Tierra de faraones

-Trabajando tantos hombres se terminará pronto la pirámide, ¿verdad, padre?.
-No, Senta. Se necesitará mucho tiempo, trabajarán muchos años. Unos serán ya viejos, otros morirán... y las piedras de la pirámide estarán regadas de sangre y lágrimas.

"Tierra de faraones" Howard Hawks
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Keops es un faraón rico y bastante codicioso. A base de saquear los pueblos vecinos ha logrado acumular un gran tesoro y ahora le preocupa protegerlo de los saqueadores una vez haya muerto. Como es tradición, sus más valiosas joyas quedarán encerradas junto a su cuerpo en una gigantesca pirámide, pero todos los laberintos y trampas que se usaron con sus antepasados fueron burlados por ladrones y el faraón requiere ideas nuevas.
El único arquitecto capaz de diseñar un sistema que bloqueé todas las puertas de la pirámide es un esclavo recién capturado que accederá a trabajar para el faraón a condición de que éste libere a su pueblo una vez finalizada la obra.

De este modo seguiremos la construcción de la pirámide al tiempo que asistimos a las maquinaciones de la segunda esposa de Keops, que ansía el poder una vez haya muerto el faraón, sin olvidar las tribulaciones del arquitecto, que será encerrado en la pirámide para no desvelar el secreto de su diseño.

Ya lo hice hace tiempo cuando escribí sobre "Sansón y Dalila" y hoy os vuelvo a traer una aventura histórica de esas que se hacían en los cincuenta, menos conocida que las archifamosas "Ben-Hur", "Cleopatra" o "Los diez mandamientos".

Para empezar decir que en "Tierra de faraones" no hay ningún elemento religioso más allá de los dioses egipcios que son nombrados de vez en cuando. Lo que encontraremos aquí es una reproducción más o menos fiel del Antiguo Egipto, de la construcción de la pirámide y, para añadir chicha a la historia, de las conspiraciones de Joan Collins, que le dará vida, no sólo al poster, sino a la película según avanza.

Porque seamos francos, el faraón y el arquitecto son personajes muy atractivos, pero excepto los jubilados, nadie aguantaría una película que consiste en ver a unos obreros amontonando piedras, y es ahí donde entra Collins.

Lo malo es que la abuela de Cara Delevingne nunca logró ser una de las grandes estrellas de Hollywood (sí de la televisión, cuando 25 años después apareció en "Dinastía", interpretando también a una víbora) y Jack Hawkins tampoco era el actor más comercial del mundo (obviemos lo mucho que chirría ver a ese señor inglés como un faraón egipcio), y la peli fue un fracaso.

Pero un fracaso de los gordos. Costó tres millones de dólares y apenas recaudó dos, suponiendo el primer batacazo del director, Howard Hawks, quien tardó años en volver a dirigir otra peli.

Y eso que "Tierra de faraones" es entretenida, está muy bien escrita (fue el último guión en el que colaboró el Nobel de Literatura William Faulkner) y tiene el que para mí es sin duda uno de los finales más crueles al que se ha condenado al villano en la historia del cine. Pero claro, carece de las estrellas y la épica acostumbradas en este tipo de filmes y es comprensible que la gente no comprase en la época.

Todo un clásico con el que me despido de este blog.

Tras más de dos años colaborando con mis compañeras debo decir adiós para ocuparme de las tres niñas que me han venido de golpe y a las que pondré en su momento todas las pelis de las que he hablado por aquí (bueno, "Barbarella" sólo cuando se porten mal) y muchas de las que habéis hablado vosotras.

Por último agradeceros a todas el haberme dejado participar y escribir sobre esas pelis de las que no podía hablar en mi blog, dedicado a filmes posteriores al año 2000. Espero que os haya molado. A mí desde luego que sí.

Muchas gracias y feliz 2017 a todas.

Cine navideño: Plácido (1961)

Navidad, período del año en que todo son villancicos estridentes, lucecicas de colores, comida hasta por las orejas y buenos deseos. Otra cosa es que se celebre el nacimiento del fundador de una empresa que no ha notado la crisis jamás en los últimos 2000 años. Bueno, a lo que iba, la navidad suele retratarse en el cine mu a menudo, no hay más que ver la cantidad de telefilms que nos están saturando la programación de la tele.

Cartel de una peli que refleja NUESTRA NAVIDAD


Si el año pasado, con el mismo fin, colgué la peli navideña más famosa, norteamericana, por supuesto, esta vez regalo la peli española navideña más famosa, si a Chencho perdido de "la gran familia", no le importa. No se trata de otra que de la película berlanguiana "Plácido", que es el nombre del prota ( el cómico catalán Cassen), aunque su subtítulo es "siente un pobre a su mesa", añeja costumbre clasista española que, visto los tiempos, quién sabe, igual vuelve. Algunos pensaréis que estoy en plan retranca, pero es para poneros en situación, porque si algo tiene el cine fallero de Berlanga es mala leche.

Preparando el motocarro (Plaça de Sant Domènec)

FAUNA BERLANGUIANA:

Las películas de Berlanga (A Dios pongo por testigo de que un día publicaré un post sobre él) son corales. Siempre hay infinidad de personajes que retratan los tipos que nuestra sociedad posee. En esta, aparte del pobre Plácido, nos encontramos a su familia, a Quintanilla, a la familia Galán, a Concheta, a Marilú, a quien un señor le ha puesto un piso,a una legión de pobres, artistas y hasta a un locutor radiofónico (Impagable, Xan das Bolas) que retransmite la cena en casa de los señores de Galán.

