de ser víctimas a ser agresores.

Hubo manifestaciones para que "Cruising" dejara de proyectarse en los cines.


En 1982, otra película marca otro hito, "Making Love". Por primera vez en Estados Unidos, un homosexual es el protagonista de una película. Michael está casado y su mujer y él deciden tener un hijo pero conoce a Zack y descubre que es homosexual. Su mujer sospecha que hay otra mujer.

Michael y Zack están enamorados, ya no es sólo sexo. Ya no se muestra en la pantalla el acto sexual sólo por el placer físico. Se muestra amor entre dos personas.

Incluso hay películas para la historia que muestran amor entre dos personas del mismo sexo sin la necesidad de mostrar sexo en la pantalla y, que hoy, ya son míticas.

Se empiezan a tratar temas reales en el cine, problemas tan graves como el VIH.

El año pasado pudimos ver como nominaban a cuatro premios de la Academia a una película donde una pareja de lesbianas forma una familia con dos hijos por inseminzación artifical. Y como se aclamaba a sus dos actrices principales, más allá de sus roles, por su trabajo en "Los Chicos Están Bien".

Pero aún queda mucho por hacer. Hoy más que nunca tenemos que ser fuertes. No es hora de tener miedo ni de llorar, sino de reaccionar si nos quitan nuestros derechos.

Cómo dice una frase de una película dónde una persona le pregunta a otra que le dijeron sus padres cuando les dijo que era homosexual: - "Me dijeron, ¿"Cómo puedes elegir éste estilo de vida"? y yo les contesté, ella me eligió a mí".

Quisiera dedicar ésta entrada a los valientes de Stonewall

a los valientes que seguirán luchando

y a mi chica, por ayudarme a corregir ésta entrada y darme su opinión y por seguir aguantándome año tras año ;)

Referencias:

"El Celuloide Oculto" de Vito Russo.

"El Celuloide Rosa" de Javier García Rodriguez.

"Greta & Marlene. Safo Va a Hollywood" de Diana McLellan