SINOPSIS

Una pequeña ciudad de provincias (Manresa, por cierto) la rancia clase pudiente de la ciudad, muy en su tono hipócrita y meapilas, monta una campaña navideña para recaudar fondos "para los pobres", con el caritativo título de "siente un pobre a su mesa". La idea es que la gente apoquine y se lleve a un pobre a su casa a cenar en la nochebuena. Para ello, montan una cabalgata y piensan traer una comitiva de artistas desde Madrid para que le den lustre al acto.

¡Soy Quintanilla, el de las serrerías!

Encabezando la comitiva, han contratado a Plácido, un humilde transportista que en su motocarro, comprado a plazos, lleva la estrella de Belén. Plácido encabeza el acto pero tiene prisa en acabar, porque con el dinero que le han de pagar debe abonar la letra del motocarro antes de que cierre el banco, pero la cosa, como es natural en las historias de Berlanga, se liará demasiado y Plácido y sus desventuras nos tendrán en vilo a ver si es capaz de pagar la letra antes de que se la protesten.

El dentista sienta a la mesa al pobre (Luis Ciges). A sus hermanas las tiene a dieta.

Hay que estar verdaderamente atenta a la acción porque de ella salen chispas. Mientras el pobre Plácido va, como alma en pena, intentando reunir el dinero para pagar su primera letra del motocarro, nos enteramos de que su mujer(Elvira Quintillá) está empleada en los wáteres públicos (Escenario real, por cierto)y su hermano Julián (Manuel Aleixandre)es un cojo al que le ha salido una chapuza de repartir cestas de navidad.

Típica escena negra, coral y abarrotada de Berlanga (Hay que sacar al muerto de casa)

Todo lo que ocurre a continuación desmorona los acontecimientos. En la estación de tren los de la comitiva han traído a los abuelos del asilo y a unos pocos pobres, y se hielan esperando el tren de las artistas de Madrid. Como es natural, llegan artistas de tercera fila, postulantes y alguna vieja gloria del teatro venido a menos. La alegre comitiva se cruza con un funeral, algo tan humor negro estilo Berlanga-Azcona.

Sorteando artistas, patrocina, Cocinex

En el casino se sortean, entre los ciudadanos, a los pobres y las artistas, como si fuera una subasta, espectáculo grotesco. Cada uno se lleva a "su pobre" a casa. Los señores de Galán, se llevan a una artista y a un vejete del asilo. Berlanga contaba que no halló en Manresa ningún potentado que le cediese el ostentoso comedor de su casa para roadar. Tuvo que cedérselo en Barcelona, capital, un colega director de cine. Nos encontramos a Rivas(Xan das Bolas), que retransmite la cena por la radio, describiendo la suntuosidad de la casa, lo cual no queda nada humilde, intentando que no se note que los anfitriones se han largado, dejando a los dos invitados cenando, porque ha ocurrido un imprevisto. Por cierto, para los amantes de buscar la palabra "austrohúngaro" que sale en todas las obras de Berlanga, es durante esta escena mencionado por Félix Fernández (El abuelo del asilo).

Félix Fernández, el abuelete, respaldado por la actriz Erika, Laura Granados, y entrevistado por el locutor, Xan das Bolas. 

En casa de un antiguo republicano, cosa que se menciona solapadamente y hay que oír muy fino, el pobre sorteado agoniza. El vecino que tiene estudios de medicina (Es dentista) se entera por su pobre, el gran Luis Ciges, que padece del corazón. El médico da su diagnóstico, así, por la jeta. Pero lo que más escandaliza a la comitiva de pudientes beatones, encabezada por la señora de Galán (Amelia de la Torre) es que el pobre vive en concubinato con su mujer desde hace años, así que, antes de nada, no pueden permitir que muera en pecado.

El dentista dándoselas de cardiólogo

Concheta(Julia Caba Alba), la esposa sin papeles legales del moribundo, está cenando en casa de Marilú (Amparo Soler Leal), una joven piadosa a quien un hombre casado (Antonio Ferrandis) le ha puesto un piso. Vienen a buscarla para casarla de ipso-facto.

Concheta invitada por Marilú, la chica a la que han puesto un piso

Pascual, el moribundo, no quiere casarse, pero la señora de Galán, agarrándolo del cogote, le hace mover la cabeza afirmativamente. Berlanga decía que aquella situación había ocurrido en su familia. Las escenas en casa donde cena el moribundo son antológicas, como el que porque vengan la señora de Galán quieran hacer ponerse cofia a la criada y quieran meter en la cama de esta al enfermo. Humor negro del bueno.

¡Hay que casarlos! Escena antológica

Por fin, después de muchas vicisitudes, Plácido consigue pagar la letra, pero es muy tarde y aún debe recoger a su familia. La película acaba después de una bronca entre la familia de Plácido y el dueño de la tienda que reparte las cestas de navidad, trabajo que realizaba Julián. Acaba con un villancico que dice así: "Madre, en la puerta hay un niño, parece que tenga frío. Anda, dile que entre, se calentará, porque en esta tierra ya no hay caridad, ni nunca la ha habido, ni nunca la habrá".

La familia, a casa, muy tarde, la noche de nochebuena

FICHA TÉCNICA:

Plácido, Espana, B/N,  89´ - 1961


Dirección.............Luis García Berlanga
Guión: .................Luis García Berlanga, Rafael Azcona, José Luis Colina, José Luis Font.
Música: ...............Miguel Asins Arbó

Cuadro artístico:

Cassen.......................................................Plácido
José Luis López Vázquez.........................Quintanilla, el de las Serrerías.
Elvira Quintillá.........................................Emilia
Manuel Aleixandre...................................Julián
Amelia de la Torre....................................Señora Encarna de Galán
Mari Carmen Yepes..................................Martita Galán
Jose María Caffarel...................................Zapater, productor de ollas Cocinex
Xan das Bolas............................................Rivas, el locutor de radio
Félix Fernández.........................................Pobre invitado en casa de los Galán
José Franco................................................Matías Helguera (del Círculo republicano)
José Gavilán..............................................El dentista
Luis Ciges................................................. Pobre invitado en casa del dentista
Julia Caba Alba..........................................Concheta, pobre invitada en casa de Marilú
Amparo Soler Leal.....................................Marilú
Antonio Ferrandis.......................................Ramiro

Feliz navidad, zinéfilas.


Juli Gan

Remordimiento

Título original The Broken Lullaby

Año 1932

Duración 77 minutos

País Estados Unidos

Director Ernst Lubitsch

Guión Reginald Berkeley, Samson Raphaelson, Ernest Vajda

Obra "The Man I Killed" Maurice Rostand

Música W. Franke Harling

Fotografía Victor Milner

Productora Paramount Pictures

Reparto

Lionel Barrymore, Nancy Carroll, Philips Holmes, Louise Carter, Lucien Littlefield, Zasu Pitts

Sinopsis

Tras la Primera Guerra Mundial (1914-1918), Paul Renard, un joven francés, vive obsesionado por el recuerdo de Walter Holderlin, un soldado alemán al que mató. Después de leer y firmar la última carta de Walter, va a Alemania para hablar con su familia y pedirle perdón. Sin embargo, cuando la localiza y va a hablar con ellos, algo inesperado sucede.

Todos conocemos las grandes comedias sofisticadas creadas por Ernst Lubitsch, sin embargo Remordimiento resulta ser la única película dramática sonora del director. Se trata de una película de escasa duración (77 minutos) realizada en 1932 con claras pretensiones antibelicistas y que está considerada como una obra maestra.

Tiene el aliciente de contar con uno de los mejores actores de la historia del cine pero perteneciente, a demás a una gran saga de actores: Lionel Barrymore, al que personalmente siempre recuerdo como el malvado señor Potter de ¡Qué bello es vivir! (1946) pero que aquí es precisamente todo lo contrario: un hombre roto por la muerte de su hijo en el frente al que de repente le sucede algo inesperado.

Una de las secuencias que más me ha gustado es la presentación del joven protagonista: en un plano general de los bancos vacíos de una iglesia vemos, en uno de ellos, algo que al principio no somos capaces de distinguir. Mediante un largo zoom, la cámara nos muestra que son las manos en posición de súplica de un hombre que se encuentra derrumbado en el suelo, entre los bancos. Se trata de un joven francés totalmente destrozado por el remordimiento de haber matado a un soldado alemán en la guerra.

Pienso que no sólo es un drama antibelicista sino que también expone cierta crítica a la Iglesia: si matas a otras personas en una guerra, no está mal. Es un pecado que se perdona.

Remordimientos es una pequeña rareza dentro de la filmografía de Ernst Lubitsch que merece la pena recomendar.

Florence Lawrence

Florence Lawrence (1886-1938) fue una actriz de Hollywood considerada la primera estrella de cine, ya que fue la primera intérprete que consiguió que su nombre apareciera en los títulos de crédito de los filmes. Actuó en casi 300 películas y, además, fue propietaria de una productora, empresaria y mujer de negocios, coleccionista de automóviles e inventora de los intermitentes y las luces de freno. Lawrence se divorció tres veces, se suicidó a la edad de 52 años y hoy reposa en el Hollywood Forever Cemetery.

The Biograph Girl

Florence Lawrence nació en Canadá. Su padre era fabricante de carros y su madre, inventora, empresaria, actriz y directora de su propia compañía de teatro. Ella heredó las profesiones de ambos y se dedicó, como veremos, a los automóviles, los inventos, los negocios y  la interpretación. Pero, claro, si está aquí, en Zinéfilaz, es porque se la considera una de las personas más influyentes de los primeros años de Hollywood y porque protagonizó cambios decisivos en la historia de la industria del cine.

A los tres años, en Canadá, debutó sobre un escenario, junto con su madre, en una producción de la compañía Lawrence, la empresa familiar.  A los diez ya pasó al cine y comenzó una carrera veloz que la llevó de contrato en contrato y de estudio en estudio, de manera que, a los doce, ya trabajaba para la productora Biograph por 25 dólares semanales. Llegó a trabajar con D.W. Griffith en papeles clásicos como Julieta o Cleopatra; sin embargo, nadie sabía cómo se llamaba; para el gran público, Florence Lawrence era “la chica de la Biograph”.

El estrellato

En los primeros años del cine en los títulos de crédito de las películas no figuraban  actores, directores ni productores, a pesar de que los fans inundaban los buzones de los estudios con cartas en las que preguntaban por los nombres de sus ídolos. Las corporaciones que dominaban la industria temían que, si revelaban las identidades de actrices y actores, estos demandarían salarios más altos. Y sus peores presagios se hicieron realidad.

En 1909 Lawrence firmó un nuevo contrato con Independent Moving Pictures, cuyo ejecutivo, Carl Laemmle, apostó por el poder del estrellato e ideó todo un montaje para promocionar a su reciente fichaje.

A principios de 1910 hizo que un periódico difundiera la noticia de la muerte de Lawrence, atropellada por un tranvía, para poco después anunciar que estaba viva y que iba a protagonizar su próximo film. Organizó una comparecencia pública de Lawrence en St. Louis: la estrella en ciernes llegó en tren a la estación de la ciudad y la multitud que la esperaba fue mayor que la que pocos días antes había recibido al mismísimo presidente de los Estados Unidos. Lawrence declaró: “Me resulta muy extraño que tantas personas se hayan congregado para dar la bienvenida a alguien a quien no conocen, a quien solo han visto en las películas”. ¡Oh, qué dulce mundo, ajeno al estrellato y a la celebridad!

Hay vida tras las estrellas

Lawrence fue, pues, la primera persona cuyo nombre apareció en los títulos de crédito de los films. Eso sucedió, como decimos, en 1910, con Independent Moving Pictures, donde Lawrence protagonizó unas 50 películas en menos de un año, porque a finales ya había firmado con otra productora y dos después, en 1912, creó su propio estudio: Victor Company. De hecho, Lawrence fue una de las primeras mujeres de Hollywood que estuvo al frente de una productora.

Aunque parezca mentira, toda esta intensa actividad profesional le dejaba tiempo para sus aficiones y una de ellas eran los automóviles: no es casualidad que su padre hubiera sido fabricante de carros, que su primera película, en 1906, hubiera sido “Los ladrones de coches” (“The Automobile Thieves”) y que su segundo marido fuera vendedor. Además de disfrutarlos, Lawrence también quiso mejorarlos e inventó un par de artilugios indicadores que luego se convirtieron en las señales de giro y de freno. Nunca los patentó, así que la industria de la automoción se apoderó de ellos y de los beneficios que generaron.

Ocaso

En 1915, cuando otras estrellas del celuloide, como Mary Pickford o Charles Chaplin,  empezaban a hacerle sombra, Lawrence sufrió un grave accidente durante un rodaje: un incendio provocado para la ficción que se les fue de las manos la obligó a permanecer en cama durante meses, acabó con su matrimonio y le dejó enormes secuelas psicológicas.

Su carrera en el cine, por supuesto, también se resintió, así que, con su segundo marido, invirtió en una línea de cosméticos y, con su madre, Lotta Lawrence, también inventora, patentó y comercializó un modelo de limpiaparabrisas.

Su segundo marido la abandonó por otra, lo intentó una tercera vez con un alcohólico maltratador y, claro, fue un desastre que por fortuna solo duró cinco meses.

En 1936 filmó su última película con la Metro por 75 dólares a la semana y comenzó a padecer una extraña enfermedad de los huesos.

Y final

En 1938, tres días después de Navidad, Lawrence se desayunó un batido de furmicida con jarabe para la tos. Dejó una nota que decía “Estoy cansada. Espero que esto funcione”. Y funcionó.

Lawrence fue entrerrada en una fosa que permaneció anónima hasta 1991, cuando, según unas fuentes, un actor británico desconocido y, según otras, Roddy McDowall, trasladó sus restos al Hollywood Forever Cemetery y le colocó una lápida con este epitafio: “Florence Lawrence, la primera estrella de cine”.

Noemí Pastor

Elle

Elle es el último trabajo del director Paul Verhoeven.Es una película francesa de 2016 protagonizada por la inconmensurable Isabelle Huppert que toma como base una novela de Philippe Djian.

Aviso ahondaré en la trama sin desvelar desenlace,aunque para mi el thriller sirva de excusa para lanzar una mirada no sé si tan desdeñosa como la del director sobre la sociedad en la que vivimos,pero sí analítica y con la intención como siempre de lanzar preguntas a quienes por aquí pasen y lean.

"Elle" comienza con un asanto, Mitchelle (Isabelle Huppert) es asaltada en su propia casa y violentamente violada.Su reacción lejos de  buscar protección legal o policial, es del todo, insospechada: recoge todo,se lo cuenta a los más intimos y busca la manera de resarcirse por su cuenta.

Mitchelle encarna la viva imagen de una mujer fría,dura,independiente,por momentos,cruel con los de su entorno más próximo.Está separada y con un hijo joven que está emparejado y que pronto será padre.La relación de Mitchelle con su ex es correcta,mientras que con su madre es devastadora.

En esta película da la sensación de que nadie es capaz de amar de manera sana.Todos son egoístas,todos engañan o son engañados,todos se mueven por el ego descomunal.Hay contadas excepciones y tal vez en la película provienen de personajes secundarios o no tan relevantes.

Extrapolando este análisis a la sociedad burguesa a la que nos asomamos, en "Elle" todo es perverso,no hay amor incondicional,no hay desinterés ni pureza,todo está corrupto,como la sociedad misma,mermada por diferentes patologías de las que por supuesto,tampoco se escapa el sexo.

Es el deseo que se despierta en Mitchelle otro enigma con el que Verhoeven parece estar provocándonos ¿quien termina siendo verdugo y quien víctima?¿quíen en definitiva se convierte en el oscuro objeto de deseo del otro?

No veo feminismo por ningún lado,algunas voces han aclamado a Mitchelle como el ejemplo del empoderamiento femenino,no es ésa mi visión. Lejos de percibirla como un icono de la emancipación ante la sufrida agresión, creo que en ella también se despierta un viejo demonio que habitaba en ella desde niña a raiz del asalto y que está sospechosamente unido a la autodestruccción.

¿qué relación existe entre ese placer recien descubierto al sufrir una agresión sexual y el episodio traumático que vivió con su padre de pequeña cuando él acabó con la vida de muchos de sus vecinos en un momento de posible enajenación mental?

No es Mitchelle para mí un icono del feminismo porque ni se ama a sí misma,ni es capaz de amar a nadie y para mí una lectura feminista pasa no sólo por el empoderamiento desde la autoestima sino además desde la sororidad que aquí en esta satíra voraz por supuesto brilla por su ausencia,empezando por la tóxica relación que mantiene con su madre y el egoísmo galopante que practica con la que se supone es su mejor amiga a quien engaña desde hace meses.

No creo el mensaje del director fuera en esa dirección,sino más bien,y por supuesto conjeturo,en lanzar una mirada incisiva y puede que irónica de una sociedad  tan avanzada económica y culturamente como tóxica en la que el individuo está emocionalmente incapacitado.

Qué paradójico resulta que uno de los personajes menos dañinos sea la vecina,católica practicante,devota de las figuras de belén a tamaño natural....¿es ésto un toque de humor en un panorama desalentador?

Para mí Mitchelle es la representación directa de una sociedad enferma,es la francesa pero podría ser cualquier otro país de la cultura occidental, donde los vínculos sanguíneos significan poco o nada donde tampoco son vitales los vínculos afectivos no sanguíneos, y donde cubrir las insaciables necesidades del ego se convierte en el único interés del individuo, más solo y aislado que nunca.

Todo lo demás,en mi opinión,es una película excelente,que despertará polémica (misógina? feminista?) para mí, ni una cosa ni la otra, sino más bien,misántropa,desencantada con la humanidad en general,al menos en cuanto a sociedad moderna se refiere.

 Nadie como Isabelle Huppert para dar vida al personaje de Mitchelle,con ese aire francés distante y por momentos gélido.


Por otro lado, hay una excelente combinación de factores que se confabulan para hacer de ésta una película recomendable,además del trasfondo filosófico y provocador:

- el gato burgués......testigo impertérrito del asalto,como un esfinge,ve como el mundo se desmorona casi sin pestañear.

- el momento voyeaur.......ésa observando a su posible agresor.......desde la ventana......(¿la ventana indiscreta?) momento desconcertante de morboso deseo,desde la casa que ha sigo también testigo mudo del asalto y ahora se convierte en la torre de control desde la cual se dispone desde el anonimato de ese objeto de deseo que no es ni de lejos aceptable....
 

-  el desenlace,que a mi modo,no podía ser de otro modo.........ya que ella está ya encerrada en una espiral de la que dificilmente podría salir por sí misma.....sólo había que recordar su mirada perdida cuando su padre cometió esos atroces crímenes....



Excelente película con tantas lecturas o posibles interpretaciones como espectadores.En cualquier caso,cine poco convencional que levanta ampollas y pone el dedo en la llaga,ese cine incómodo y perturbador cada vez más necesario sobre una Europa por momentos demasiado condescenciente consigo misma,pobre en valores y carente de brújula ética o moral.


Buen fin de semana

Troyana

La jungla de asfalto

“
El hombre desde un punto de vista biológico es el más formidable animal salvaje y, desde luego, el único que hace presa sistemática en sus semejantes”

Con esta cita del filósofo estadounidense William James, comienza la novela de W.R. Burnett que John Huston convirtió en una obra maestra del género negro: “The asphalt jungle” (1950).

En 1941, tras una exitosa carrera como guionista, Huston había marcado ya un hito en ese género con “El halcón maltés”, la primera película que dirigió.

Crear un film de culto con su primera obra dice mucho del talento de Huston; culminar su carrera con  “Dublineses”, filmando entremedias películas como “La reina de África” o “El hombre que pudo reinar”, lo dice todo.

En “La jungla de asfalto” se mantienen las características que habían convertido “El halcón maltés” en éxito de crítica y público: un impecable control del ritmo narrativo, una habilidad especial para la puesta en escena (se nota la formación como pintor de Houston) y también  para la creación de una atmósfera peculiar de misterio y tensión.

Sin embargo, entre “El halcón maltés” y “La jungla de asfalto” habían pasado casi diez años, seis películas (una genial: “El tesoro de Sierra Madre”) y dos documentales bélicos que marcaron escuela.

 El Huston que dirige “La jungla de asfalto” ha madurado como director y tiene mucho más dominio de los recursos visuales. En “La jungla” ya consigue respetar la esencia de la historia gracias, básicamente, a elementos cinematográfico sin recurrir a los largos diálogos de su primera película La expresión de Dix, el pistolero de “La jungla”, en la rueda de reconocimiento es igual de eficaz, o más, que todas las frases que Burnett dedica en su novela a explicarnos su peligrosidad; la cara de “Doc” mirando el calendario dice todo sobre la rijosidad que finalmente será su perdición…

También hay un elemento nuevo en esta película que no aparecía en “El halcón maltés”: la sordidez: La sordidez de los bajos fondos (las primeras imágenes de Dix andando por zonas degradadas de la ciudad tienen un regusto a neorrealismo italiano). Es una sordidez tanto de la ciudad vista bajo la metáfora de una jungla, como de los seres humanos que luchan en ella como si fueran animales salvajes.

La adaptación que Huston hizo de la novela (él fue el guionista, con la colaboración del también gran guionista  Ben Maddow) fue tan buena que, además de contar con el entusiasmo del propio W.R Burnett, fue reconocida con una nominación al Óscar.

En realidad, “La jungla” recibió cuatro nominaciones para los Óscar: al guion y a la dirección, a la fotografía (dirigida por Harold Rosson)  y para San Jaffe, como actor secundario.

No consiguió ninguno. Fue el año de la “Eva al desnudo” de Mankiewicz, que logró seis. La temática de la película y el tratamiento que le daba Houston eran demasiado duros para que la Academia la premiase en una época de exaltación de las maravillas del “american way of life” (la antítesis de las circunstancias en las que se desenvuelven los protagonistas de "La jungla de asfalto"). 

Sin embargo, las novelas de Burnett, con su crítica social y sus diálogos afilados y brillantes, eran muy adecuadas para su adaptación al cine, como se había demostrado ya con “Little caesar” (1929), (“Hampa dorada” en España), protagonizada por Edgard G. Robinson, que se había convertido en uno de los ejemplos canónicos del género de gánsteres.

La relación de  Burnett y Huston era antigua y de mutua admiración. Huston había trabajado, ya en 1932, en el guion de “Lwe and order”, basada en una obra de Burnett y, años después, ambos habían realizado, con muy buenos resultados, el guion de “El último refugio”, dirigida por Raoul Walsh y basada también en una novela Burnett.

 “La jungla de asfalto”, siguiendo a la novela,  relata la formación de una banda de atracadores, para llevar a cabo un gran robo en una joyería, y la consecutiva muerte o detención de los atracadores debido a la traición o la delación.

En los aspectos técnicos, se pueden destacar la utilización de planos picados (por ejemplo, Dix desde lo alto de la escalera hablando con Doll situada más abajo) o el predominio de líneas diagonales para enfatizar la tensión. En cuanto a la luz, es evidente la influencia del expresionismo alemán con sus violentos claroscuros y el predominio de escenas interiores nocturnas.

Con estos elementos, y con la muy parca utilización de la música de Miklós Rózsa, Huston consigue que desde las primera imágenes el espectador sienta como un halo de fatalidad cubre a todos los personajes.

En cuanto al reparto, su sabia elección fue uno de los grandes aciertos de Huston, que en sus memorias, “A libro abierto”, comentó:

 “Mi viejo amigo Sam Jaffe interpretó al criminal que planea el golpe ("Doc" Riedenschneider), y por este papel recibió el premio del Festival de Cannes a la mejor interpretación masculina. La película tenía un reparto perfecto. Sterling Hayden era el personaje principal, el bandido con mala suerte Dix Handley, y Louis Calhern hacía del abogado sinvergüenza de la banda (Alonzo Emmerich). Una de las frases que dice Calhern expresa el tema de la película: «El crimen no es más que una forma torcida del esfuerzo humano». Ese es el tono de toda la película. Había varias interpretaciones de virtuoso en “La jungla de asfalto” y fue, como se sabe, la película donde empezó Marilyn Monroe. “La jungla de asfalto” se convirtió en el modelo de muchas películas del género.”

Sobre Marilyn, Huston guardaba buenos recuerdos, en los que se mezclaban ternura e instinto de protección. Opinaba que era “condenadamente buena” actuando y siempre le tuvo cariño, a pesar de todos los conflictos que le provocó durante el rodaje de “Vidas rebeldes” (1961),  la última película que Marilyn logró terminar.

 

En cuanto a Sterling Hayden, sin llegar a alcanzar el estrellato como la Monroe, también tuvo su mejor época como actor a partir de esta película, y en los años 50 protagonizó “Johnny Guitar”, de Nicholas Ray, y “Atraco perfecto”, de Stanley Kubrick.

En realidad, todos los actores de esta película están perfectos en sus papeles; desde el gran secundario John McIntire, cuyo personaje, el comisario Hardy, representa la cara honrada de la ley (aquella sin la que “vence la selva y las bestias campan por sus respetos), hasta Barry Kelley como el corrupto teniente Ditrich (el personaje cuya aparición hace que el pragmático “Doc” comente: “La experiencia enseña a no confiar en un policía. Cuando menos lo piensas se ponen del lado de la ley”).

Y espléndidos están también Jean Hagen como Doll, o James Whitmore como Gus, o Marc Lawrence como el cobarde y despreciable Cobby…

Uno de los grandes logros de Huston en “La jungla” es la humanización de los personajes. Presentando algunos rasgos de cada uno, los acerca al espectador y evita que se conviertan en meros estereotipos: la nostalgia del pistolero por su tierra natal, el cariño paternal de Louis, el amor por los animales de Gus... Hay incluso cierta simpatía por los delincuentes y por sus códigos de lealtad.

Algo que  Huston deja muy claro en su película es que considera la delación como algo repugnante. Son  los años de “la caza de brujas del mccarthysmo” con sus penosos episodios de delación y  Huston aprovecha la película para dejar muy clara su posición al respeto.

John Huston, que se declaraba anticomunista pero también opositor a la furia anticomunista desatada en Estados Unidos en aquellos años, fue uno de los creadores, en 1947, del llamado “Comité para la Primera Enmienda” que intentó frenar las acciones del “Comité de actividades Antiamericanas” en Hollywood.

Paradójicamente, Sterling Hayden, que inicialmente apoyó a Huston en su Comité, terminó convirtiéndose en uno de esos delatores, no por miedo, sino porque creyó sinceramente que era su deber (Sterling, un verdadero aventurero en su vida privada, había sido marine y agente secreto). Sin embargo, Huston, que tenía un fuerte sentido de la amistad, se mostró compasivo con Hayden debido al profundo arrepentimiento que éste  mostró más tarde.

La película tuvo que lidiar con la censura, el famoso “Código Hays”, y sobre este tema Huston comenta en “A libro abierto” como consiguió burlar a los censores cuando estos rechazaron de plano la escena del suicidio del abogado. El director hizo entonces que el abogado fuera incapaz de escribir una nota coherente de despedida. Ese acto, en un hombre letrado, evidenciaba su enajenación y por tanto hacia admisible el acto suicida (inadmisible, según los censores, en una persona en su sano juicio).

Huston recordaba que  “A causa de la modificación la escena mejoró, pero yo no recomendaría intentar trampear el código de censura como forma de conseguir argumentos con éxito. Los censores fueron responsables de provocar daños irreparables en muchas películas.”

Lo cierto es que, a pesar de la censura, Huston logró quizás la mejor película que se ha filmado sobre un atraco. Dura, amarga, escueta, fatalista… sigue siendo imprescindible para los amantes del género o, simplemente, del buen cine.

Yolanda Noir

La bella y la bestia

Al pasar los años comenzó a impacientarse y perdió toda esperanza, pues, ¿quién iba a ser capaz de amar a una bestia?.

"La bella y la bestia" Kirk Wise y Gary Trousdale 
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Un joven príncipe francés se niega a dar cobijo a una anciana por su repulsivo aspecto (sí, un francés grosero, qué novedad) con tan mala suerte que la anciana resulta ser una hechicera con bastante tiempo libre. Así, como castigo el príncipe es convertido en una terrorífica bestia y deberá conseguir un beso de amor antes de cumplir 21 años para deshacer la maldición o el hechizo durará para siempre.

Convencido de que nunca volverá a ser humano, el príncipe se encierra en su castillo, aislándose totalmente del mundo hasta que hace prisionera a una joven aldeana que se quedará en el castillo a cambio de que la bestia libere a su padre, que había sido hecho prisionero previamente (cuando eres un monstruo recluido en un castillo, sin tele, ni internet, lo único que te queda es ir apresando a la gente).

La cuestión es que terminarán enamorándose de tal manera que la bestia renuncia a su objetivo liberando a su amada para que regrese junto a su padre. Semejante sacrificio y muestra de amor serán recompensados por parte de la joven, atrayendo al castillo a una turba de pueblerinos sedientos de sangre.

Walt Disney quiso llevar "La bella y la bestia" al cine en sus inicios, de tal forma que hubiese sido uno de sus primeros largometrajes, pero por diversos motivos la idea fue aparcada en los años 30 y después otra vez en los 50. La cosa cambió cuando en 1989 se estrenó "La sirenita", convirtiéndose en un éxito mundial. Hay que tener en cuenta que la historia de Ariel era el primer cuento de princesas que la compañía llevaba al cine desde que hicieron "Cenicienta" en 1950 y no las tenían todas consigo. Sin embargo su gran acogida hizo que se decidieran a seguir por ese camino, sacando finalmente del cajón "La bella y la bestia".
Así, mandaron un equipo al Valle del Loira para observar los paisajes y se pusieron manos a la obra. 

Como suele ocurrir en los cuentos de hadas, el original es un poco cruento y tuvo que modificarse para adaptarlo a un público infantil. Para empezar en el relato el príncipe no es castigado por su egoísmo, sino que la hechicera le maldice por negarse a casarse con ella, transformándole en una bestia incapaz de razonar. Y Bella no es hija única, sino que tiene tres hermanas que la atormentan constantemente. Esto se cambió porque recordaba demasiado a las hermanastras de Cenicienta, aunque la idea se mantuvo en forma de esas tres aldeanas rubias que se burlan de la protagonista.

También se eliminaron escenas. Se había pensado incluir una secuencia en la que Bestia arrastra un ciervo que había matado en el bosque y la reunión con el dueño del psiquiátrico no sería en la casa de Gaston, sino que éste visitaría el manicomio. Además en principio se pensó mostrar la transformación del príncipe en bestia (cosa que se vería en la pobre secuela). Como veis, situaciones demasiado sombrías.

Y es que la peli ya era bastante oscura. Para hacer a la bestia combinaron un montón de animales: la cabeza es una mezcla de búfalo y león con colmillos de jabalí y frente de gorila y el cuerpo es el de un oso con patas y cola de lobo. Además el castillo resulta bastante siniestro, siempre oscuro y repleto de gárgolas (que fueron diseños descartados de Bestia), así que lo arreglaron incluyendo una serie de alegres canciones, culminándolo todo en la escena del baile.

Por supuesto la película fue un éxito total. Fue la primera película de dibujos nominada al Oscar como mejor película (se lo llevó "El silencio de los corderos") y también la primera en ganar el Globo de oro a mejor comedia o musical. Como curiosidad decir que también es la primera peli Disney cuya princesa tiene el pelo castaño y también la primera que se dobló en España (hasta entonces las pelis de Disney nos llegaban dobladas por mexicanos).

Personalmente considero "La bella y la bestia" una de las mejores películas de Disney (anda ahí, ahí con "El rey león", "Aladdin" y "El libro de la selva" en mi ranking) y es sin duda la mejor de príncesas (y mira que me gusta "La bella durmiente" y "Blancanieves y los siente enanitos").

Y no sólo por la historia, el diseño de los personajes o las canciones, todo sobresaliente. Considero que "La bella y la bestia" nos trae la primera princesa Disney con verdadera personalidad. Vale, Ariel también tenía personalidad, pero era una adolescente enamorada... yo me refiero a alguien que caiga bien.

Bella no es una princesa de entrada, es una aldeana con interés por la lectura, dulce, pero con mucho carácter (magistral la escena en la que cura las heridas de Bestia). Por primera vez se veía una chica que no estaba obsesionada con el príncipe azul, ni le dejaba las tareas del hogar a la fauna autóctona y era imprescindible para el devenir de la historia, porque hacía falta alguien fuerte para lidiar con su situación.

En definitiva, una de las mejores películas románticas y de dibujos de todos los tiempos, divertida y visualmente sublime. Aunque no sea de tus favoritas, no te puede no gustar "La bella y la bestia".

Doctora

Filmografía de Dunia Ayaso y Félix Sabroso

Hacer cine en España es difícil y me estoy refiriendo al trabajo de director de cine, que, al contrario que en los EEUU, donde el dueño de la cinta es el que pone la pasta, el productor, aquí suele considerarse al director como autor único y verdadero.

Pero, claro, para montar una peli hace falta mucha pasta. Por eso casi todas las pelis que se hacen por aquí llevan subvenciones, patrocinios y productoras asociadas a manta. Hoy os traigo la aventura cinematográfica de un tándem que firmó unas cuantas pelis y unas pocas series de televisión. Y si el tándem se deshizo fue por la fatalidad de la Parca, que vino en busca de una de las partes de esta pareja.

Pareja de directores

Dunia Ayaso y Félix Sabroso eran una sólida pareja que sabían combinar matrimonio y dirección de cine. Bueno, dirección, guiones y todo lo que hiciera falta. Nacidos en las islas Canarias y compañeros del grupo de teatro del instituto, se lanzaron algo más tarde al difícil arte de probar hacer una película.

Ópera prima del tándem

En 1994 rodaron su primera película juntos que fue Fea. Dos años más tarde, y con soporte de la productora de Almodóvar, el Deseo, rodaron la película que les dio la fama “Perdona, bonita, pero Lucas que quería a mí” (1996) una cinta que mezcla mucho sentido del humor, clichés simpáticos y cierto toque macabro. Rodada casi por completo por las noches y en Canarias, aunque se finja que es Madrid, esta historia de tres amigos gays que comparten piso, el buenorro asesinado, la chacha bruta, la dueña de un karaoke y la pareja de policías, una profesional, otra, un desastre, conforman una cinta que arrasó por su frescura, a pesar de que la tildaran de kitsch y de superfcial. El aire petardo es, precisamente, lo buscado de esta cinta.

Con el éxito debajo del brazo, recalan en Madrid en 1998 para rodar su siguiente película, cortada por el mismo patrón. Se trata de “el grito en el cielo”, donde cuentan la demencial grabación de un show televisivo de caza de talentos y una gran estrella que no aguanta más, algunos trepas, y una serie de fauna que quiere ser famosa a toda costa.

Con descongélate (2003), cuentan la historia de unos actores venidos a menos en un barrio deprimido, que hacen lo que sea para sobrevivir cuando al director teatral le ofrecen realizar una película, pero todo se lía, como suele ocurrir.

Tras el parón para dedicarse a hacer una estupenda serie de televisión (Mujeres), vuelven a la gran pantalla para regir Los años desnudos. Clasificada S, de 2008, donde cuenta la historia de tres actrices del destape que tras el declive de este cine, se afanan por sobrevivir.

La última película de la pareja será “la isla interior” de 2009. Ya en los años desnudos han ido apagando el toque simpático y juvenil y en esta cinta cuentan la historia de tres hermanos que viven relaciones bastante dramáticas. Rodada en Las Palmas de Gran Canaria, cuna de los directores, demuestra su madurez que fue premiada en varios festivales cinematográficos como el de México, Marsella o Colonia.

También produjeron, como he mencionado, series de televisión. En 1999, ya radicados en Madrid, graban para Telecinco “Quítate tú pa ponerme yo”, una trepidante comedia de dos familias monoparentales a los que engaña el promotor inmobiliario teniendo que convivir a la fuerza en un chalet, donde descubriréis a Carlos Sobera, aún profesor de derecho en la universidad pública vasca, haciendo el papel de padre machista que tiene que lidiar con una actriz estirada por el mando de la vivienda.

Series incomprendidas

Ya, para RTVE, grabaron en 2006 la estupenda “mujeres”, que, a pesar de su gran calidad y la de premios recibidos, fue maltratada por la cadena pública relegándola a horas imposibles y al canal para minorías La2. Una pena, porque era una estupenda serie donde retrataba magistralmente la historia de una saga de mujeres de una familia y sus relaciones en el barrio que se quedó en una temporada cuando podría haber dado mucho más. Menudo ojo clínico el de los “mandamases” del canal público, siempre cargándose las series que produce igual que Saturno devorando a sus hijos.

Familia protagonista de Mujeres.

Félix Sabroso y Dunia Ayaso componían un equipo excelente. Según el propio Félix, él creaba el inicio de la historia y Dunia contribuía dotándola de correcciones y acabándola con todos los aspectos técnicos. La cosa es que funcionaban bien y construían unas historias amenas y simpáticas, y, a veces, duras pero con humor, y sus personajes eran bien construídos, creíbles, cálidos y humanos.

Creaban, además, un gran entorno de trabajo y muchas veces los actores repetían, así se convertían en asiduos Pepón Nieto, Loles León, María Pujalte, Candela Peña, Gracia Olayo o Malena Gutiérrez.

Trío principal de su primer éxito

Lástima que Dunia Ayaso nos dejara tan pronto. Falleció en 2014. Mientras convalecía de su dura enfermedad, fue guionista de la exitosa “la que se avecina” que debe su celebridad a la apuesta por crear personajes bien caracterizados, entre otras cosas.

Promo de "la isla interior" cuadro de actores principales y dirección

Sirva este post de hoy en memoria de esta cineasta que junto a su inseparable compañero hizo pasar grandes ratos con sus chispeantes historias al principio y su ternura en la madurez.

Enlaces de interes:

http://www.duniayfelix.com/

https://festivaldemalaga.com/noticias/ver/806/premiere-del-libro-la-isla-interior-en-el-festival


JULI GAN